Mawena Yehouessi (née en 1990) est une curatrice, chercheuse et artiste dont la pratique s’ancre dans le collage, à la fois comme éthique et méthodologie d’émancipation collective. 

Après des études en littérature, philosophie, gestion de projet et danse contemporaine, elle fonde en 2015 le collectif Black(s) to the Future, amorçant un travail à l’intersection de l’art, de la recherche et de l’activisme. Se décrivant comme une « collisionniste », elle explore les frictions et les connivences entre disciplines, formats et récits. En 2024, elle soutient la première thèse de recherche-création en Arts à la Villa Arson et à l’Université Côte d’Azur, intitulée Poïéthiques afrofuturistes : Trimer trames à l’intersection du collage et de la curation. Depuis 2025, elle enseigne à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Lyon. 

En Europe et à l’étranger, elle a conçu des expositions et programmes publics (Bétonsalon, La Box, Villa Arson, Fondation Ricard, Berghain/LAS…), tout en menant des activités pédagogiques, notamment à la HEAD–Genève et à l’ENSA Paris-Malaquais. Ses deux premiers films collectifs, Sol in the Dark et Joy Boy, sont présentés en avant-première à la 72ᵉ (2022) puis à la 76ᵉ Berlinale (2026), tandis que son travail visuel a été exposé, entre autres, au Beursschouwburg, à la Triennale de Dunkerque, Tanzhaus Zürich, deSingel et à l’IAC—Villeurbanne/Rhône-Alpes. Elle a également contribué à la traduction de plusieurs textes de Fred Moten en français, et ses propres écrits ont été publiés dans e-flux Architecture, A*Desk, Klima et The Funambulist et divers catalogues d’exposition.

Les DJs et producteurs Gernot Bronsert et Sebastian Szary, alias MODESELEKTOR, n’ont plus vraiment besoin d’être présentés.
Depuis le début des années 2000, ils forment un duo incontournable de la scène techno berlinoise, profondément enracinés à Berlin-Est.

Après de nombreuses tournées, ils sont devenus un groupe internationalement reconnu. Parallèlement, Bronsert et Szary ont fondé le label Monkeytown Records, véritable carrefour créatif au sein de l’univers MODESELEKTOR. Ils y produisent non seulement leurs propres morceaux, mais aussi ceux de nombreux autres artistes de différents genres.

Il est clair que MODESELEKTOR repose sur l’amitié, l’ouverture d’esprit et un optimisme éclectique envers la musique électronique. IDM, hip-hop, UK Bass, breaks, house, ambient : MODESELEKTOR s’est lancé à corps perdu dans tous les styles, offrant ainsi une grande variété à leur musique. Sans oublier les nombreuses collaborations avec des producteurs et
musiciens internationaux, et bien sûr leurs amis. Par exemple, sur leur album Monkeytown, on peut entendre Thom Yorke de Radiohead. MODESELEKTOR a également collaboré avec Tommy Cash, Flohio, Siriusmo, Blixa Bargeld, Iggor Cavalera, Catnapp, Otto Von Schirach, Paul St. Hilaire, Omar Souleyman, Anti Pop Consortium, Miss Platnum et bien d’autres. Bronsert
et Szary ne font qu’un ; ils n’ont jamais vraiment travaillé séparément pendant toutes ces années.

Puis est arrivé Moderat. C’était un projet avec leur meilleur ami Sascha Ring, alias Apparat. La formation de ce trio a ouvert un tout nouveau monde à MODESELEKTOR. Concerts à guichets fermés, salles combles : ils ont créé un véritable phénomène.
Mais ensuite, Sascha Ring a relancé son projet solo sous le nom d’Apparat, et MODESELEKTOR avait bien besoin d’une pause bien méritée. Ils étaient comme des chimistes dans leur laboratoire, en train de concocter de la musique, au sens le plus noble du terme. Le duo revient à ses racines, à ses débuts. Avec K7!, ils sortent la compilation DJ-Kicks
MODESELEKTOR. Lors de la création de cette compilation, ils ont pu porter un regard neuf sur leur musique, ce qui les a orientés vers leurs nouveaux projets.

Avec « Classics Vol. 01 » (MTR139 – CV1, inspiré de Curriculum Vitae), MODESELEKTOR sort une édition spéciale retraçant l’histoire de leur carrière. Avec ces huit titres, le duo a réinterprété ses deux premiers albums, Hello Mom! et Happy Birthday!, pour en faire une œuvre nouvelle.

Ces morceaux n’ont pas été simplement retravaillés à partir d’anciens fichiers, mais entièrement réenregistrés avec Johannes Wagner.

Il y a 15 ans, derrière le collectif Scale se cachait une bande de quatre amis passionnés désireux de sortir des sentiers habituels en mélangeant leurs savoir-faire à des heures perdues. Aujourd’hui, Scale a grandi et est maintenant multigénérationnel, son travail est présenté dans le monde entier, mais le collectif reste attaché à la culture du DIY et du fait maison. Ses membres se refusent à se définir individuellement comme artistes et préfèrent revendiquer la production collective d’installations d’art des nouveaux médias sous un nom unique en s’inspirant des sciences et du monde de l’art contemporain autant que dans la culture pop grand public. Ensemble, ils et elles explorent les liens entre musique et visuel, lumière et architecture, divertissement et art, nature et futur, homme et machine. Au fil des années et des créations pour les scènes musicales festives ou pour les environnements muséographiques, Scale a développé son propre langage pour créer des œuvres technologiques, narratives, sensitives, ludiques, accessibles au plus grand nombre et avec un attachement particulier à ne jamais cesser d’innover.

Depuis 2011, les chorégraphes franco-américains Liz Santoro et Pierre Godard collaborent étroitement à la création d’objets chorégraphiques génératifs et algorithmiques qui tentent de déjouer les habitudes de notre attention. Chez Liz Santoro, une formation classique au Boston Ballet, un diplôme en neurosciences à Harvard, et une carrière comme interprète sur la scène expérimentale new-yorkaise, ont forgé une curiosité inépuisable pour ce que le corps humain peut faire. Chez Pierre Godard, c’est un chemin délibéré de la science vers la mise en scène et la chorégraphie, en passant par une thèse en intelligence artificielle, qui nourrit une pensée sur l’avenir de la danse et son lien à l’ensemble de la société.

La singularité de leurs parcours respectifs les a amenés à élaborer des systèmes d’écriture chorégraphique originaux, centrés sur le mouvement et le texte, qui proposent au spectateur des expériences ludiques et hypnotiques.

Leur travail a été présenté en France, en Europe, en Amérique du Nord et en Asie. Ils ont créé diverses pièces de groupe, We Do Our Best (2012), Relative Collider (2014), For Claude Shannon (2016), Maps (2017), Noisy Channels (2018 et 2019), Stereo (2019), Scales (2019), Tempéraments (2019), Mutual Information (2021), The Game of Life (2022) ainsi que des pièces in situ comme Watch It (2012), Quarte (2014), FCS Redux (2017), Mass over Volume (2017), Learning (2018 et 2019), Contrepoints (2023). Watch It a reçu un Bessie Award en 2013 dans la catégorie « Outstanding Production for a work at the forefront of contemporary dance. » En 2021, l’oeuvre Contrepoints a été lauréate du dispositif « Mondes nouveaux » initié par le ministère de la Culture.

Christine Armanger est une artiste française. Chorégraphe, performeuse, auteure et plasticienne, elle a notamment travaillé avec Laurent Bazin et Marie-Noëlle Genod ; elle s’est formée auprès de Romeo Castellucci, Jan Fabre, Ambra Senatore, Gisèle Vienne. Elle pratique la mandoline et est titulaire d’un Master 2 en Arts du Spectacle – Histoire culturelle. Adepte des grands écarts de forme et de style, elle performe comme strip-teaseuse burlesque (2010-2011) en même temps qu’elle officie comme
journaliste arts vivants sur Radio Campus Paris (2008-2015). Après de premiers travaux, elle fonde la [Compagnie Louve] avec laquelle elle développe son écriture chorégraphique et plastique, dans une démarche résolument hybride et singulière. Elle s’intéresse tout particulièrement au cérémoniel, aux liens entre actuel et inactuel et emprunte à l’histoire de l’art pour la réinvestir. Simultanément à son travail scénique, elle a développé de 2010 à 2020 une pratique performative sur les réseaux sociaux sous son avatar : Edmonde Gogotte. En 2017, elle est lauréate du programme Hors les murs de l’Institut Français, en 2024/205 du Paris Réseau Danse et en 2025/2026 du programme franco-québécois « Art chorégraphique et imaginaires numériques ». Entre spectacle vivant et art contemporain, elle présente ses pièces et performances en France et à l’étranger.

Maxime Arnould, néx à Reims en 1992 et habite Bruxelles depuis 10 ans. Maxime travaille depuis 2018, autour de performances technocritiques et ludiques (hello world et passion 4 fear ) et collabore pour d’autres artistes (Magrit Coulon, Audrey Apers, Elsa Chêne, Ivana Müller, Paola Pisciottano et Mikael Serre). Sa pratique croise différentes formes : performances, vidéos, publications, interventions publiques, inscrites dans le champ de l’art vivant.

Dans la fabrication de pièces, son travail consiste à créer, le temps d’une performance,une communauté potentiellement agissante. Maxime ne se situe pas comme spécialiste, plutôt comme user, portant une réflexion critique et ludique sur l’usage de nos outils technologiques. 

Ce travail prend une forme proche de celle de l’artisanat, basée sur la fabrication et le détournement d’objets ou l’archivage de matériaux personnels (objets, vidéos), utilisés ensuite dans ses pièces. 

Depuis 2019, Maxime est  membre du collectif 3ème vague, un groupe d’artistes basé à Bruxelles qui travaille autour de l’écologie appliquée à l’art vivant. 

INVIVO a été fondé en 2011 sous la forme d’un collectif. L’équipe s’est réunie autour de la question suivante : comment la perception du spectateur et ses sensations peuvent-elles créer une nouvelle forme de narration ?

Fort de ses quinze  années de créations, de collaborations, d’actions culturelles et artistiques et de médiation, l’équipe a réussi à s’établir comme une référence dans le secteur du théâtre et des arts digitaux. Dirigé artistiquement par Julien Dubuc, INVIVO continue de développer, à travers chaque projet, sa singularité d’écriture et sa volonté d’interroger la place et les perceptions du public.

Julien Dubuc et INVIVO sont artistes associés au théâtre Ducourneau, scène conventionnée Jeunesses d’Agen et artistes de la constellation du Théâtre de l’Union, CDN du Limousin. INVIVO est conventionné DRAC Nouvelle Aquitaine, Département du Lot-et-Garonne, et soutenu par la Région Nouvelle Aquitaine et la Ville d’Agen.

Racha Baroud est une performeuse et réalisatrice libanaise. En 2015, elle met en scène Today was my birthday à Paris, un hommage musical au Théâtre de la mort de Tadeusz Kantor. En 2020, elle coréalise avec le cinéaste Roy Arida le documentaire Ali, Hachem et Khaled. En mai 2022, elle présente à Beyrouth sa pièce de théâtre What if those tears were not only mine ? En 2023, elle entame une recherche performative sur la question de l’effacement avec des patients de l’hôpital psychiatrique de Malévoz à Monthey (Suisse). Elle travaille actuellement sur sa prochaine performance When adjusted to darkness, your eyes begin to see en collaboration avec la compositrice Kinda Hassan avec qui elle forme le duo nommé Deaf-Tones. Depuis 2019, elle fait parti de l’équipe du Studio Amalgam, un espace dédié aux arts de la scène à Beyrouth.

Kinda Hassan est une compositrice et artiste basée à Paris qui travaille avec le son, la vidéo, le travail artisanal et la programmation logicielle. Ses œuvres ont été présentées dans divers festivals, musées et galeries d’art, notamment au Festival Résonance de Marseille (Mucem), au Festival Propagations (GMEM), au Mans Sonore (Biennale du Mans), à Cannes, à la Berlinale, à Oberhausen, à Jihlava, à Transmediale, à La Maréchalerie, au Mumok à Vienne, à la Casa Arabe à Madrid et dans d’autres espaces d’art, festivals et plateformes en Europe, en Amérique du Nord et au Moyen-Orient. Kinda Hassan a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l’Académie libanaise des beaux-arts (ALBA) en 2007 et un master en conception sonore de l’École supérieure d’art et de design (ESAD-TALM) du Mans en 2018. Elle a entamé depuis Octobre 2024 un projet de recherche doctoral artistique autour de la construction d’instruments automatisés en tant que pratique compositionnelle électroacoustique. Elle a collaboré en tant que conceptrice sonore et compositrice à de nombreux projets de vidéos, de films et de performances.

Après des débuts dans un groupe de jazz et plusieurs incursions dans la scène électronique à Tunis, la productrice et DJ tunisienne s’installe en France en 2016. Elle rejoint alors le label parisien InFiné, sur lequel elle sort deux EP, Klabb (2017) et Dhakar (2020), ainsi qu’un premier album, Khonnar (2018), salué par des médias internationaux comme Pitchfork ou The Guardian.

Sa musique explore de nouvelles façons de faire dialoguer les différentes composantes de la musique arabe, en les mêlant à l’électronique, à la club music et aux scènes avant-gardistes et expérimentales actuelles. Elle a notamment co-produit le titre « an itch », présent sur l’album Plunge de Fever Ray, et réalisé plusieurs remixes pour des artistes comme Bachar Mar-Khalifé, Flore, Domenico Torti ou encore Afrika Bambaataa. Elle collabore aussi avec le monde de la danse, en composant et interprétant la musique de Weaver d’Alexandre Roccoli en 2017.

En live comme en DJ set, Deena Abdelwahed s’est produite sur de nombreuses scènes et festivals internationaux, parmi lesquels Sonar (à deux reprises), Les Dunes Électroniques en Tunisie, le CTM Festival à Berlin, Dekmantel à Amsterdam, Dour ou encore Mutek à Mexico. Elle a également joué dans des clubs emblématiques comme Concrete et Dehors Brut à Paris, le Berghain à Berlin ou le Mutabor à Moscou.

Wael KOUDAIH (alias Rayess Bek) est un compositeur, performeur et artiste franco-libanais, pionnier du hip-hop arabe au début des années 2000. À travers son œuvre, il explore la mémoire culturelle du monde arabe en mêlant archives audiovisuelles, musique électronique et narration critique.

Après s’être imposé avec le groupe Aks’ser comme l’une des premières voix du rap en arabe, il se tourne vers des formes plus expérimentales avec Good Bye Schlondorff (2013), salué par le Centre Pompidou, le HKW et Superdeluxe (Tokyo). Son projet Love and Revenge (2015), qui remixe des classiques du cinéma arabe, a tourné dans plus de 24 pays.

Il poursuit cette démarche avec Galbi Galbi, autour des archives du Studio Baalbek, et Agmal Layali (2025), commande de la Philharmonie de Paris en hommage à Oum Kalthoum. Parmi ses autres œuvres : Strange Land (2019), DABAKA (2018), et 4375 (2017), toutes situées à la croisée de la mémoire, du son et de l’engagement.

Wael KOUDAIH collabore également avec le cinéma, le théâtre et le documentaire, affirmant une démarche artistique qui interroge les récits dominants et redonne voix aux archives oubliées.

Compositeur, multi-instrumentiste et artiste vidéo, Khalil Hentati (EPI) s’impose comme une figure centrale de la réinterprétation électronique contemporaine des musiques traditionnelles et populaires. Son univers sonore circule librement entre musique électronique, improvisée, club et savante, tissant des ponts entre héritage et modernité avec une cohérence et une émotion rares.

Aïchoucha, sa création immersive mêlant musique live et film documentaire qu’il a lui-même réalisé, a rencontré un succès critique et public retentissant — saluée par les artistes et les grandes institutions pour son approche singulière de la mémoire sonore nord-africaine. Son duo Aïta Mon Amour avec la chanteuse marocaine Widad Mjama a depuis tourné largement, portant leur vision de la musique populaire arabe contemporaine sur les scènes d’Europe et au-delà. Il est également membre de Frigya aux côtés du percussionniste Imed Alibi.

Au fil des années, il a collaboré avec un large spectre d’artistes, danseurs et musiciens — N3rdistan, Seydou Boro, Masrah el Khachaba, Arabstazy — à travers l’image, la danse contemporaine, l’animation, l’orchestration et l’arrangement lyrique. Il co-dirige le label franco-tunisien Shouka, et est co-fondateur de Mottamar, le Congrès arabe des musiques électroniques et innovantes.

László Zsolt Bordos est un artiste hongrois né à Brașov, en Transylvanie (Roumanie), en 1977. Il s’installe en Hongrie en 1997, où il étudie à l’Académie hongroise des beaux-arts de Budapest, puis, grâce à une bourse, au MediaLab de l’UIAH (Université d’art et de design) d’Helsinki. Il travaille avec des vidéoprojecteurs depuis l’an 2000. Reconnu comme l’un des pionniers du genre, il s’est illustré par ses premières performances de VJing 3D (2000-2004), ses projections novatrices (2005-2006) et ses œuvres de mapping 3D réalisées depuis 2007. Participant à de nombreuses expositions et festivals d’art, il a présenté son travail dans plus de 40 pays, notamment au Mapping Festival de Genève, à Glow Eindhoven, à Signal Prague, à Lux Helsinki, à Filux Mexico, à Ars Electronica Linz, au ZKM Karlsruhe et au Festival des arts d’Adélaïde. Les domaines d’intérêt de Bordos sont la cartographie d’objets, les projections architecturales, les projections de décors pour le théâtre et l’opéra, et il est impliqué dans des projets avec le MŰPA (Palais des Arts de Hongrie), le Semperoper de Dresde, l’Opéra de Dijon et le Barbican Centre de Londres.

Bordos a lancé plusieurs projets tels que : le premier concours de vidéo mapping au monde (organisé à Budapest en 2010), ALO – Art of Light Organization (2020),  le Manifeste de l’art lumineux (2021),  le cours d’art lumineux à MOME – l’Université d’art et de design Moholy-Nagy de Budapest (depuis 2021), cofondateur et président de LIGHTHOUSE – l’association des artistes lumineux hongrois  (entre 2021 et 2023) , initiateur et cofondateur de LAM – le Musée d’art lumineux de Budapest (2022),  co-organisateur des symposiums bisannuels sur la lumière en Hongrie (depuis 2023),  membre de la  John von Neumann Computer Society  (depuis 2024) ,  coprésident de la Société internationale Kepes (depuis 2024) .  

Allison Moore est une artiste multimédia qui travaille dans le domaine du cinéma immersif. Basée à Montréal (Tiohtià:ke), elle est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts (cinéma) de l’Université Concordia. Son travail a été présenté à la Biennale d’architecture de Venise, au Grand Théâtre du Québec, à la Société d’art et de technologie de Montréal, à Ars Electronica, à Tokyo Arts and Space, à MUTEK et à ISEA. Ses projets récents s’inspirent de la narration numérique, du vidéo mapping de paysages et d’architecture, du Fulldome, de l’art public in situ et de la performance. Les œuvres de Moore réinterprètent et reconstruisent le monde comme un paysage métaphorique où des êtres sensibles interagissent avec leur macrocosme allégorique. Moore travaille comme monteuse, compositrice et animatrice indépendante et enseigne actuellement à temps partiel à l’École de cinéma de l’Université Concordia.

Parker Heyl est un artiste cinétique, scénographe et enseignant à la Bartlett School of Architecture de Londres. Il crée des sculptures cinétiques et des environnements immersifs qui questionnent la vision du XXe siècle d’un monde pouvant être structuré numériquement et géré par des systèmes cybernétiques. Ces traductions ne sont pas sans perte : ce qui est perdu, c’est un sentiment de présence, ou d’aura de l’objet. Parker a créé des œuvres pour des galeries dont Frieze No.9 Cork St, la MAD Gallery à Genève et la Biennale d’architecture de Venise. Ses travaux comme scénographe ont été présentés à l’international dans des lieux tels que Brooklyn Paramount, FOLD London, la Biennale de Munich, le Festival de Glastonbury et le Festival de musique Coachella.

Le Collectif Impatience (75) met au centre de ses créations la recherche et le rapport à l’individu, au spectateur. 

“Face aux mouvements du monde, nous choisissons une démarche exploratoire. Nous inventons des formes qui déplacent le regard, qui détournent la façon de recevoir un spectacle et d’en devenir spectateur·ice. Nous déployons une  « dramaturgie de l’adresse ».  

Nos dispositifs et nos performances sont pensés comme des médiums interactifs avec le public : installations visuelles et/ou participatives, théâtre sans acteur, scénographie de  l’audience, mises en jeu de nous-mêmes…  

La rencontre peut être l’objet de départ d’un spectacle comme Bâton qui invite une personne extérieure au monde du théâtre à être le centre du processus. Mais nos recherches sur “l’audience” peuvent se transformer en obsession  comme dans Lumen Texte au point qu’il n’y a plus d’interprètes. La notion “d’assemblée” alimente le principe même de la Conférence de la TTension.  Nous développons des spectacles, des installations dans des galeries, des laboratoires, des protocoles de jeux et de discussions, des créations  sonores, des œuvres contextuelles dans des lieux non dédiés.  Notre recherche est nourrie de protocoles invitant à la confrontation, aux  enchevêtrements et à l’hybridation.  

Le croisement avec les arts plastiques est revendiqué. Le dispositif et le processus de création nous intéressent autant que le format final. 

Le projet de recherche Que peut la Nuit, soutenu par la mission recherche du Ministère de la Culture, a fait se rencontrer des chercheur.euses, des artistes et des enfants pour explorer, dans l’espace de la nuit, des formes participatives à hauteur d’enfants. À l’issue de cette recherche, une création éponyme a vu le jour en décembre 2025. 

Le Collectif Impatience est conventionné par la DRAC île-de-France depuis 2025, il reçoit régulièrement le soutien dans le cadre de ses créations d’aide au projet de la DRAC île-de-France, de la région Ile de France, du Dicréam et de la Spedidam… Ses créations se sont jouées entre autres au Théâtre de Vanves (92), au T.U (Nantes – 44), à La Filature (Mulhouse – 68), au Vivat d’Armentières (59), au C.12 (Mantes-La-Jolie (78), à Dello Scompiglio (Italie), à l’Échangeur (Bagnolet – 93), à Emmetrop (Bourges – 18), aux laboratoires d’Aubervilliers (93), au Maïf Social Club (Paris), au MacVal de Vitry (94), à Bain Public/Saint-Nazaire (44), au Théâtre du Train Bleu/Festival off d’Avignon, au Studio-Théâtre de Vitry (94), au Frac Lorraine (57) et dans les festivals Bruits de Galop (75), Dans Ta Cour (75), OTNI (75), Connexions (63), etc.

Basé à Grenoble, dans le tiers-lieu La Bifurk, Collectif Coin a été fondé en 2009 par Maxime Houot, physicien de formation. Il utilise l’art numérique comme médium pour explorer les thèmes du mouvement et de l’espace, tout en interrogeant notre perception de ces concepts. Il pilote à chaque nouveau projet un collectif formé en fonction des besoins, des savoir-faire recherchés et des envies de collaboration. Le collectif n’est donc pas composé d’artistes permanents, mais fonctionne de façon modulaire. 

Coin s’attache à la production d’installations et de spectacles aussi bien monumentaux qu’intimistes. Maxime Houot, porte, tour à tour, les casquettes de musicien, de scénographe et de «bidouilleur» en électronique et microcontrôleurs.

À l’origine, Collectif Coin était une structure associative créée autour d’un groupe de musique. Progressivement, le collectif a commencé à expérimenter avec des performances, de la photographie et de la vidéo. Lorsque les autres membres sont partis vers des emplois plus conventionnels, Maxime Houot a maintenu la structure vivante, qui est aujourd’hui davantage son entreprise personnelle, même s’il a conservé le nom pour des raisons historiques.

Tom Hébrard est designer et co-fondateur du label d’arts visuels OYÉ, qui travaille sur la transition écologique à travers l’art, le design et l’enseignement. Il a notamment co-développé un outil de projection low-tech, le visiophare , fabriqué à partir d’un rétroprojecteur d’école, qui permet de composer des récits visuels immersifs, à projeter en intérieur ou sur des façades de bâtiments. Sa devise : créer des imaginaires pour un futur souhaitable, les mettre en action et les diffuser.

Manon Lefébure est une artiste plasticienne et designer qui crée à la croisée de l’artisanat et de l’écriture. Se servant des sentiments intimes comme matière première, elle tente de faire résonner à travers ses objets, des émotions collectives et universelles auprès des publics, avec qui il lui arrive souvent de collaborer. Dans sa pratique du chant, Manon Lefébure, sous son pseudonyme Miaule Mort, utilise un looper vocal qui lui permet de mettre en musique live des récits.

Né en 1992 en France, vit et travaille en Tunisie.
Fredj Moussa a étudié au Fresnoy de 2021 à 2023. En 2024, il est résident à la Villa Médicis à Rome.

Sa pratique se situe à la croisée du film et de la sculpture. Il crée des paysages où la fiction devient un mode de résistance. À travers des vidéos et des costumes fabriqués à partir de matériaux de récupération, il fabrique des récits spéculatifs qui brouillent les frontières entre le document et le mythe. 

Les œuvres de Fredj Moussa ont été présentées dans des expositions telles que le B7L9 Art Station à Tunis (Tunisie), la galerie Selebe Yoon à Dakar (Sénégal), la Biennale de Berlin (Allemagne) entre autres. 

Il reçoit le prix CIFRA à LOOP Barcelona en 2023. En 2025, Fredj Moussa reçoit le prix du meilleur film documentaire expérimental au Festival de Jihlava (IDFF).

Jérémy Griffaud est un artiste qui explore la question du spectateur dans des réalités hybrides, à travers des dispositifs mêlant virtuel et réel. À l’aide d’aquarelles numérisées, de moteurs de jeu vidéo, de casques de réalité virtuelle et de projections monumentales, il propose des environnements immersifs et interactifs. Ainsi, dans ses installations Enlarge Yourself ou The Garden, le visiteur devient performeur et l’activation de l’œuvre est dépendante de son implication. Dans The Origin of Things, le visiteur se retrouve immergé dans un univers de science-fiction psychédélique qui questionne le rapport qu’entretient l’Homme avec la Nature. Jérémy est titulaire d’un DNSEP option art (Master), obtenu en 2017 au Pavillon Bosio, l’École Supérieure d’Arts Plastiques de la Ville de Monaco. Le public a pu expérimenter ses œuvres dans de nombreux lieux artistiques tels que le Musée National Marc Chagall à Nice pour une exposition personnelle, la Panacée à Montpellier, la Gaîté Lyrique à Paris ou encore le Shenzhen Museum of Art. Certaines de ses résidences artistiques l’ont amené à travailler en Norvège, en Pologne, en Chine, au Japon ou en Malaisie. En 2023, il est lauréat d’une résidence au sein de la Villa Médicis avec le programme XR Farnese. Son projet Dungeon a été récompensé à deux reprises, lors des festivals du film de Boden en Suède et Emerald Peacock à Saint-Pétersbourg.

Lara Tabet est médecin et artiste transdisciplinaire travaillant à l’intersection de l’art, de l’écologie, des sciences biomédicales et de la politique. Elle travaille sur plusieurs formats incluant la photographie expérimentale, l’installation, la vidéo et le bio-art. Son travail récent mêle recherche scientifique, fiction et autobiographie autour de l’eau, de la toxicité et des enchevêtrements multi-scalaires entre échanges microscopiques et flux globaux.

En 2012, après avoir terminé sa spécialisation en pathologie clinique à l’Université américaine de Beyrouth, Tabet a obtenu son diplôme du Centre international de la photographie à New York et a reçu la bourse Lisette Model.

Son travail a été présenté dans le monde arabe, aux États-Unis et en Europe. Ses expositions incluent la 13e Biennale de Taipei, How will it End, Villa Boghossian, Bruxelles, 2022, Emergent Strategies from the Deep, Savvy contemporary, Berlin 2021, et de nombreuses autres. Elle a reçu des bourses de l’AFAC et d’Al-Mawred Al Thaqafi, et a été lauréate de la bourse Arte East en 2016 et du Prix du Musée Sursock en 2018. En 2022, elle a reçu le prix de mentorat Prince Claus pour la réponse culturelle et artistique au changement environnemental. Elle vit actuellement à Marseille.

Miguel Miceli est un artiste interdisciplinaire italo-espagnol. Sa pratique s’articule autour de la mutation du paysage, à la croisée du sublime technologique, de l’occulte et de l’écologie. Tissant des liens entre traditions ancestrales et modernité, il décentre le regard anthropocentrique au travers de narrations spéculatives et d’installations évolutives. Il travaille souvent à la lisière des territoires, à la recherche d’éléments porteurs de mémoires personnelles et collectives qui questionnent les dualismes entre nature et culture, sujet et objet, rêve et réalité.

Stéfane Perraud et Aram Kebabdjian collaborent depuis 10 ans. Ils développent une pratique à la croisée de l’art, de la recherche scientifique et des humanités environnementales. Leurs travaux interrogent les dispositifs de mesure, les régimes de preuve et les formes de traduction sensible des phénomènes écologiques, en articulant données, protocoles techniques et récits contemporains. Leurs travaux explorent les relations entre paysage, écoute et immersion, à travers des installations, des compositions et des dispositifs situés. Ensemble, ils créent des machines narratives. Entre fiction et document, art et science, littérature et mythologie, installation sculpturale ou trans-média, leur travail tend à constituer une archéologie de notre temps. Leur travail a été présenté à la Plateforme 10 à Lausanne, au CENTQUATRE et au BAL à Paris, au Lieu Unique à Nantes, au Centre Wallonie Bruxelles ou au FRAC Corsica…

Né en 1991, Thomas Garnier est un artiste visuel et architecte français dont la pratique explore le cycle de vie de l’environnement bâti à travers le prisme de l’automatisation numérique. Diplômé de l’ENSAPVS et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, il est lauréat du prix « Révélation Arts Numériques » de l’ADAGP pour son installation Cénotaphe.

Thomas Garnier s’appuie sur des modes de production de pointe — robotique, impression 3D et ingénierie environnementale — pour réactiver des dispositifs pré-cinématographiques tels que la fantasmagorie, la lithophanie ou le « Pepper’s Ghost ». Son travail opère une forme d’ « hantologie technique », où la précision des machines contemporaines sert à réanimer les spectres de l’histoire architecturale. Des maquettes de béton automatisées qui se construisent et s’effondrent perpétuellement aux jeux d’ombres robotisés de « dark factories », ses installations créent un dialogue entre la masse des vestiges industriels et l’immatérialité du flux numérique.

En télescopant l’imagerie romantique du XVIIIe siècle avec des paysages générés par IA — où s’entremêlent serveurs et hubs logistiques — Thomas Garnier documente un monde en dérive, suspendu entre édification et décomposition. Sa pratique révèle une archéologie du présent : un espace instable et illusoire où la frontière entre l’archaïque et le futuriste finit par se dissoudre.

Yue Cheng est une artiste-chercheuse d’origine chinoise qui vit et travaille en France. Diplômée de l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles, elle est actuellement doctorante au Fresnoy – Studio national des arts contemporains, en collaboration avec l’Université du Québec à Montréal (UQAM).

Son travail s’ancre dans une réflexion sur les formes contemporaines d’habiter à l’ère de l’Anthropocène. Nourri par son expérience d’avoir grandi en Chine dans un contexte de développement rapide, il interroge les tensions entre anthropocentrisme, urbanisation et crise écologique. À travers des écosystèmes spéculatifs — ville souterraine, île artificielle, sphère, système mycélien — elle met en relation des phénomènes constitutifs de la modernité, tels que la société de consommation, la persistance de récits révolutionnaires et les mutations du paysage urbain.

À la croisée de la photographie, de la vidéo, de la sculpture et des hybridations numériques, elle développe une pratique poétique et prospective. Ses œuvres construisent des microcosmes où s’élaborent des réflexions sur l’utopie, le rêve, le spectacle et les relations entre les êtres humains et leur environnement.

Son travail a été présenté en France, en Chine, au Canada, en Allemagne, en Suisse et en Grèce.

Yassin Agrbi mêle harmonieusement son expertise d’électricien à sa passion pour l’art lumineux. Depuis 2018, il contribue à des productions artistiques, notamment à l’INTERFERENCE Light Art Project à Tunis. Dans sa pratique créative, Yassin Agrbi réutilise des matériaux de son atelier d’électricien. 

Dorra Hichri, née à Sousse (Tunisie), est titulaire d’un doctorat en esthétique et pratiques des arts. Elle est actuellement enseignante à l’Institut Supérieur des Arts et Métiers de Sidi Bouzid. Artiste visuelle active depuis 2018, elle développe une pratique à la croisée de la recherche et de la création.

Sa démarche mêle réflexion théorique et expérimentation artistique à travers différents médiums. Elle s’intéresse particulièrement à l’image numérique, qu’elle explore comme une matière en transformation. À travers ses dispositifs, elle crée des expériences visuelles immersives, en utilisant la vidéoprojection, le vidéo-mapping et les écrans. Depuis 2022, son travail établit des liens entre art et science, ouvrant de nouvelles manières de percevoir l’image.

À travers ses projets, elle cherche à questionner notre rapport au vivant et au sensible, en invitant le spectateur à faire l’expérience d’images en mouvement, en constante évolution, entre perception, émotion et transformation.

Maïssane Alibrahimi est une artiste franco-marocaine dont la pratique interroge les rapports de pouvoir, les structures patriarcales et les récits et construction de la féminité à travers une perspective féministe et décoloniale. Elle explore les tensions entre douceur et résistance, tradition et subversion, en mobilisant des matériaux symboliques et domestiques qu’elle transforme en structures fragiles, ornementées et évolutives, à la croisée de la sculpture, de l’installation et de la performance machinique.

Puisant dans l’intimité du foyer, elle en extrait gestes, usages et micro-rituels. Son travail s’appuie sur les latences des objets, des codes cérémonials et des images domestiques, explorant la façon dont le corps inscrit sa présence dans le temps et l’espace. En activant ces formes ordinaires, elle met au jour des fragments et totems du quotidien dont la banalité masque la charge symbolique.

Fondées sur l’assemblage, l’empilement et l’éphémère, elle développe une esthétique du déséquilibre et de la transformation. Ses gestes, à la fois méditatifs et transgressifs, déconstruisent les formes normées pour révéler la violence latente inscrite dans les structures économiques, sociales, familiales et spirituelles.

Sensible aux transmissions culturelles et aux héritages contradictoires, elle détourne les codes de l’ornementation, des symboles traditionnels et des rites pour les reconfigurer comme des espaces critiques, des stratégies d’émancipation, de déplacement et de réappropriation.

Diplômée de la Villa Arson (Nice), et d’un MBA international en Art à l’IESA (Paris) elle vit et travaille entre Paris et Rabat. En 2024, elle est sélectionnée pour le programme Arab Artists Now – Feminist Legacies porté par K-oh-llective et Lina Ramadan. En 2025, elle reçoit le Prix du Public au Prix Icart Artistik Rezo et le Prix du Jury du Prix Dauphine pour l’Art Contemporain, aux côtés de la curatrice Juliette Hage.

Née en 1964, Albertine Meunier vit et travaille à Paris et Vitry sur Seine.

Elle pratique l’art dit numérique depuis 1998 et utilise Internet comme matériau de création. Elle explore l’essence d’une poésie, d’une esthétique du numérique et des réseaux. Elle cultive les formes simples, minimales, semblant parfois «bricolées», volontairement loin de l’hyper-technicité de certains dispositifs numériques.

Ces travaux questionnent, autant de manière critique que ludique, les grands acteurs de l’internet tel que Google, Twitter ou Facebook et le nouveau monde qui nous entoure.

Elle tente dans ses recherches et pièces créées à révéler l’invisible ou la poésie des choses numériques.

Albertine déroule le fil d’une poésie ludique, impertinente et drôle. Elle est DataDada et cela se voit!

C’est à la croisée des questions de langue, de technologie et de genre que se développe le travail artistique de Cécile Babiole. Attentive à l’impact du déploiement technique, elle analyse les usages pour créer des œuvres (installation, sculpture, son, vidéo, performance, édition…) qui détournent les langages (informatique, écrit, oral) et mettent en lumière leurs codes ou fonctionnements. Entre analogique et numérique, entre artisanat et informatique, entre pratique sonore et volume, elle déploie un regard sur notre environnement et ses outils.

Jean-Marie Boyer est artiste développeur spécialisé dans la réalisation d’installations, de performances et d’interfaces faisant autant référence aux systèmes codifiés de la représentation artistique (peinture, architecture, contre-cultures) qu’aux phénomènes humains et physiques (géo-politique, socio-économie, finances) perception sensorielle, systèmes cognitifs. Il est membre fondateur du collectif RYBN.

Artiste qui examine avec humour nos temps hypermodernes, Filipe Vilas-Boas développe une critique satirique de la notion de progrès technologique tout en cultivant sa propre poésie analogique et numérique. Ses installations, vidéos et performances mêlent IA et DIY, robotique et philosophie, sociologie et littérature, astronomie et musique.

Filipe Vilas-Boas est un artiste né au Portugal en 1981. Il vit et travaille à Ivry. Artiste conceptuel jouant de la porosité entre les mondes IRL et URL, ses créations combinent récupération, détournement et nouveaux médias. Il explore en particulier les accès et les excès du numérique et tente d’en matérialiser les implications éthiques et esthétiques.

Artiste autodidacte, sa pratique a débuté en 2008 avec des interventions en réseau dans l’espace public. La même année, il commence à exposer entre autres à la FIT Freie Internationale Tankstelle à Berlin. Dès 2014, il participe à Nuit Blanche avec une voûte céleste interactive au sein de l’église Saint-Eustache. En 2015, il présente sa première exposition personnelle à la galerie Flaq à Paris et participe au Musée Passager. Son travail a été souligné au sein de deux éditions du livre Portuguese Emerging Art en 2018 et 2019. Il expose aujourd’hui régulièrement ses oeuvres en France et à l’international.

Dernièrement, ses installations, vidéos et performances ont été mises à l’honneur dans divers événements artistiques et numériques comme la Conférence Internationale sur l’Intelligence Artificielle à l’UNESCO ou la Semaine de la langue française et de la Francophonie ou encore à la Biennale Siana, la Biennale Némo au CENTQUATRE et au Musée des Arts et Métiers, aux Teatros del Canal à Madrid, au ADAF à Athènes, au Share à Turin, à la galerie Zaratan, au MAAT Museum à Lisbonne, au CCBB Belo Horizonte au Brésil et au Tate Modern à Londres.

Julien Prévieux est artiste et professeur à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. Il développe une œuvre attentive aux technologies qui organisent, mesurent et parfois anticipent les conduites humaines. Plutôt que d’aborder l’intelligence artificielle comme une rupture récente, il en interroge les conditions historiques : les systèmes de classement, les protocoles de mesure, les outils de prédiction, les modèles comportementaux et les imaginaires cybernétiques qui la précèdent et la rendent possible. En ce sens, son travail s’inscrit dans une archéologie critique des médias et des techniques, où les technologies contemporaines apparaissent comme le résultat d’une histoire longue faite de machines administratives, de normes et de corps contraints. Ses œuvres prennent des formes multiples (films, performances, installations, dessins, lettres ou protocoles) et déplacent ou ralentissent les dispositifs de calcul pour mieux en révéler les logiques politiques.

Lauréat du Prix Marcel Duchamp en 2014, il a présenté son travail dans de nombreuses expositions personnelles et collectives, notamment au Centre Pompidou à Paris, au centre d’art Art Sonje à Séoul, au MAC de Marseille, au RISD Museum of Art de Providence, au ZKM de Karlsruhe, à la 13e Biennale de Lyon et à la 10e Biennale d’Istanbul. Ses performances ont été présentées à la Ménagerie de verre à Paris, au T2G – Théâtre de Gennevilliers, à DiverseWorks à Houston et à l’Usine C à Montréal.

Daniela Nedovescu et Octavian Mot, connus sous le nom collectif de « mots », forment un duo d’artistes et de réalisateurs roumano-allemands qui travaillent ensemble depuis plus de 14 ans. Ils écrivent, réalisent et produisent des œuvres dans les domaines de l’installation, du cinéma, des séries web et des médias numériques. Leur pratique hybride mêle technologies émergentes, environnements physiques conçus sur mesure, réflexion narrative et formats participatifs.

Au cœur de leur travail se trouve un intérêt pour la manière dont la société et les systèmes technologiques façonnent la perception, le comportement et l’expérience sociale. En utilisant des logiciels sur mesure, le design interactif et les médias audiovisuels dans le cadre de leur langage artistique plus large, ils créent des projets qui combinent narration immersive, perspective critique et pertinence culturelle.

Leurs œuvres ont été présentées à l’échelle internationale et ont remporté le Lumen Prize Experiential Award 2025. Les projets de mots ont également été présentés dans Artnet, Wired, Variety, CBS et Designboom.

Olivain Porry est artiste et docteur SACRe du laboratoire EnsadLab de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs. À travers le détournement d’objets et de technologies préexistantes, son travail interroge la position du spectateur comme de l’auteur, du sujet autant que de l’objet. Il explore les relations qu’entretiennent humains et machines dans les liens qui se tissent entre public, œuvre et environnement. De 2019 à 2022, il mène sa thèse de doctorat sur la forme du collectif de robots comme modalité de pratique artistique. Ses recherches en cours, dans lesquelles s’inscrit le projet « Lies Language Models », s’attachent à l’opérativité et l’interactivité de l’écriture à l’heure des grands modèles de langage. Il cofonde en 2024 les éditions du respirateur et publie « Arafed Dictionary », dictionnaire en forme de data poisoning et engage ensuite, avec le projet « Synthetic Syncretism » en résidence à la Villa Albertine (2026), un travail sur la créolisation artificielle dans les dialogues entre IA. Les écrits de Olivain sur les modalités des pratiques artistiques au prisme des technologies contemporaines ont été publiés dans plusieurs revues et ouvrages académiques. Son travail est reconnu pour son approche innovante, il a été lauréat de prix comme le Pulsar Prize (2018), ainsi que d’appels à projets institutionnels. Il a contribué à divers projets de recherche et expositions en France, aux États-Unis et en Suède, notamment au Musée des Arts et Métiers, à la Gaîté Lyrique, au Centre Wallonie-Bruxelles ou encore à la Maison des Métallos, et est représenté aujourd’hui par l’Avant-galerie Vossen, à Paris.

Lundja Medjoub est designer, artiste et compositrice. Elle conçoit des installations, des performances et des compositions électroacoustiques. Lundja Medjoub est née en 1992, à Ermont, elle vit et travaille à Marseille. Elle est diplômée de l’école d’Art et de Design de Saint-Étienne en design d’espace (2016) puis de l’école d’Art et de Design TALM le Mans en design sonore (2018). Elle crée des installations sonores en collaboration avec les plasticiennes Joséfa Ntjam et Audrey Perzo puis sa rencontre avec le théâtre se fait aux côtés d’autrices et metteuses en scène telles que Marine Bachelot Nguyen, Karima El Kharraze, Penda Diouf. La lecture spectacle Soeurs est sa première création pour le spectacle vivant et elle découvre un tout nouvel espace de jeu. 

Avec les sons elle tisse la musique entre les mots, fait entendre des langues étrangères et joue avec les voix des autrices sur le plateau. Depuis, la mise en scène des sons est devenu le lieu d’expérimentation principal de ses créations sonores et plastiques. 

À Marseille, elle compose de la musique électroacoustique, travaille avec un groupe d’improvisation libre et est artiste résidente à Artagon Marseille (2024-2025), pour développer sa pratique artistique et porter ses propre projets. 

Ses pièces et installations ont été diffusées en France pour le Festival Manifest 2022 au Centre Pompidou, Supersonique et Art’o’rama Marseille, au CAC la Traverse à Alfortville, à l’Espace Camille Lambert à Juvisy. En 2023 elle effectue une résidence à Dubaï avec l’Institut français des Émirats arabes unis qui est à la genèse d’un projet d’installation sonore autour de la voix de service dans les espaces publics.

Agnès de Cayeux observe notre territoire de l’Internet de manière compulsive parfois. Comme chacune d’entre nous. Du massacre de Virginia Tech aux Cyborgiennes, elle programme des écritures à distance : In my room, chambres littéraires produites par Arte et déposées sur les fragments de corps de femmes auto-filmées – Alissa, créature IA programmée, figure littéraire développée pour le Jeu de Paume – Le Cas de l’hippocampe, oeuvre immersive et littéraire conçue pour la Biennale Musicale de Venise. Depuis 2010, Agnès de Cayeux explore in situ les enjeux arctiques : questions d’archives, héritages familiaux liés aux expéditions polaires françaises des années 1950, problématiques éco-technologiques, post-coloniales et féministes. En résidence en 2011 au Groenland dans le cadre d’une Villa Médicis Hors les Murs, puis soutenue par le CNAP en 2015. Ses installations arctiques ont notamment été présentées au Centre Pompidou (2017), au Centre d’art La Panacée à Montpellier (2015) et plus récemment à la Biennale SIANA à Paris-Saclay (2025). Avec la performeuse Maëlla Mickaëlle, elles parcourent la côte Ouest du Groenland en 2023, filmant les gestes de la danseuse, de ces immuables icebergs du fjord d’Ilulissat aux formes futuristes du data center de Nuuk.

Mathilde Reynaud, artiste numérique, née en 1994, vit et travaille à Saint-Étienne (Loire, France).

Diplômée de l’École supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne, elle a étudié à la Kookmin University en Corée du Sud. Elle a ensuite intégré l’Unité de Recherches Numériques des Beaux Arts de Lyon, puis le Fresnoy – Studio national des arts contemporains.

Sa pratique artistique s’articule autour de l’image de synthèse 3D, un médium qu’elle aborde comme un outil d’empowerment, avec un regard féministe. Au moyen d’installations, de vidéos et de jeux vidéo, elle explore les liens que nous tissons avec les environnements virtuels et les écosystèmes qu’ils génèrent. À travers ceux-ci, elle tente de construire des discussions entre ces possibles qui coexistent entre réel et virtuel. Son travail, construit autour de fabulations, glisse vers une forme de science-fiction, ouvrant des espaces de réflexion sur la science, la nature, l’altérité, le féminisme. Des récits qui proposent le sensible et l’attention à l’autre comme manière d’exister, pour imaginer d’autres futurs technologiques.

Son travail a été présenté en France, en Corée du Sud, en Lettonie, en Arménie et au Sénégal.

Né en 1991 à Nice, vivant à Marseille, Sacha Rey est un artiste plasticien et réalisateur. Il a soutenu un mémoire de recherche sur la méthodologie de travail, qu’il nomme «danse documentaire», à l’EHESS Paris. Sacha a utilisé cette méthode dans trois précédents films et installations : But I’m a Cheerleader, qui a été présentée dans une exposition personnelle lors du FID à Marseille et pour laquelle il a obtenu le prix Sud Émergence du festival OVNi en 2024 ;  To Wander So Many Miles in Vain qui a été diffusé au cinéma du Réel en 2022 et  This Picture of You, avec lequel il a été diplômé des Beaux-Arts de Paris avec les félicitations du jury en 2019. Ses installations vidéo et court-métrages ont été présentées dans des expositions personnelles en Croatie (2026) ainsi qu’en Belgique et en Allemagne (2025) ; dans des expositions collectives : CAC Brétigny (2023), la Villette (2023) et le Festival Parallèle (2022). Son travail a été soutenu par la Fondation des Artistes, Mécènes du Sud Aix-Marseille, le CNC, la DRAC PACA et l’ADAGP.

Hela Lamine, née à Tunis en 1984, vit et travaille à Tunis. Elle est diplômée de l’Institut des Beaux-Arts de Tunis et de l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne. De par sa formation de graveur, le dessin, qui constitue traditionnellement la base même d’une estampe, occupe une place très importante dans son travail. Jamais acquis, mais sans cesse remis en question, Hela Lamine s’intéresse à son évolution technique et historique, et s’interroge surtout sur la place qu’il peut occuper « à l’époque de sa reproductibilité technique ». Elle interroge ainsi la notion d’ « aura », mais aussi celle du « sacré », de la confrontation de l’ « unique » face au « multiple », de l’ « originel » et du « reproductible », du « consommable », du « consommé », et de « ce qui en reste »… jusqu’à une forme de boulimie linéaire qui prend, sur la durée, la forme de couches superposables semblables à celle des strates sédimentaires. Le dessin en VR (réalité virtuelle) occupe depuis quelques mois une place très importante dans ses recherches. Elle travaille essentiellement par séries, qui ont toutes pour principales matrices des portraits et/ou des corps humains qu’elle repère quotidiennement sur internet, mais également dans les livres, les magazines et les journaux. Elle collectionne, archive, déplace, dessine, dissèque, observe, replace, redessine encore et encore, de manière quasi obsessionnelle ; les met et remet en scène dans des fictions qu’elle qualifie d’« ouvertes » en référence au concept d’ « œuvres ouvertes » d’Umberto Eco. La figure / corps y est bien souvent malmenée, basculant entre beauté et laideur, entre figuration et abstraction, entre rêve et cauchemar… le corps humain y est poussé toujours un peu plus vers ses propres limites, et parfois bien au-delà. Pour son exposition personnelle intitulée « The Unsecret life of Samantha.C », Hela Lamine décide de mener une expérience inédite d’une durée d’un an et demi, au cours de laquelle elle suit en secret les publications d’une certaine Samantha, choisie au hasard sur le réseau social Facebook, et travaille sur toutes les données numériques dont elle a légalement accès. Ce qui l’intéressait le plus était les photographies visibles publiquement, où on y retrouve Samantha, ses amis et sa famille. En 2015, Hela Lamine y expose plus de 100 œuvres graphiques entre peintures, dessins et techniques mixtes, tous traitant de la vie « non-secrète » de Samantha.C. Participe depuis 2007 à de nombreuses expositions collectives en Tunisie et à l’étranger.

Stéphanie Roland est une artiste visuelle et réalisatrice, basée à Bruxelles. Elle réalise des films et des installations qui explorent, entre le documentaire et l’imaginaire, les structures invisibles du monde occidental, les larges échelles du temps et les hyperobjets. Elle puise son inspiration dans des champs variés, allant de l’écologie à la politique, en passant par la géologie et le cosmos.

Après avoir été diplômée de La Cambre et avoir suivi la classe de Hito Steyerl à l’UDK Berlin, elle a effectué un cursus au Fresnoy – Studio National. Son travail est régulièrement présenté au niveau international, ses projets ont été inclus dans des expositions d’institutions majeures: Biennale de Venise, Centre Pompidou, Stedelijk Museum, Musée du Louvre, Musée Benaki, Haus der Kulturen der Welt, Botanique, Biennale internationale d’art de Kampala, Wiels et ISELP. Breda Photo, Belfast Photo festival, Encontros da Imagem, BIP Liège et MOPLA Los Angeles font partie des festivals dédiés à la photographie auxquels elle a participé. 

Ses films ont été projetés dans des festivals internationaux tels que Visions du Réel, FID Marseille, Festival dei Popoli, ZINEBI Bilbao, FEST New Directors / New Films, les Rencontres Internationales Paris / Berlin, Curtas Cinema et PÖFF Shorts Tallin black nights, entre autres. Son premier film Podesta Island a remporté le prix Alice Guy au FID Marseille et son second film Le cercle vide a reçu le prix TËNK au festival Visions du Réel, à Nyon. 

Un programme « prospectif » présentant l’ensemble de ses films a été organisé au Centre Pompidou à Paris en 2024.

Amer Al-Barzawi (né en 1987 à Damas) est un artiste multidisciplinaire et cinéaste syrien basé en France. Ancrée dans la gymnastique, la danse contemporaine et le cinéma expérimental, sa pratique explore la tension entre mémoire personnelle et récits officiels, présence numérique et hiérarchies invisibles qui façonnent la culture et l’appartenance. Il est diplômé avec mention du Fresnoy – Studio national des arts contemporains (2024), où il a développé Hybrid Memory.

Amir, artiste et cinéaste égyptien, travaille entre Paris et Alexandrie. Diplômé de l’Université d’Alexandrie (peinture, 2015), de l’École d’art d’Aix-en-Provence (Master) et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, il s’engage contre les inégalités sociales en éducation et culture, influençant son art et sa pédagogie.

Ses œuvres critiquent l’histoire coloniale, explore l’absurdité de la guerre et des récits post-coloniaux, et réinterprète poétiquement les thèmes religieux. Ses recherches sur la culture visuelle et l’archéologie des médias examinent le mouvement et la narration (sculpture, installation, film, vidéo). Ceci a mené à la « Kinemania », son terme pour la fascination sociétale pour le mouvement visuel, exprimée par des objets cinétiques.

Né en 1991, l’artiste franco-marocain Mounir Ayache invite à renouveler notre regard sur les réalités politiques et sociales du monde arabe par ses créations technologiques. Il est diplômé de l’école des Beaux-Arts de Paris en 2017 et ancien pensionnaire de la villa Médicis (session 2022-2023).

En reprenant les codes de la science-fiction auxquels il mêle histoires familiales et réappropriation imaginaire des expériences et identités arabes, il s’inscrit dans le courant non-officiel de l’arabfuturism, influencé par l’afrofuturism des années 1990, qui s’inspire de la fiction pour proposer des récits alternatifs. Mounir Ayache singe les représentations de l’Autre et de l’Étranger dans les fictions occidentales, et se sert des nouvelles technologies pour réaliser et transmettre ses idées, brouillant ainsi les frontières entre art contemporain et entertainment. 

Son année de résidence à la villa Médicis a été l’occasion de réaliser des recherches dans le cadre d’une fiction transportant le personnage Léon l’Africain, auteur de la Description de l’Afrique du 16e au 26e siècle, se déployant à travers l’écriture, la sculpture ou encore l’ installation.

Saïd Afifi est un artiste contemporain dont la pratique picturale s’inscrit dans une réflexion sur le paysage, envisagé comme un espace de projection mentale autant que comme une réalité physique. Depuis plus de quinze ans, il développe un travail centré sur la transformation des territoires et leur perception à l’ère des technologies numériques.
Son œuvre explore les relations entre observation, mémoire et recomposition. À travers la peinture, il interroge la manière dont les outils contemporains — notamment les dispositifs de cartographie et d’imagerie satellitaire — influencent notre regard sur le monde. Ses compositions, souvent structurées par strates et fragments, évoquent des vues aériennes instables, où les repères géographiques se dissolvent au profit d’une lecture sensible et subjective.
Le paysage, dans son travail, n’est jamais fixé : il apparaît comme un territoire en mutation, traversé par des dynamiques proches de celles décrites par le concept d’Anthropocène. Ses peintures traduisent ainsi des tensions entre précision technologique et incertitude perceptive, entre surface lisible et profondeur matérielle.
Saïd Afifi a présenté son travail dans diverses expositions et s’inscrit dans une démarche artistique qui interroge autant les conditions de représentation que les enjeux contemporains liés à l’image et à l’environnement. Son projet Lithosphère constitue une étape significative de cette recherche, articulant une réflexion sur la cartographie numérique avec une approche sensible de la peinture comme matière et comme mémoire.

Valentina Berthelon est une artiste multimédia chilienne installée à Berlin. Son travail, qui englobe la vidéo, le son, l’animation et les technologies immersives, explore les intersections entre l’art, la technologie, la perception et la mémoire collective. À travers des installations et des performances poétiques et multisensorielles, elle s’intéresse aux forces invisibles — matérielles, émotionnelles et symboliques — qui façonnent notre expérience de la réalité.

Helena Nikonole est une artiste spécialisée dans les nouveaux médias, une commissaire indépendante, une chercheuse et une enseignante basée à Berlin. Ses domaines d’intérêt comprennent l’intelligence artificielle, le hacktivisme, l’art hybride et la biosémiotique. Se décrivant comme une entité fluide et espiègle, elle évolue entre les scénarios utopiques d’un avenir post-humain, les contre-technologies militantes, l’art en tant qu’innovation et une approche critique de la technologie — refusant de se cantonner à l’une ou l’autre de ces positions. Elle prépare actuellement un doctorat sur les modèles de langage (LLM) et les idéologies politiques à l’Université des arts appliqués de Vienne.

Né en 1984 à Kaohsiung. Artiste et développeur de logiciels, il crée des œuvres d’art, des logiciels et des dispositifs bioélectroniques expérimentaux intégrant du matériel électronique. À travers ses œuvres, qui s’intéressent au comportement humain, aux émotions, aux logiciels et aux relations entre les machines, il exprime sa vision singulière de la société et de l’environnement avec humour. Il a remporté le premier prix du Taipei Digital Art Award en 2014, le premier prix du Kaohsiung Art Award dans la catégorie Arts numériques en 2017, le Tung Chung Art Award en 2019, le prix des arts visuels du 19e Taishin Arts Award en 2021, et a reçu une nomination et une mention honorable dans la catégorie S+T+ARTS à l’ARS Electronica en 2023. Ses expositions individuelles et collectives ont lieu principalement à Taïwan, en Asie et en Europe.
Récemment, il a participé à l’ARS Electronica 2023, au Sónar 2025 à Barcelone, ainsi qu’à d’autres expositions aux Pays-Bas, en Slovénie, en Norvège, en Italie, en Allemagne, en France, en Autriche et en Corée.

Jeroen van Loon est un artiste néerlandais qui recherche et visualise la culture numérique contemporaine à travers le prisme de l’éphémère et du permanent. Son travail va de la VR à la vidéo en passant par les installations et les performances.

Son travail est exposé à l’international dans des lieux tels que le Centre Pompidou, Transmediale, IDFA Doclab, Aksioma, NFF, Media Majlis Museum, Long March Space, Centraal Museum, HMKV | Dortmunder U, le festival IMPAKT, le festival SPRING des arts de la scène, la Biennale Nemo, V2_, le Festival KIKK et MU Artspace. Son travail a été acquis par la Fondation Verbeke et le Musée Helmond.

Il a reçu le K.F. Hein Kunststipendium, le Prix européen de la jeunesse, a été nominé pour le New Technological Art Award (NTAA) en 2022 et 2025, a été sélectionné pour la gouden kalf digitale cultuur du NFF et fait partie de la Brave New World Speaking Agency comme conférencier sur l’art et la technologie.

Artiste d’origine colombienne établi à Chicoutimi (Québec, Canada) depuis 2011, Paolo Almario développe une pratique transdisciplinaire où technologies numériques, systèmes robotiques et critique sociale interrogent la spatialité de l’être : la relation dynamique entre l’individu et ses espaces habités, physiques ou métaphoriques. Diplômé de la Facultad de Arquitectura y Diseño de l’Universidad de los Andes (Bogotá, Colombie), il affine sa démarche via une maîtrise en arts (2014) à l’Université du Québec à Chicoutimi (UQAC), où il enseigne aujourd’hui au Département des arts, des lettres et du langage.

Simon Weckert, véritable magicien du numérique et bricoleur espiègle, prend un malin plaisir à partager ses réflexions sur tous les sujets, du design génératif à l’informatique physique – imaginez un peu de la magie technologique agrémentée d’une touche de critique sociale. Son terrain de jeu ? Le monde numérique, où le code et les circuits ne sont pas seulement des outils, mais aussi des déclarations ironiques. Oubliez la valeur pratique de la technologie ; Simon s’intéresse surtout à ce que les générations futures penseront de nous, qui passons notre temps à appuyer sur des boutons et à actualiser des applications. Ses créations sont à la fois de la technologie, de l’art et une critique sociale impertinente, visant à démêler des questions complexes d’une manière qui fait rire, réfléchir, ou peut-être simplement se gratter la tête. Ses œuvres et performances ont été présentées au V&A Dundee, à Ars Electronica Linz, au CCBT Tokyo, au chi K11 artspace Shanghai, au Löwenbräukunst Zurich, au Vitra Design Museum, à la Fondation EDF à Paris, à Transmedial Berlin et au Musée du Bauhaus à Weimar.

Né en mai 68 en France, Martin Le Chevallier est artiste plasticien, auteur et enseignant. Fondées sur l’humour et la dérision, ses œuvres interfèrent volontiers avec l’espace public, qu’il soit urbain, économique ou politique. Il s’est fait auditer par un cabinet de consulting, a installé un télescope touristique au-dessus d’un hypermarché et propose, depuis quelques années, des projets pour qu’ils soient refusés. En 2024, il a publié le Répertoire des subversions, un inventaire des tactiques employées par les artistes, les militants, les résistants ou les excentriques. Il s’emploie depuis à mettre en pratique cette recherche, à la croisée de l’art et de l’activisme.

Olivier Bémer est né à Paris en 1989 où il vit et travaille. Au travers de films, d’installations, d’objets et d’impressions, son travail explore notre relation à la technologie en tant que moyen de représentation, et dépeint une réalité frelatée dans laquelle les archétypes simulent mais échouent à représenter. La forme est alors détournée de sa fonction et la machine de l’apprentissage. Olivier Bémer est diplômé de l’ECAL, des Beaux-Arts de Paris et du Fresnoy Studio National. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions collectives – notamment à la Fondation Emerige, la Fondation Fiminco, au CWB Paris, à la Fondation Pernod Ricard – ainsi que dans des expositions personnelles, notamment au Fonds de dotation Weiss à Paris. Son travail a également été montré lors de festivals de films, notamment au Festival international du film d’animation d’Annecy.

En tant qu’hacktiviste et artiste, Paolo Cirio mène des enquêtes sur les données et les systèmes des structures de pouvoir, qu’il s’attache à subvertir. Les preuves qu’il met au jour constituent le fondement de son action créative en faveur d’une meilleure réglementation. Il a reçu de nombreuses menaces judiciaires pour son art, qui recourt à des pratiques telles que le piratage informatique, la piraterie, les fuites de données, l’usurpation d’identité et les cyberattaques.

Cirio est connu pour avoir dévoilé plus de 200 000 sociétés offshore des îles Caïmans ; pour avoir piraté Facebook en publiant les données d’un million d’utilisateurs sur un site de rencontres ; pour avoir volé 60 000 articles d’actualité financière et des livres électroniques sur Amazon ; pour avoir escroqué Google ; pour avoir masqué 15 millions de casiers judiciaires américains ; et pour avoir révélé plus de 20 000 brevets technologiques permettant la manipulation sociale. Récemment, il a piraté plus de 100 000 registres de ventes aux enchères de Sotheby’s et a tenté de profiler 4 000 policiers français à l’aide de la reconnaissance faciale. Ses premiers travaux comprennent des cyberattaques contre l’OTAN et des reportages sur ses opérations militaires depuis 2001.

Paolo Cirio a remporté de nombreux prix, dont le premier prix Golden Nica à Ars Electronica à Linz en 2014 ; le deuxième prix Transmediale à Berlin en 2006 ; la bourse Eyebeam en 2012 ; et la bourse NEA à l’ISCP à New York en 2017.

Ses interventions et ses œuvres d’art fondées sur la recherche se présentent sous forme d’installations, de conférences, d’objets, de photos, de vidéos et d’art public, tant en présentiel qu’en ligne. Cirio a exposé dans des musées internationaux. Ses œuvres ont fait l’objet de centaines d’articles dans les médias du monde entier et il anime régulièrement des conférences publiques et des ateliers dans des universités de renom.

Le collectif d’artistes, de chercheurs et de cinéastes, ainsi que de guérilleros médiatiques pseudo-marxistes, Total Refusal (Susanna Flock, Robin Klengel, Leonhard Müllner, Michael Stumpf) s’approprie et réinvente les jeux vidéo contemporains, tout en écrivant sur les jeux et la politique. Les thèmes abordés par le collectif s’inspirent des études critiques sur les jeux vidéo et de la théorie sociale, dans le but de promouvoir et de populariser une gauche contre-hégémonique.

Il puise également son inspiration dans les communautés de joueurs pour pratiquer l’« agitainment » – une synthèse entre agitation et divertissement. En injectant une analyse post-marxiste dans l’univers lisse des jeux vidéo, le collectif vise à proposer un examen accessible mais critique des médias de masse et de leurs algorithmes idéologiques sous-jacents. Son travail couvre les films, l’art vidéo, les performances en direct dans les jeux, les textes et les initiatives éducatives. Ils appellent leurs films des « Machinifestos » – des manifestes politiques exprimés à travers le machinima. En jetant des ponts entre les mondes de l’université, de l’art, du cinéma et du jeu vidéo, Total Refusal catalyse une critique marxiste de la société à travers une pratique ludique, analytique et humoristique afin de radicaliser son public.

Depuis sa création en 2018, leur travail a été récompensé par plus de 70 prix et mentions d’honneur, tels que le Prix du cinéma européen, le Prix de la meilleure réalisation de court métrage au Festival de Locarno et le Prix « Staff Pick » de Vimeo, entre autres. Les œuvres de Total Refusals ont été projetées dans plus de 400 festivals de cinéma et d’art – tels que la Berlinale, la Doc Fortnight au MOMA de New York ou le Festival de Locarno – et ont été présentées dans divers espaces d’exposition comme la Biennale d’architecture de Venise 2021, le HEK de Bâle et l’Ars Electronica de Linz.

Frédérick Maheux (Québec) est un artiste-chercheur qui conjugue dans sa démarche détournement technologique, transgression et théorie posthumaniste. Il a exploré les sous-cultures du Web dans les longs métrages Art/Crime (2011), ANA (2015) et DrugPorn (2018) et s’est penché sur les vicissitudes de l’horreur biologique dans de nombreux courts métrages, installations et vidéoclips diffusés internationalement. Depuis 2020, il parcourt les dédales du jeu vidéo expérimental et les dispositifs interactifs alimentés par l’IA, notamment avec Acephalic (2020) et Exophilie (2023). Sous l’alias Un Regard Froid (URF), il compose une musique bruitiste corrosive et s’approprie les tactiques de la culture industrielle par le collage et des performances abrasives. Doctorant en communication à l’Université du Québec à Montréal (UQAM), Maheux analyse le rôle du bruit dans les processus créatifs et collaboratifs via la recherche-création vidéoludique.

Dhia Dhibi est un artiste visuel multidisciplinaire, commissaire d’exposition et chercheur tunisien. Son travail porte un regard critique sur les dimensions sociales et politiques de l’art et de la technologie. Après une licence en art numérique 3D et réalisation cinématographique, il a élargi son champ d’action en suivant un master de recherche en théorie de l’art et des études de troisième cycle en pratiques curatoriales.

Grâce à sa participation à plusieurs résidences et expositions, tant avec des institutions artistiques tunisiennes locales qu’internationales, l’approche artistique de Dhibi a évolué pour explorer la matérialité de l’affichage numérique. Il étudie l’infrastructure technologique qui le sous-tend, ainsi que la déconstruction des algorithmes tunisiens et de la région SWANA au sens large, et les implications sociales et politiques de ces systèmes. À travers des installations multimédias, des sculptures, des vidéos et de l’art numérique, il explore la manière dont les technologies façonnent les perceptions, les comportements et les structures sociales, en mettant l’accent sur les spécificités de ces interactions dans le paysage numérique de la région. Ce regard critique nourrit également son travail de commissariat et de recherche.

Cecilie Waagner Falkenstrøm est une artiste primée qui, depuis 2016, fait figure de pionnière dans l’utilisation de l’intelligence artificielle (notamment les modèles LLM et GPT). Ses œuvres ont été exposées au Victoria and Albert Museum (V&A), à Ars Electronica, au Kennedy Center, à la Wellcome Collection et au Copenhagen Contemporary. Elle a notamment créé la toute première œuvre d’art utilisant l’IA et la blockchain dans l’espace, à bord de la partie de la Station spatiale internationale gérée par la NASA. Ses contributions à l’art numérique ont été saluées par de grands médias tels que Forbes et le New York Times. Falkenstrøm a reçu de nombreux prix internationaux, notamment le Lumen Prize for Digital Art en 2017 et 2021, une mention d’honneur du Prix Ars Electronica en 2023 et le TECHNE Award du British Arts and Humanities Research Council. Elle a étudié les beaux-arts à l’University of the Arts London et au Royal College of Art de Londres.

Bérénice Serra explore les formes d’agentivité tactique déployées par la société civile dans les environnements en réseau. À l’intersection des médias tactiques, des méthodes d’enquêtes en sources ouvertes et des écritures post-numériques, ses œuvres interrogent les dynamiques de pouvoir à l’œuvre dans la circulation des images et de l’information au sein des infrastructures numériques.

Après une année d’Erasmus à la Centrale Saint Martins à Londres, Anna Solal obtient son Master en Arts Plastiques à L’Ecole Nationale Supérieure de La Cambre à Bruxelles en 2014. Ensuite, elle est partie à Paris pour La Cité Internationale des Arts ainsi que d’autres résidences et j’ai commencé à faire plusieurs expositions à travers l’Europe. J’ai notamment exposé dans les lieux suivants : CAC Passerelle de Brest (Brest), Musée des abattoirs de Toulouse (Toulouse), Interstate Projects (New York), Levy Delval ( Brussels), Art-O-rama (Marseille), 9800 S Sepulveda (Los Angeles), Rijksakademie (Amsterdam), Belle air (Essen), Lodos at Museo Experimental El Eco (Mexico), Olso10 (Basel) ou encore l’exposition collective Futur, ancien, fugitif au Palais de Tokyo. En 2022-2023 elle est pensionnaire à La Villa Médicis.

Compositeur, artiste sonore, Clément Edouard s’intéresse à la manière dont le son perturbe nos états de conscience et modifie notre rapport aux lieux, aux temps, à ce.eux qui nous entourent. Il crée des dispositifs sonores immersifs, qui relie matière, humain et sensible, dans un temps de rencontre et de transformation. En 2022, la création SEUIL nous invite à visiter un entre deux mondes, plateaux vibrant, respiration lumineuse, hexaphonie et ensemble vocal nous accompagne vers un état hypnagogique. SEUIL reçoit les bourses à l’écriture de la SACD Beaumarchais et du Ministère de la Culture. En 2024 il poursuit cette démarche avec la création HYPERTEMPS, projet d’installation et de performance sonore sur la notion de temps, de rythme et de cycle. En 2025, née d’une proposition de la Maison de la Musique Contemporaine et de Paris Musées, INVU est un projet de création In Situ qui tisse un lien particulier et sensible avec avec un lieu, son histoire, son territoire, son architecture.

À la frontière du mythe et de la fiction, Kaïs Dhifi développe une pratique sculpturale et immersive ancrée dans les vestiges d’un territoire imaginé, oublié ou à venir. Son travail articule sculpture, installation et dispositifs narratifs pour explorer la transformation des perceptions au sein d’environnements spéculatifs.

Marqué par l’archéologie, les techniques vernaculaires et le réalisme fantastique, il crée des structures et des artefacts qui fonctionnent comme les fragments d’un récit en expansion. Ceux-ci s’inscrivent dans Metalia, un univers fictionnel et cartographique où la narration se déploie entre objets, espaces et interactions.

Faisant du matériau une interface, ses œuvres engagent des expériences situées à la croisée des traditions méditerranéennes et d’un imaginaire techno-global, proposant une mythologie spéculative des mondes contemporains en mouvement.

France Jobin, artiste audio et compositrice de film basée à Montréal, se distingue par son art audio minimaliste, qualifié de « sculpture sonore ». Elle crée des environnements sonores complexes mêlant analogique et numérique. Ses installations intègrent des éléments musicaux et visuels inspirés par l’architecture, et peuvent être vécues dans des espaces non conventionnels et des festivals internationaux de nouvelles technologies. France Jobin a produit de nombreux albums sous des labels renommés tels que LINE (US), Baskaru (FR), et Editions Mego. Sa musique explore les notions de retenue et de limite, jouant habilement avec les extrêmes, les amplitudes et les silences pour créer des narratifs complexes. En 2021, elle a présenté « Entanglement AV » avec Markus Heckmann à Mutek Édition 22. En 2022, elle a créé « Entanglement XR », et en 2023, « Entanglement dôme » à la SAT. Influencée par la physique quantique, la pandémie a approfondi son exploration de cet univers scientifique.

Emilija Škarnulytė (née à Vilnius, Lituanie, en 1987) est une artiste et une réalisatrice.

Travaillant entre le documentaire et l’imaginaire, elle réalise des films et des installations immersives qui explorent le temps profond et les structures invisibles, du cosmique et du géologique à l’écologique et au politique. Sa grand-mère aveugle touche doucement la statue usée par le temps d’un dictateur soviétique. Les détecteurs de neutrinos et les collisionneurs particuliers mesurent le cosmos avec une architecture d’un autre monde. Des espèces post-humaines nagent dans des tunnels sous-marins au-dessus du cercle arctique et rampent à travers des lignes de faille tectoniques dans le désert du Moyen-Orient.

Lauréat du Future Generation Art Prize 2019, elle a représenté la Lituanie à la XXIIe Triennale de Milan et a été inclus dans le pavillon balte de la Biennale d’architecture de Venise 2018. Avec des expositions individuelles à la Tate Modern (2021), au Kunsthaus Pasquart (2021), à Den Frie (2021), à la Galerie nationale d’art de Vilnius (2021), au CAC (2015) et au Kunstlerhaus Bethanien (2017), elle a participé à des expositions collectives au Ballroom Marfa, au Seoul Museum of Art, à la Kadist Foundation et à la première Biennale de Riga. En 2022, elle a participé à l’exposition collective Penumbra organisée par la Fondazione In Between Art Film à l’occasion de la 59e Biennale de Venise. Ses nombreux prix incluent le Kino der Kunst Project Award, Munich (2017) ; Spare Bank Foundation DNB Artist Award (2017), et le National Lithuanian Art Prize for Young Artists (2016)), et elle a été désignée comme candidate pour le prix d’art Ars Fennica 2023. Elle a obtenu un diplôme de premier cycle à l’Académie d’art de Brera à Milan et un master à l’Académie d’art contemporain de Tromsø.

Ses films font partie des collections de l’IFA, de la Fondation Kadist et du Centre Pompidou et ont été projetés à la Serpentine Gallery, au Royaume-Uni, au Centre Pompidou, en France, et au Museum of Modern Art, à New York, ainsi que dans de nombreux festivals du film, notamment à Rotterdam, Busan et Oberhausen. Récemment, elle a conclu ses mandats à Art Explora et à Cité des Arts, après une autre résidence importante au MAK Center for Art and Architecture. Elle est l’une des fondatrices et codirectrices de Polar Film Lab, un collectif de pratique cinématographique analogique situé à Tromsø, en Norvège, et est membre du duo d’artistes New Mineral Collective, récemment mandaté pour une nouvelle œuvre dans le cadre de la première Biennale de Toronto.

Anne-Sophie Turion décline son appétence pour le vivant et le visuel sous forme d’interventions in-situ, de performances, de spectacle. De la boîte noire au grand air, elle s’attaque au réel pour l’orchestrer en fiction. S’emparant avec humour des artifices du théâtre ou du cinéma, elle fabrique des récits aux rouages apparents : images et scenarios se construisent à vue, laissant la vraie vie s’incruster de toutes parts. Une réalité augmenté bricolée avec les matériaux du quotidien qui s’attèle à explorer l’intime sous toutes ses coutures.

La Tisseuse d’Histoires est un projet porté par les artistes-chercheurs en arts numériques et visuels du collectif Hypnoscope.

Rémi Sagot-Duvauroux Monteur, designer d’expérience de réalité virtuelle et chercheur
Rémi a principalement travaillé sur des longs-métrages d’animation et documentaires tels que La Tortue Rouge de Michael Dudok de Wit ou Les Damnés de la Commune réalisé par Raphaël Meyssan. Il est par ailleurs doctorant dans le groupe Spatial Media de l’EnsadLab à l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs à Paris, dans le cadre du programme SACRe de l’Université PSL. Basée sur la création de dispositifs artistiques et expérimentaux, sa recherche explore le concept de montage comme vecteur narratif, discursif et poétique dans les expériences numériques immersives. Il enseigne la VR à l’Ecole des Arts Décoratifs, l’ENSTA Paris et l’Université Sorbonne Nouvelle Paris.

Lia Mchedlishvili Illustratrice et décoratrice de cinéma d’animation
Lia est arrivée en France depuis Kyiv, Ukraine en 2012 pour faire ses études en cinéma d’animation. Aujourd’hui elle travaille sur des longs-métrages, des séries d’animation, des illustrations et des courts-métrages.
Elle a notamment dessiné des décors pour La Fameuse Invasion des Ours en Sicile de Lorenzo Mattotti, The Boy, the Mole, the Fox and the Horse de Peter Baynton et Charlie Mackesy et travaillé sur le design des décors de Saules Aveugles, Femme Endormie de Pierre Földes. Par ailleurs, elle enseigne son métier aux étudiants de l’école Créapole à Paris.

Loup Vuarnesson Chercheur en design d’interaction, artiste et développeur
Loup est spécialisé dans la conception d’interfaces numériques et dans la réalisation d’expériences interactives et immersives. Son travail artistique se porte sur les nouvelles formes de storytelling, et s’attache à révéler le potentiel créatif et narratif des médiations spatialisées. Après une thèse centrée sur le mouvement intuitif et improvisé en immersion menée à l’EnsadLab à Paris, Loup travaille aujourd’hui au LNCO de Genève, un laboratoire de neurosciences, où il étudie les mécanismes de la conscience grâce à la méditation et la réalité virtuelle.

Depuis 2011, Claire Bardainne et Adrien Mondot assurent ensemble la direction artistique de la compagnie Adrien M & Claire B. En binôme, ils signent la création de spectacles et d’installations dans le champ des arts visuels et des arts vivants.

Claire Bardainne est une artiste visuelle issue du design graphique et de la scénographie. Née en 1978 à Grenoble, diplômée de l’École Estienne et de l’ENSAD de Paris, sa recherche se concentre sur le croisement entre images, espaces et imaginaires.
Elle fonde en 2004 à Paris avec Olivier Waissmann le Studio BW dont l’activité se concentre sur la création d’identités visuelles, le graphisme multimédia, et en particulier le graphisme d’exposition et d’espaces, et au sein duquel elle travaillera jusqu’en 2010. Dans le cadre du McLuhan Program in Culture and Technology de l’Université de Toronto en 2007, elle initie son projet intitulé Wicklow, associant dessin, microédition et performances. Elle accompagne parallèlement par un travail graphique et la création d’images, les travaux théoriques de chercheurs en sociologie de l’imaginaire issus du Ceaq (Sorbonne, Paris), laboratoire orienté sur les nouvelles formes de socialité et sur l’imaginaire contemporain. Elle publie ainsi l’essai-livre d’art Récréations. Galaxies de l’imaginaire postmoderne (CNRS Éditions, Paris, 2009) avec Vincenzo Susca, consacré à l’imaginaire des technologies et des médias contemporains.
Adrien Mondot est un artiste multidisciplinaire, informaticien et jongleur. Né en 1979 à Grenoble, son travail explore et interroge le mouvement, se situant au point d’intersection entre l’art du jonglage et l’innovation informatique.

Initialement chercheur en informatique, il travaille pendant 3 années à l’INRIA de Grenoble où il s’applique à imaginer et concevoir de nouveaux outils de création graphique s’afranchissant de la réalité. Durant cette période il développe parallèlement une pratique des arts de la rue avec des performances musicales jonglées et improvisées. Remarqué dans les festivals de rue, il fonde la compagnie Adrien M en 2004 afn de participer à l’opération Jeunes Talents Cirque dont il est lauréat la même année. Il s’agit alors pour lui de mêler étroitement les arts numériques, sonores, le jonglage et le mouvement, explorant les liens entre innovation technologique et création artistique. S’appuyant sur les outils qu’il développe, il s’afranchit des règles de l’apesanteur et du temps, brouille les pistes, se joue d’un art du cirque et de l’informatique dans un travail d’illusion magique, chorégraphique
et poétique. Il multiplie aussi les collaborations, notamment avec Kitsou Dubois, Stéphanie Aubin, Ez3kiel et au sein de laboratoires de recherche indisciplinés qu’il organise régulièrement et qui lui permettent de nourrir ses réfexions et ses travaux de recherche.

Il participe également à la création du spectacle de Wajdi Mouawad, Ciels, créé en 2009 au Festival d’Avignon.
Avec Cinématique, il remporte la même année le Grand Prix du jury dans le cadre de la compétition internationale « Danse et Nouvelles Technologies » organisée par le festival Bains Numériques à Enghien-les-Bains.

Toer est un studio de design multidisciplinaire des Pays-Bas, fondé en 2011 par Castor Bours et Wouter Widdershoven. Toutes les créations de Toer commencent par la liberté de jouer. 

Caractérisé par une forte approche exploratoire et expérimentale, Studio Toer repousse les limites techniques et esthétiques du design à travers un large éventail d’arts appliqués, des installations lumineuses et des objets aux expériences interactives et aux produits innovants.

Les installations interactives de Toer ont été présentées dans d’innombrables festivals internationaux. Parmi eux, nous comptons diverses participations à Vivid Sydney, Fête des Lumières Lyon, Glow Eindhoven et Highlight Singapore.

Youmna Saba est musicienne, compositrice, et musicologue. Sa recherche traite des relations entre la musique électroacoustique et la langue arabe chantée. Ses explorations se manifestent sur plusieurs projets : composition musicale pour son projet solo, collaborations et musiques de films, expérimentations électroacoustiques sur de nouveaux dispositifs imaginés pour la voix et son instrument, le oud. Elle fait partie de plusieurs projets de collaboration dont Terra Incognita avec Kamilya Jubran et Floy Krouchi. Elle est lauréate de la première résidence sonore du musée du Quai Branly avec son projet La Réserve des Non-Dits. Elle a participé à des résidences à la Cité Internationale des Arts ; Sharjah Art Foundation ; Voce CNCM ; GMEM ; Césaré CNCM ; Hwaeom Spiritual Music Residency ; Sound Development City ; Gyeonggi Creation Center. Son cinquième album solo Wishah est sorti sur le label Touch en 2023. 

Line Katcho est une compositrice et artiste audiovisuel de Montréal. Intéressée principalement au son et à l’image en tant que matière représentative de mouvements, de forces ou de gestes, elle se distingue également par une affinité pour les jeux perceptifs, ainsi qu’un talent pour l’évocation d’affects. Aux effluves narratives et cinématographiques, son travail est dynamique et provocateur, alliant le figuratif à l’abstraction, l’expérimentation à la tradition. Penchant vers une hybridation des styles, des genres et des méthodes appliquées, sa pratique empirique cherche à faire vivre une expérience sensorielle et cathartique, ancré dans l’expressivité, à la recherche de l’authenticité. Son travail a été présenté internationalement lors d’évènements tels que MUTEK, Ars Electronica, Annecy, Clermont-Ferrand, Scopitone et Sonar Barcelone. Elle est récipiendaire du premier prix du concours JTTP 2014 (Jeux de Temps/Times Play) et du prix de distinction dans la catégorie audiovisuelle du MA / IN 2016 Festival.

Ellis Holman est une artiste visuelle qui s’inspire des paysages qui l’entourent. Elle utilise sa passion pour le cinéma et la photographie pour analyser son environnement et travaille ensuite avec un processus itératif pour traduire ce qu’elle trouve fascinant dans son propre langage visuel. Dans ce processus, elle recherche constamment la bonne combinaison de matériaux, de techniques, de formes et de mouvements qui reflètent l’atmosphère et la poésie d’un paysage. Caractéristique de sa pratique, Ellis crée des œuvres qui créent un espace de contemplation, de réflexion et de libération des émotions.

Née à Montbéliard en 1991, June Balthazard vit et travaille à Paris. Diplômée de la Haute École d’Art et de Design (HEAD) de Genève et du Fresnoy – Studio National, elle développe une pratique artistique qui mêle le film et l’installation. 

Son travail confronte des éléments documentaires à des formes plus éloignées du réel (récits prospectifs, animation, effets spéciaux, etc.). Ces éléments, loin de trahir la réalité, la mettent en lumière et la transfigurent. Ainsi, ses films sont imprégnés d’un réalisme magique.

Ses œuvres ont été présentées dans des institutions telles que le Centre Pompidou Metz, Luma Arles ou Taipei Fine Arts Museum à Taïwan, ainsi que dans divers festivals internationaux.

L’idée de la performance Sports Group est née en jouant au basket-ball au gymnase. Les sons asynchrones des ballons de basket frappant le sol, les cris des joueurs de l’équipe – en écoutant de plus près, tous ces sons ont commencé à ressembler à un grand concert non géré.

La pièce qui a évolué à partir de fragments d’expériences trouvées dans les gymnases, les terrains de sport, les blogs, les vlogs et la publicité aborde les expériences d’un être humain moderne dans un monde qui repose sur les « lois » de l’auto-exploration, de l’auto-création et de l’auto-perfectionnement continu.

Le jeu du groupe sportif fusionne diverses règles et images du monde du sport. L’espace sulfureux saturé de corps entraînés, de leurs veines et de leurs tempes pulsantes abrite un ensemble de six instruments bricolés. Une variété d’équipements de gymnastique pour divers groupes musculaires sonnent comme des instruments de musique uniques.

Aistė Ambrazevičiūtė est une artiste numérique et une architecte basée en Lituanie. Opérant entre les sensibilités des environnements, des surfaces et des textures, son travail amplifie des mondes complexes et divers, mais souvent invisibles. Fusionnant les réalités numériques et naturelles, les échelles et les connaissances, sa pratique stimule les arts de remarquer et de visualiser les curiosités inimaginables. Elle est actuellement doctorante à l’Académie des arts de Vilnius et travaille sur sa recherche artistique intitulée Lichen Grammar.

Esther Denis (Bruxelles – 1996), artiste plasticienne et scénographe.

Son premier contact avec les arts et la scène se déroule sur le plateau de La Monnaie à Bruxelles. Choriste au sein des Chœurs d’Enfants, elle a, durant une dizaine d’années, habité le temps des répétitions et des représentations, les univers de metteur.e.s en scène d’opéra.

Ces expériences nourrissent l’envie d’en connaître davantage sur les arts scéniques et sonores ; elle étudie à La Cambre à Bruxelles puis aux Arts Décoratifs à Paris.

Sa pratique hybride les arts vivants et plastiques et s’intéresse aux dispositifs optiques permettant la représentation du vivant. Elle y fait se côtoyer technologies actuelles et dispositifs anciens de représentation dont le diorama, le miroir noir ou la camera obscura. Ses installations ont fait l’objet de plusieurs expositions personnelles et collectives à la Grande Halle de La Villette à Paris (2021), aux Grandes-Serres de Pantin (2022), au Teatros del Canal à Madrid (2022), à la galerie Sainte Anne à Paris (2022), au PhotoBrusselsfestival (2023), au Point Commun – espace d’art contemporain à Annecy (2023), au Centre Wallonie Bruxelles à Paris (2024).

Parallèlement à cette démarche, elle entretient un lien particulier avec l’espace scénique. Elle collabore aujourd’hui avec plusieurs metteur.e.s en scène, chorégraphes, scénographes, dramaturges dont Emanuelle Nizou, Louise Vanneste, Sophie Warnant, Nicolas Mouzet Tagawa  la chercheuse et metteure en scène, Frédérique Aït-Touati.

Simona Žemaitytė (Kaunas, 1984) est une artiste-cinéaste lituanienne. Son travail a été récompensé lors de la 15e triennale de l’estampe de Tallinn et nominé au Sheffield Doc Fest. Ses œuvres ont été exposées internationalement dans différents lieux, notamment à la Galerie nationale d’art de Vilnius, à Loop Barcelona, au Festival du film d’Oberhausen, à la 13e Biennale de Kaunas, au CSW Torune, à Centrala Birmingham, à la Kasa Gallery Istanbul, à Galata Perform Istanbul, au BAFTA, à RichMix, à Londres, au CAC – Centre d’art contemporain de Vilnius, aux galeries Vartai, Malonioji et Kaire-Desine à Vilnius, à Riga Cinema Shorts, à l’exposition itinérante CreArte à Pardubice, à Linz et à Gênes. Elle est titulaire d’un doctorat basé sur la pratique à l’Académie des arts de Vilnius, où elle enseigne actuellement au département de sculpture.

Le travail de Jeanne Susplugas nous plonge dans un univers engagé, de l’ordre du sensible qui explore différentes formes et stratégies d’enfermement. Elle interroge les relations de l’individu à lui-même ainsi qu’à l’autre, face à un monde obsessionnel et disfonctionnel.

Avec distance, elle explore un large éventail de médiums – dessin, photographie, installation, sculpture, son, film, réalité virtuelle, verre, céramique, fil de lumière. Autant de langues qui s’enrichissent mutuellement pour créer une esthétique séduisante en apparence mais vite grinçante, voire inquiétante. Les multiples ramifications qu’elle élabore créent un corpus riche d’interprétations.

Son travail a été largement montré en France et à l’étranger. Il est présent dans de nombreuses collections publiques et privées.

Elle se définit comme « franco–guyano–danoise ». Elle grandit à Paris et étudie dans cette ville ainsi qu’à Copenhague et Londres, où elle fait un master au Central Saint Martins College of Art and Design. Elle vit ensuite à Paris, au Mozambique puis à Johannesbourg à partir de 2014.

En 2017, elle est accueillie en résidence par la MeetFactory à Prague, où elle commence à travailler sur le son.

Tabita Rezaire a participé à de nombreuses expositions en France et à l’étranger, notamment à la Serpentine, Londres (2022); la Hayward Gallery, Londres (2022); la Biennale de Sydney (2022) ou celle de Busan (2022); à la Biennale de Shanghai (2021); au Palais de Tokyo, Paris (2022) ou au Museum of Modern Art, New York (2018).

halone est une association de loi 1901 fondée en 2021 par Guillaume Brevet et Léo Huet. Axée dans le domaine des arts numériques, elle a plusieurs champs d’action.

D’abord, halone propose de l’accompagnement auprès d’artistes, étudiant·e·s ou au début de leur carrière pour la plupart. Derrière cet accompagnement se trouvent plusieurs propositions : assistance technique et aide à la promotion et à la diffusion. En ayant toujours à cœur le partage de connaissances et de compétences, halone se place en tant que partenaire auprès des artistes accompagné·e·s. Concrètement, cela se passe par de l’accueil en résidence au sein des structures partenaires, du soutien technique (matériel, compétences, …) et des retours artistiques sur leurs projets. halone souhaite soutenir la nouvelle création et lui offrir des opportunités pour se développer via nos offres de production.

Ensuite, halone travaille à une programmation via des événements, expositions et sorties de résidences. Grâce aux partenariats mis en place depuis ses débuts à Marseille, l’objectif est d’augmenter nos capacités de diffusion pour arriver à une programmation riche et qui contribue à une démocratisation de la culture, en permettant à de nouveaux publics (étudiants notamment) de s’intéresser à la création contemporaine.

Enfin, nous avons à cœur de prolonger nos partages de compétences par le biais d’ateliers ainsi que de déployer les oeuvres en diffusion auprès de publics plus larges (jeune public, quartiers défavorisés), dans des contextes pouvant favoriser l’investissement de ces publics (rencontre avec les artistes, travaux pratiques, …). L’objectif est non seulement d’amener la culture à de nouvelles personnes, mais aussi de les amener à s’investir, à se saisir d’outils et de compétences leur permettant à leur tour de créer et de développer une pratique artistique.

Les artistes accompagné·e·s pour cette exposition sont émergent.e.s, diplômé·e·s pour la plupart depuis moins de 5 ans. Iels possèdent chacun·e des pratiques variées et explorent diverses thématiques et techniques. Abordant tantôt la surveillance contemporaine, tantôt les stéréotypes féminins véhiculés sur les réseaux sociaux, et souvent plongeant dans la culture web pour nourrir leur inspiration.

Par des pratiques pluridisciplinaires, iels se réunissent pour aborder leur rapport au numérique et les questionnements liés au développement de leur identité dans ce monde nouveau. Sous leurs différents prismes, les œuvres créées se rejoignent et se font écho au sein de l’exposition Totems d’un monde nouveau.

halone est une structure de production et de diffusion dans le champ de l’art contemporain et particulièrement de l’art numérique. L’association accompagne les artistes émergent.e.s au début de leur carrière, avec plusieurs propositions : assistance technique et/ou aide à la diffusion. En ayant toujours à cœur le partage de connaissances et de compétences, halone se place en tant que partenaire auprès des artistes accompagné·e·s.

Addie Wagenknecht est une artiste conceptuelle qui mêle piratage et abstraction gestuelle. Son travail a été présenté dans des institutions prestigieuses telles que le Centre Pompidou, la Whitechapel Gallery et le New Museum NYC. Elle a collaboré avec des organisations renommées telles que le CERN, Chanel et le groupe Art Machine Intelligence de Google. Ses œuvres ont été largement publiées dans des revues telles que TIME, Wall Street Journal et The New York Times. Addie Wagenknecht est titulaire d’une maîtrise de l’université de New York et a bénéficié de bourses d’études dans des institutions prestigieuses telles que l’Eyebeam Art, le Technology Center et l’université Carnegie Mellon. Elle est basée à New York et au Liechtenstein.

Jenny Kristina Nilsson est une artiste suédoise qui travaille principalement avec la sculpture, l’installation et la vidéo. Son travail cherche à activer le corps du spectateur par le biais des sens tactiles tels que le toucher, l’odorat et le mouvement dans un espace, l’odorat et le mouvement dans un espace. Elle s’intéresse à la manière dont nous percevons l’art à travers nos sens primaires et à la manière dont ces expériences sont stockées dans notre corps.
Elle a créé des sculptures immersives, de grandes formes abstraites suspendues dans l’air, qui modifient continuellement leur apparence dans l’espace en chorégraphiant le mouvement du corps du spectateur. Ses vidéos performatives mettent en scène des actes primitifs à travers des corps camouflés. Récemment, elle a utilisé des matériaux biologiques pour développer des sculptures semi-transparentes dont la texture ressemble à du plastique brûlé et dont la teinte rappelle celle de la peau, encourageant les spectateurs à les toucher.

Caroline Delieutraz scrute la circulation des images et la manière dont celles-ci transforment nos imaginaires et agissent sur nos consciences. Refusant de se prononcer sur le devenir – utopique ou dystopique – du Web, elle lui emprunte la culture de la collaboration et du DIY. L’artiste collecte des matériaux visuels qu’elle manipule et retravaille pour créer des déplacements qui favorisent l’hybridation et les maillages relationnels. Au sein d’installations mêlant souvent techniques numériques et fait-main, elle donne de la matérialité à des phénomènes fluides et insaisissables. Les constructions et déconstructions qui en résultent nous rappellent la nature profondément fictionnelle
des images.
Le travail de Caroline Delieutraz a été présenté dans des expositions individuelles ou collectives, notamment à Around Vidoo (Lille), Art Brussels, au Centquatre (Paris), à La Gaîté Lyrique (Paris), à la fondation Vasarely (Aix-en-Provence), au Jeu de Paume (Paris), à LocaleDue (Bologne), au prix Sciences Po pour l’art contemporain (Paris), au Palais de Tokyo (Paris), à la Maison Populaire (Montreuil), à la Cité internationale des arts (Paris) ou encore à la Citadelle de Pampelune (Espagne).

Née en France en 1995, Bruxelloise d’adoption, Ethel Lilienfeld interroge dans ses œuvres l’impact grandissant du corps virtuel sur le réel et sur la vie quotidienne. Elle fabrique des images étranges qui exacerbent la tension entre le fantasme et la folie. Le travail d’Ethel Lilienfeld explore les questions des normes sociales, des standards esthétiques et les concepts d’identité et de genre.

Le corps occupe une place importante dans la plupart des propositions agencées par l’artiste. Si elle utilise la photographie, l’installation vidéo, ou le film, ses dispositifs n’en restent pas moins relatifs à la sculpture et le rapport à l’espace y est capital. Dans ses vidéos, Ethel Lilienfeld module avec les acteurs, les décors et les objets en puisant tantôt dans la fiction, tantôt dans le réel.

Après un master en arts visuels à La Cambre (Bruxelles) en 2020, Ethel Lilienfeld a obtenu un post-graduate au Fresnoy – Studio national des arts contemporains en 2023. Elle a récemment remporté plusieurs prix dont la Villa Albertine Grant / Étant Donnés Contemporary Art (2023).

Le travail d’Ethel a été présenté dans des lieux tels que la Biennale Fotofest (Houston, USA) ; MEET – Digital Culture Center (Milano, IT) ; Alan Kadıköy _ Noise Media Art (Istanbul, TR) ; IMAL Center for digital cultures and technology (Bruxelles, BE) ; L’Opéra de Lille (Lille, FR) ; Les Safra’Numériques (Amiens, FR) ; Le Cube (Garges, FR) ; etc.

L’artiste belge Dries Depoorter, basé à Gand, combine la technologie et l’art pour créer des œuvres qui mettent en lumière des préoccupations modernes telles que la vie privée, l’intelligence artificielle, la surveillance et les médias sociaux. Doté d’une solide formation en électronique, Dries est devenu une figure notable du monde de l’art numérique.
Son portfolio varié comprend des applications innovantes, des installations interactives, des sites web et des jeux.
Dans son récent projet « The Follower », Dries Depoorter utilise des caméras ouvertes et l’IA pour dévoiler des vidéos montrant comment les photos Instagram ont été capturées.
L’un de ses projets les plus remarquables, « Die With Me », est une application de chat unique qui n’est accessible que lorsque la batterie du téléphone de l’utilisateur est inférieure à 5 %. Un autre projet intrigant,
« The Flemish Scrollers », utilise l’IA pour étiqueter automatiquement les hommes politiques belges lorsqu’ils utilisent leur téléphone lors de leurs émissions quotidiennes.
Ce projet, ainsi que ses autres œuvres, ont attiré l’attention internationale, consolidant la position de Dries sur la scène artistique mondiale.
Il a présenté son travail dans des lieux prestigieux tels que le Barbican à Londres, Art Basel, le festival Mutek à Montréal et Ars Electronica. En outre, Dries a donné des conférences pour des organisations telles que TEDx, MoMA et SXSW.

Rachel M. Cholz, née en 1991 en France, est principalement autrice. Elle a suivi des études d’art visuel tout en se professionnalisant en tant qu’éclairagiste.
No ou le pactole, un récit poétique, est sorti aux Éditions La Lettre volée. Un roman appelé Pipeline, développant une collaboration autour d’un trafic de gazole, est paru en avril 2024 aux Éditions du Seuil.
Rachel M. Cholz aime travailler sur les paradoxes de la langue et les décalages de contextes. En dehors de l’écriture, elle a mis en scène son texte Trois pour cent sauvages, et développe depuis 2021 le projet Viens Valeur.

Né en 1993, Félix Côte vit et travaille à Lille. Initialement étudiant ingénieur multimédia, il est ensuite diplômé du master Arts Science et Technologie en 2017. Son travail s’articule autour d’une utilisation critique du numérique teintée d’absurde. Il explore ce que les machines font peu, font mal ou ne savent pas faire. En les détournant, il crée des installations qui placent le public face à ses propres pratiques contemporaines. Il intégre la promotion 2023 – 2025 du Fresnoy studio national des arts contemporains.

Willem Popelier (1982) est un artiste visuel travaillant avec la photographie, basé à Utrecht, aux Pays-Bas.
Il s’intéresse aux mécanismes et à la politique de la représentation. Il étudie les modes d’utilisation généralement acceptés des photos et la manière dont l’identité est représentée et perçue à travers la photographie. Il s’intéresse donc principalement à la culture populaire, à l’omniprésence de l’image et à ses effets sur la société.
Son travail est exposé et publié dans le monde entier et a reçu plusieurs prix, notamment un C/O Berlin Talent, une médaille de bronze pour la meilleure conception de livre dans le monde entier, ainsi que des nominations pour le ICP Infinity Award et le prix Pictet, entre autres. Son travail figure dans la Galerie d’honneur de la photographie néerlandaise.
Willem Popelier est tuteur et co-directeur du cours de photographie à l’Académie Willem de Kooning à Rotterdam. Il donne régulièrement des conférences et des ateliers sur l’image omniprésente, les selfies, la mise en œuvre de la recherche artistique, etc.

Robbie Cooper (né en 1969) est un artiste britannique dont la pratique traite des questions relatives à la présence et à l’identité dans un paysage technologique. Il travaille sur différents supports, notamment la photographie, la vidéo et les modifications apportées aux jeux vidéo. Il a beaucoup exposé, notamment au CCC Strozzina de Florence, au Museum der Moderne de Salzbourg, à la Kunstlerhaus de Vienne, au Science and Media Museum du Royaume-Uni et au Multimedia Art Museum de Moscou.
Robbie est un programmeur autodidacte, un artiste 3D et un sculpteur. Il a travaillé sur des projets commerciaux pour les départements R&D d’entreprises technologiques, des jeux vidéo AAA, des productions virtuelles pour la télévision, ainsi que des projets de marketing expérimental pour de grandes marques. Il travaille actuellement à la création d’un jeu VR expérimental, utilisant le souffle comme dispositif d’entrée. De 2008 à 2014, Cooper a travaillé sur le projet Immersion, dans le cadre duquel il a enregistré les expressions de personnes regardant la télévision, jouant à des jeux vidéo et utilisant l’internet. « Le travail de Cooper crée une double rétroaction : les joueurs réagissent intensément aux images qu’ils voient à l’écran, tandis que nous – les observateurs – réagissons avec nos propres sentiments à leurs expressions faciales puissamment émotionnelles qui, pour nous, ne sont qu’une autre image sur un écran ». Le projet a permis de photographier des personnes de tous âges plongées dans les médias numériques. Les médias utilisés dans le projet Immersion comprenaient des jeux vidéo, de la pornographie, des dessins animés pour enfants, des comédies, des vidéos atroces, du sport, de l’horreur et des vidéos musicales.
La technique utilisée par Robbie Cooper pour Immersion s’inspire d’une méthode mise au point par le documentariste Errol Morris. Connu sous le nom de méthode Interrotron, Morris a utilisé ce procédé pour interviewer des personnes directement à travers l’objectif de la caméra. Un autocue modifié, l’Interrotron utilise un miroir sans tain pour refléter une image vers le spectateur pendant qu’il regarde la caméra. Morris a connecté un flux vidéo en direct de lui-même à l’Interrotron afin de pouvoir poser des questions et de permettre à la personne interrogée de garder un contact visuel direct avec lui, tout en s’exprimant directement à la caméra et au public. Cooper a adapté cette approche, en branchant des consoles de jeux vidéo et des ordinateurs à l’autocue.
Cooper a adapté cette approche, en branchant des consoles de jeux vidéo et des ordinateurs à l’autocue, ainsi qu’en créant un environnement de studio qu’il a décrit comme un « anti-shoot », dans lequel l’attention des sujets est détournée de l’objectif de l’activité.

Simona Žemaitytė (Kaunas, 1984) est une artiste-cinéaste lituanienne. Son travail a été récompensé lors de la 15e Triennale d’impression de Tallinn et nominé au Sheffield Doc Fest. Ses œuvres ont été exposées internationalement dans différents lieux, notamment à la Galerie nationale d’art de Vilnius, à Loop Barcelona, au Festival du film d’Oberhausen, à la 13e Biennale de Kaunas, au CSW Torune, à Centrala Birmingham, à la Kasa Gallery Istanbul, à Galata Perform Istanbul, au BAFTA, à RichMix, à Londres, au CAC – Centre d’art contemporain de Vilnius, aux galeries Vartai, Malonioji et Kaire-Desine à Vilnius, à Riga Cinema Shorts, à l’exposition itinérante CreArte à Pardubice, à Linz et à Gênes. Elle est titulaire d’un doctorat basé sur la pratique à l’Académie des arts de Vilnius, où elle enseigne actuellement au département de sculpture.

Gabriel Lester Amsterdam (1972) est un inventeur. Ses œuvres se composent d’installations, de sculptures, de performances et de films. Ses autres activités comprennent la commande d’œuvres d’art dans l’espace public, les structures physiques et le design.
Les créations de Lester naissent du désir de raconter des histoires et d’établir des contextes et des lieux qui soutiennent ces histoires ou proposent leur propre interprétation narrative. Son vocabulaire se caractérise par son caractère cinématographique, sans nécessairement utiliser le film ou la vidéo comme support. Cependant, à l’instar du cinéma, la pratique de Lester en est venue à embrasser et à utiliser tous les médias et talents imaginables. Ouvertes, non résolues, cherchant à préserver les mystères et sans messages explicites ou idées singulières, ses œuvres proposent des manières de se rapporter au monde, à la façon dont il est (re)présenté et aux mécanismes qui constituent notre perception et notre compréhension de celui-ci. En mettant l’accent sur l’existence et l’expérience humaines, les projets de Lester visent à aiguiser et à assouplir l’esprit.

Yosra Mojtahedi est née à Téhéran, en 1986 et diplômée du Fresnoy-Studio national des arts contemporains en 2020. Son travail explore l’intersection entre l’art, la science et la technologie avec un accent sur la «soft robotique». Ses installations sculpturales sous forme des «machines-humains» ou «corps-fontaines» sont des œuvres sensuelles qui interpellent et questionnent les tabous liés au corps féminin. Le « Noir » occupe une place centrale dans ses créations, symbolisant l’absolu et la profondeur du vide, transcendant les limites du temps. Il y flotte un féminisme fortement assumé : elle crée des univers où la nature et les genres se fondent, révélant un message politique et unitaire pour transcender les frontières fragiles.
Lauréate du Prix Révélation d’art numérique et d’art vidéo de l’ADAGP en 2020, ses œuvres ont été exposées internationalement, notamment en France, en Belgique, en Iran, en Italie, en Allemagne, à Dubaï et en Turquie.

Maximilian Oprishka est un artiste multidisciplinaire primé qui travaille dans les domaines du son, du langage visuel et des nouveaux médias.
S’intéressant à la science, au futurisme et aux dilemmes des technologies d’avant-garde, Maximilian explore ces récits par le biais de partitions sonores cinématographiques et de supports visuels photo-surréalistes.
Avec des œuvres couvrant une multitude de supports tels que plusieurs albums complets, de nombreuses performances en direct, des installations, des partitions pour le cinéma et le théâtre, ainsi que des œuvres visuelles pour des clients de renommée mondiale tels que Google, Netflix, Lessloss ou History Channel, Maximilian continue, à chaque nouveau projet, de fusionner différents genres afin d’explorer et de raconter le « demain ».
L’intérêt pour le design, les arts et les phénomènes sonores est devenu une seconde nature dans la jeunesse de Maximilian (alias Meinheld, premier double album vinyle en 2012) à travers un mélange de diverses écoles de musique et de beaux-arts, bien que, après une chaîne d’événements curieux, Maximilian ait atterri dans le département de philosophie pour ses études. Tout en étudiant Hegel, Maximilian a développé une fascination pour la tradition moderne des psychanalystes et des connaisseurs de la société comme Lacan et Foucault – qui ont tous contribué à alimenter l’intérêt pour les dilemmes de la société, mais transportés dans un royaume de technologie future.

Alors que les premières expériences de l’alias Fume ont commencé en 2013, peu de temps après avoir obtenu son diplôme de philosophie, Maximilian est devenu en 2015 le cofondateur d’un studio de design interdisciplinaire, OPDN.

Valentina Peri est une commissaire d’exposition indépendante, artiste et autrice. 

Ses recherches explorent l’impact de la technologie sur la culture contemporaine, avec un focus sur l’intimité et l’amour à l’ère du numérique. 

Son exposition itinérante Data Dating a été présentée à Paris, Tel Aviv, Londres, Bruxelles, Genève et Brescia entre 2018 et 2022. Dans le contexte de cette exposition, elle a coédité le livre Data Dating. Love, Technology, Desire (Intellect, 2021). 

En 2022, elle a commencé ses recherches sur le phénomène des escroqueries amoureuses en ligne en Afrique de l’Ouest, et publié les livres The New Romance Scammer’s Instructor (2022) et Le Brouteur Galant (Editions UV 2024), des recueils de messages d’amour originaux des arnaqueurs sentimentaux ghanéens et ivoiriens. 

Elle a reçu en 2022 une bourse curatoriale Fluxus Art Projects pour sa recherche sur l’histoire du dating The Museum of Dating, présentée dans une exposition à Watermans London en 2023. 

Depuis sa fondation par Andrée Duchaine en 2001, Molior a présenté un grand nombre de projets novateurs aussi bien au Canada que sur la scène internationale : en Chine, au Brésil, au Pérou, en Slovaquie, en République tchèque, en Hongrie, en Suisse, au Portugal et en France, présentant le travail de plus de 170 artistes et commissaires québéquois·es et internationaux.

Les partenaires de diffusion sont des musées nationaux, des triennales, des festivals ou des événements artistiques d’envergure qui reconnaissent l’expertise en art médiatique et numérique et la qualité des expositions, lesquelles suscitent de grandes fréquentations.

Molior mène également plusieurs activités en dehors des réseaux établis afin d’encourager le développement des publics et de favoriser l’accès à des réalisations de premier plan.

En latin, Molior signifie mettre en mouvement, entreprendre, bâtir, réaliser.

Consulter le site de Molior

Commissariat par Nathalie BachandNathalie Bachand

Commissaire indépendante, elle s’intéresse aux enjeux du numérique et à ses conditions d’émergence dans l’art contemporain. Parmi ses projets de commissariat, son exposition The Dead Web – La fin, initialement présentée à Eastern Bloc (2017), a été coproduite par Molior en Europe : Mirage Festival à Lyon (2019), Mapping Festival à Genève (2019) et Ludwig Museum à Budapest (2020), en co-commissariat avec Béla Tamás Kónya. Elle était commissaire invitée pour Art souterrain 2021 – Chronométrie. Son exposition DataffectS a été présentée à la Galerie de l’UQAM (2022), et elle a en outre co-commissarié, avec Sarah Ève Tousignant, le festival SIGHT+SOUND 2022 – Danser en attendant (la fin du monde), organisé par Eastern Bloc (2022).
Nathalie Bachand est membre de l’Association Internationale des Critiques d’Art (AICA) et siège au conseil d’administration d’Avatar à Québec. Auparavant responsable du développement pour ELEKTRA-BIAN (2006-2016), elle est actuellement codirectrice artistique et chargée de projet pour Sporobole. Elle vit et travaille à Montréal.

Ugo Arsac est un artiste digital et plasticien, basé à Marseille. Il a étudié aux Beaux-Arts et aux Arts Décoratifs de Paris puis au Fresnoy. En associant urbain et humain, mythologie et anthropologie, il produit des films, des installations, des expériences immersives ainsi que des œuvres graphiques. Il remporte le Prix Émergences (Scam) et le Prix des Amis du Fresnoy. Il a récemment été exposé à l’occasion de la Biennale Chroniques, Ososphère, ou DDessin avec la Galerie Robet Dantec. IN URBE, sa dernière création, vient d’être acquise dans la collection de l’Espace Multimédia Gantner. Courant 2023 il sera notamment en résidence à la Villa Albertine à New York pour une nouvelle création digitale.

Vincent Dupont

D’abord comédien, il collabore avec Thierry Thieû Niang et Georges Appaix, puis participe aux créations de Boris Charmatz. En 2001, il signe sa première chorégraphie, Jachères improvisations, et dès lors, tout en continuant à participer aux travaux d’autres artistes, mène un travail qui déplace les définitions attendues de l’art chorégraphique. Artiste associé de 2015 à 2019 à ICI-Centre chorégraphique national de Montpellier, Vincent Dupont est depuis septembre 2019, et jusqu’en 2023, associé au Centre des Arts d’Enghien-les-Bains.

Charles Ayats

Charles Ayats est auteur, réalisateur et designer d’expériences interactives et immersives. Lauréat de l’appel à projet Haiku Interactif Arte/ ONF avec Phi, il s’intéresse aux projets de médiation, innovants et engagés ; à la fois sous la forme web-documentaires (Check-in, Pas si bêtes les Animaux, Tati Express…), et vidéoludique, à l’image de Type:Rider, triptyque ludique sur l’histoire de la typographie, co-réalisé en 2013. Toujours à l’affût de nouvelles formes pour raconter des histoires, il participe à des hackathons pour enrichir ses différents retours d’expériences et formations (Cifap, Gobelins, Dixit, INA). Passionné par la réalité virtuelle, il adapte le roman graphique de Marc-Antoine Mathieu SENS (2016). Puis coécrit 7 Lives un conte interactif en VR réalisé par Jan Kounen (2019) ; ainsi que Le Cri (2019) interprétation du tableau d’Edvard Munch. Suite à la création du court métrage en réalité augmenté M.O.A (2020), adapté du roman d’anticipation d’Alain Damasio Les Furtifs, il poursuit ses réflexions entre narration, corps et spatialité avec des propositions proches du spectacle vivant comme Colonie.s et No reality now.

Eric Arnal-Burtschy suit un cursus en histoire, philosophie et géopolitique avant de s’orienter vers la danse et les arts visuels. Il crée des expériences immersives sous forme de performances, projets scéniques et installations. Son travail, porté par des recherches sur la physique de l’Univers et un questionnement sur l’humain, est présenté aussi bien dans des théâtres que des festivals et des musées tels que le Louvre Lens, Kanal Centre Pompidou, Hong Kong Arts Center, SPAF en Corée du Sud, ImPulsTanz en Autriche, La Bâtie en Suisse, le Théâtre royal flamand à Bruxelles, La Gaîté lyrique, des scènes nationales et CDCN ou la Philharmonie de Paris. Ses créations sont considérées comme ‘une forme fascinante, spectaculaire, immersive et expérimentatrice’ (Sylvia Botella, L’Echo) ‘proches d’une nouvelle forme artistique’ (Aude Lavigne, France Culture) et génératrices d’innovation artistique, scientifique et technologique (Timour Sanli, L’Echo). Il collabore pour cela avec de nombreux lieux de création, universités, centres de recherches et grandes entreprises industrielles et technologiques. La collaboration avec Safran Aero Boosters et John Cockerill donne ainsi lieu au dépôt de plusieurs brevets industriels et il a été chercheur associé au CNRS (Centre national de la recherche scientifique) avec l’Institut d’études avancées de Marseille et l’Institut de recherche sur les phénomènes hors équilibre pour le projet Genèse.

Il est régulièrement invité à donner des conférences et à participer à des colloques sur des recherches proches de son travail. Toujours intéressé par les questions géopolitiques et stratégiques, il est en en parallèle officier de réserve dans l’armée française.

Il est artiste associé au 9-9 bis Le Métaphone (2023-2025) ; Artiste compagnon du Théâtre de Liège (2024-2028) ; Artiste en résidence au Théâtre de L’L (Bruxelles) et à WorkSpaceBrussels.

Delgado Fuchs est un collectif suisse formé par les artistes Marco Delgado et Nadine Fuchs. En marge des catégorisations habituelles, leurs créations à la croisée de la danse et des arts visuels jouent sur le registre de l’équivoque avec un goût affirmé pour les transformations, et plus largement, les transgressions.
Leurs recherches les ont amené·e à engager une variété de collaborations avec des plasticiens, scénographes, musiciens, vidéastes, créateurs de costumes et designers tel·les que Zimoun, Carol Christian Poell, Malcolm Braff, Bruno Deville, Clédat & Petitpierre, Charlie Le Mindu, Clive Jenkins, Stéphane Vecchione.
Delgado Fuchs a créé plus d’une vingtaine d’œuvres présentées dans des théâtres, festivals, espaces d’art contemporain et musées du monde entier comme le Centquatre, Aichi Triennale
Nagoya (JP), Festival de la Bâtie Genève (CH), ImPulsTanz Vienne (AU), Scène nationale La Filature Mulhouse (FR), Centre culturel Suisse Paris (FR), Scène nationale Le Merlan Marseille (FR), Arsenic Lausanne (CH), BIAN Montréal (CA), Collection Lambert Avignon (FR), Maison de la Danse Lyon (FR), Dance House Melbourne (AU), Zodiak Helsinki (FI), Festival Noorderzoon (NL), Moussonturm (DE), Sundance Filmfestival Park City (USA),…

Jasmine Morand termine sa formation classique à Genève et à l’Académie Princesse Grâce de Monaco, après avoir remporté le premier prix au Concours National Suisse de danse classique à Soleure, de danse moderne à Nyon et le prix d’étude du Pour-cent culturel Migros. Elle débute sa carrière de danseuse au Ballet National de Nancy et Lorraine, avant de rejoindre l’Opéra de Zurich et le Ballet National de Slovénie. En 2000, elle entreprend une formation en danse contemporaine à Codarts, Rotterdam, où elle commence à développer son écriture chorégraphique.
De retour en Suisse, elle fonde la compagnie Prototype Status et est actuellement résidente permanente et directrice artistique du Dansomètre – espace de création et recherche chorégraphique à Vevey. Récompensée par le Prix Danse de la Fondation Vaudoise pour la Culture (2013), Jasmine Morand tourne avec Prototype Status en Europe, aux États-Unis et en Amérique du Sud. Le répertoire de la compagnie compte à son actif plus d’une quinzaine de pièces, dont la très remarquée création MIRE (2016), un dispositif pour douze danseur.ses, sélectionnée aux Swiss Dance Days 2017 et présentée plus d’une cinquantaine de fois, notamment au Holland Dance Festival, sur les scènes nationales françaises ou à la tanzhaus NRW Düsseldorf. La création LUMEN (2020) est lauréate du concours Label + Romand – arts de la scène et a reçu le Prix Suisse des Arts de la scène comme meilleure création de danse 2020, décerné par l’Office Fédéral de la Culture.
En janvier 2023, LUMEN a été présenté au Théâtre de la Ville à Paris. Forte de son expérience, elle est désormais invitée pour signer des pièces contemporaines au sein de structures institutionnelles telles que le Tanztheater de Lucerne en ouverture du Festival Steps 2020 ou dans le cadre d’enseignement professionnel, comme pour le BA danse de l’Université de Zurich, ou le CFC danse de Genève.

Mark IJzerman est un artiste interdisciplinaire qui explore les processus planétaires tels que l’érosion de la biodiversité et le réchauffement des eaux d’un point de vue plus qu’humain. Travaillant à l’intersection de l’écologie et des arts médiatiques, IJzerman utilise les technologies numériques pour créer des processus qui ont leur propre agence pour réaliser des œuvres créant une intimité entre nous et l’autre que l’humain. Son travail s’appuie toujours sur des recherches sur le terrain et sur la collaboration avec d’autres professionnels. Il a été le lauréat 2022 de la résidence S+T+ARTS4Water « Biodiversité dans le port de Rotterdam » organisée par V2_. Il a présenté ses œuvres audiovisuelles dans divers festivals d’art médiatique en Europe (Rewire Festival, Meakusma, Transmediale/CTM Vorspiel, Le Guess Who ?, FIBER Festival, Mapping Festival) et a récemment exposé ses œuvres à MU à Eindhoven, au Art Center Nabi à Séoul, à V2_ à Rotterdam, à De Lakenhal à Leiden et à bord de la Station spatiale internationale. IJzerman est tuteur à l’Ecology Futures MA au Master Institute of Visual Cultures à Den Bosch, où, avec ses étudiants, il étudie comment les technologies sensorielles peuvent être utilisées pour faire face à l’urgence climatique par le biais de projets expérimentaux. Il fait partie du collectif de nouveaux médias Zesbaans et dirige le blog d’art sonore Everyday Listening.

Sébastien Robert (1993. Nantes, FR) est un artiste et chercheur interdisciplinaire qui développe une pratique à l’intersection des arts visuels et sonores, de la technologie, de la science et de l’ethnographie. La plupart de ses projets s’articulent autour d’un cycle de recherche, You’re no Bird of Paradise, à travers lequel il explore les rituels et cosmologies sonores indigènes en voie de disparition. Au-delà de la simple documentation, et non d’un ambitieux projet d’archivage ethnographique, il cherche à traduire ces ressources immatérielles en œuvres d’art tangibles et durables, composées de matériaux qui font écho aux traditions des communautés rencontrées et aux spécificités géographiques des territoires explorés. A travers son travail et ses recherches, Sébastien cherche à créer un dialogue artistique engagé et en expansion entre les perspectives non-occidentales et les nouvelles technologies, tout en questionnant notre perception de notre environnement et en soulignant la diversité épistémologique de notre monde. Sébastien a récemment exposé son travail à Scopitone (Nantes, FR), Light Art Museum (Budapest, HU) et FIBER (Amsterdam, FR) et s’est produit dans divers festivals de renommée internationale tels que Rewire (La Haye, NL), Organik (Hualien, TW) et Mirage (Lyon, FR). Sébastien est diplômé avec mention du Master ArtScience entre la KABK – Royal Academy of Art et la KC – Royal Conservatory of The Hague en 2020, où il vit et travaille actuellement.

Le Studio Martyr est une structure pluridisciplinaire créée en 2020 par Adriane Breznay et Julien Ticot-Guillet, afin de produire des projets dans les champs du théâtre, de la performance, du cinéma et de la musique.  

L’esthétique baroque du duo explore la frontière entre monde réel et virtuel, dans des formes où la fête se confond toujours avec la tragédie. Les jeunes artistes sondent l’impact d’internet et des réseaux sociaux sur la construction de nos identités et travaillent à faire fiction à partir des flux d’images et de langage qui abondent en ligne, pour comprendre comment ce nouveau terrain de jeu modèle nos vies intimes et politiques.  

 Julien Ticot-Guillet 

Julien Ticot-Guillet est réalisateur, auteur, performer et metteur en scène. En 2020, il co-créé le Studio Martyr avec Adriane Breznay, structure avec laquelle ils rejoignent la première promotion d’Artagon Marseille en 2021. 

Durant son cursus de recherche à l’École Normale Supérieure de Lyon il interroge l’utilisation de la Techno et la présence de la fête sur les scènes contemporaines et commence simultanément à travailler pour (LA)HORDE, qu’il accompagnera pendant trois ans en tant qu’assistant artistique au Ballet national. Directeur de la photographie autodidacte, il filme le premier long métrage de Julien Chauzit, La Colline, présenté en première mondiale au FID de Marseille en 2021.  

Son travail, au croisement de toutes ces influences, cherche à donner forme au paysage mental fantasmagorique de sa génération, la première à avoir grandi à la fois offline et online et explore les différentes formes d’héritage qui ont forgé son identité queer et métisse antillaise. 

Adriane Breznay  

Adriane Breznay est metteure en scène, réalisatrice, dramaturge et chercheuse. Son travail explore par toutes ces approches la place des états de conscience modifiés en art, dans des formes qui n’ont de cesse de ré-interroger la question du deuil et des cérémonies funéraires.  

 Diplômée de Ecole Normale Supérieure de Lyon en section « dramaturgies », elle fonde en 2020 le Studio Martyr aux côtés de Julien Ticot-Guillet, où elle développe ses activités artistiques notamment au sein de la promo 2021 d’Artagon Marseille. Elle obtient en parallèle une bourse de doctorat à l’Université Lyon 2 ; sa thèse porte sur les liens entre hypnose et jeu d’acteur. Elle collabore régulièrement à la création de spectacles en tant que dramaturge pour le théâtre (Cie Urdin – CDN de Poitier) ou pour l’opéra (Ensemble Pygmalion – Raphael Pichon).

Seul Ensemble

Artiste et musicien basé à Marseille, il est également co-fondateur du collectif Lonely Life Lovers Club. Ses DJ sets (il avait pas arrêté?) sont assez représentatifs de la musique qu’il écoute : un peu de tout, du moment qu’il y a une forme d’intensité. Le son peut alors basculer de l’ambiant en avalanche de percussions sur de la basse musique, du footwork évanescent vers de la Trance plus physique. Jouant plutôt à vitesse rapide, il essaie de faire en sorte que chacun de ses Sets soit une expérience de danse sincère et particulière.

Architecture Social Club est un studio britannique multimédia mené par Satyajit Das et spécialisé dans les projets collaboratifs, proposant des expériences spacialisés à des échelles variées, allant jusqu’aux aux créations monumentales et ambitieuses.

1024 opère au carrefour de l’art et de l’architecture, combinant les pratiques spatiales, les technologies numériques et la création visuelle. Fusionnant les disciplines et les médias, le studio considère l’architecture et les espaces habités comme des structures évolutives. Les installations audiovisuelles deviennent alors des dispositifs pérennes, l’architecture se démantèle en tant que structures temporaires, la scénographie émerge en tant qu’œuvre d’art et les performances multimédias se transforment en expériences immersives en temps réel. Du projet d’un soir à l’installation permanente, 1024 architecture crée des œuvres originales qui résonnent dans leur environnement.

Le travail de Félicie d’Estienne d’Orves associe la lumière, la sculpture et les nouvelles technologies. Ses recherches portent sur la vision, ses processus et ses conditionnements. Ses installations immersives utilisent une approche phénoménologique de la réalité, elles soulignent la perception du temps comme un continuum. Depuis 2014, les recherches de l’artiste se concentrent sur l’espace en relation avec l’astrophysique et sur l’étude des cycles de la lumière naturelle.
Artiste visuelle dont le matériau est la lumière, les installations et performances de Félicie d’Estienne d’Orves font appel à une connaissance phénoménologique du réel et interrogent le conditionnement de notre regard. Dans son travail, la lumière est à la fois l’outil et le sujet.

Jean-Philippe Lambert a suivi des études scientifiques et musicales, accompagnées d’une formation aux techniques du spectacle vivant.Depuis 2001, il effectue des recherches à l’Ircam pour de nombreux projets, avec les équipes Analyse-Synthèse, Temps-Réel, Interactions Son Musique Mouvement et Espaces Acoustiques et Cognitifs. Actuellement, il collabore au framework Soundworks, utilisé par Astérismes, qui permet de réaliser des interactions distribuées sur des téléphones (concerts, installations et expériences).
En parallèle de ses recherches à l’Ircam – Centre Pompidou, il crée des lumières, des musiques, des interactions, des instruments, des logiciels et des vidéos pour des performances, des concerts, des films et des installations, présentés dans différents lieux en Europe et au Japon. Il a participé à de nombreux événements artistiques internationaux en tant que créateur, directeur technique ou interprète.
Ses intérêts sont variés et se cristallisent dans ses travaux sur des systèmes d’interactions multimodales.

Aki Ito, compositrice, a suivi ses études en composition et en orchestration au CNSM de Paris. Parallèlement à ses créations instrumentales, sa sensibilité et son intérêt l’ont orienté dès le début de sa carrière vers la musique électronique et les nouvelles technologies.
En poursuivant son concept de la lenteur, elle se focalise depuis 2016 sur l’étude d’un système temporel inspiré par l’astronomie. La lenteur qu’elle définit est un espace temporel qui change lentement et perpétuellement, où plusieurs périodes différentes coexistent et s’influencent entre elles.
Dans ce sens, le temps est relatif et interactif pour elle, qui se modifie selon les points de vue. Pour le projet Astérismes, son rôle est de concevoir des sons et des processus à la fois spectaculaires et inspirants qui conviennent aux différentes formes, en développant son système temporel et compositionnel.

Júlia Lema Barros, artiste multimédia, dévoile son univers artistique à travers une exploration immersive du son et de l’étrangeté de la fiction. Originaire de Lisbonne, née en 1997, elle vit et travaille actuellement entre Lisbonne, Aix-en-Provence (France), et la Bavière (Allemagne). Sa pratique artistique, s’articule autour des sons et vidéo projections, plongeant les spectateur·ices dans des expériences sensorielles dans l’espace et dans ses mémoires. Ses créations se déploient dans des espaces habités par la tension entre réalité et fiction, capturant l’essence même de l’étrange. 

Elle a récemment été lauréate comme top Portuguese Emerging Art et est Résidente dans le programme international 7thex. Outre les expositions et les résidences d’artistes, son expérience professionnelle comprend la création d’ateliers et la participation à des cours et à des conférences sur l’importance des nouveaux médias, comme Artissima, Turin 2018, CIVIS Europe à l’université Sapienza, Rome 2022 et Drawing Room, Lisbonne, entre autres.

Après des études d’économie et de musique, Josep Poblet entame sa carrière de designer lorsqu’il décide de quitter son emploi de bureau et de revenir au travail manuel, comme il l’avait fait dans sa jeunesse. Influencé par les métiers familiaux – la terre, les machines, l’atelier – il puise souvent dans ces origines la perception et le sens de ses créations. Dès le début, il a également manifesté un intérêt particulier pour la lumière : sa matérialité et sa capacité de mouvement, le contraste, la définition de l’espace et du vide, entre autres. Il combine actuellement l’enseignement dans des écoles de design et la collaboration avec d’autres studios avec les activités de son propre studio, qu’il a créé à Barcelone et transféré à Vila-seca, sa ville natale, en 2022.

Clara Rigaud travaille sur des projets entre l’informatique, l’interaction, le design et les sciences humaines. 

Elle a récemment soutenu sa thèse de doctorat dans le domaine de l’interaction humain-machine, explorant la conception d’outils d’aide au partage de connaissances dans le contexte de la fabrication et des communautés Do-It-Yourself. 

Parallèlement à ses études universitaires, elle a co-fondé il y a dix ans le collectif Random Pixel Order qui travaille sur des projets à l’intersection de l’art numérique, du bricolage et de la micro-édition, explorant et promouvant les techniques de création virtuelles et physiques. 

Aujourd’hui, elle continue à travailler sur des projets impliquant des technologies, des humains et des non-humains. Elle s’engage à donner aux humains la liberté de s’autonomiser par rapport à la technologie, ainsi qu’à explorer comment et si la technologie peut faire partie de l’avenir de notre monde.

S8jfou (Suis-je fou) est artiste et musicien autodidacte. En 2017, il achète un terrain en montagne pour fuir les grandes villes et la civilisation et construit une cabane de 8m2 pendant 8 mois. De là-bas, il crée la plupart de ses musiques. Fasciné par les synthétiseurs et le matériel informatique, S8jfou a réalisé son deuxième album uniquement avec du matériel hardware. Après avoir terminé sa cabine, il décide de supprimer le plastique de sa vie et notamment celui des instruments de musique. Il a alors vendu presque tout, sauf les synthés dont il avait besoin pour jouer en live. Il a l’envie de rendre la musique numérique gratuite et en libre accès pour la partager avec la planète. Construire de nouveaux outils sans dépenser d’argent et sans produire des déchets en plastique ou en métal rare, et les partager gratuitement avec le monde entier le rend heureux.

Simon Lazarus 84 s’est forgé dans le graffiti parisien au début des années zéro. Il expérimente désormais de nouveaux territoires plastiques et narratifs via l’exploration de nouveaux champs techniques : nouvelles technologies, biohacking, lowtech. Sa grammaire visuelle, qui gravite entre symbolisme et abstraction, s’incarne dans des dessins, sculptures, fresques animées et installations audio-visuelles qui font entrer en collision imagerie virtuelle et materialité physique. 

Son travail a été présenté dans des espaces d’art contemporain (Palais de Tokyo, Kommet, Aponia, Lieu Unique), d’art numérique (Scopitone, Maintenant, Astropolis, Constellation de Metz, UHfest, EP7) et des évenements de video-mapping en France et à l’étranger : Fête des lumières de Lyon, Sharjah Light Festival (Emirats Arabes Unis), Sining Shanghai (Chine), MappMontreal (Canada) et le Vidéo-mapping festival de Lille en 2023 où il a reçu le Grand Prix du Jury

Stephanie Lüning est une artiste contemporaine reconnue pour son approche innovante de la peinture, de la sculpture et des installations interactives. Née et élevée dans le Mecklembourg en Allemagne, Lüning a étudié à l’académie des beaux-arts de Dresde, mais a expérimenté divers médiums tels que la glace colorée, la cire et ce pour quoi elle est le plus connue : la mousse. Son parcours artistique l’a amenée à exposer ses œuvres non seulement dans des galeries et des musées du monde entier. Ses installations dans des lieux célèbres comme le Centre Pompidou lui ont valu d’être reconnue et acclamée par les critiques et le public.

S’inspirant de la nature, de la science et de l’expérience humaine, le travail de Lüning explore souvent les thèmes de la transformation, de l’impermanence et de l’interconnexion. Ses actions et ses performances se caractérisent souvent par leurs formes fluides et leurs choix de sites spécifiques, incitant les spectateurs à reconsidérer leur relation avec le monde qui les entoure.

Thomas Laigle est un artiste sonore et visuel. Ses recherches se trouvent à la croisée des arts sonores, plastiques et numériques. Dans le contexte des progrès technologiques actuels où la virtualité et l’immatérialité s’intensifient, il propose des expériences sensorielles dans une approche low-tech à travers une variété de médiums (performance, installations, composition sonore). Dans sa pratique artistique, la lumière et le son sont interconnectés au point de ne former qu’un seul et même médium.

Ses concerts-performances sont présentés en France et en Europe (notamment Festival d’Avignon, Stéréolux, Maintenant festival, Interstices festival, Ménagerie de Verre, Montévidéo-Marseille, Liège Electronique BE, Experimance DE, Spektrum-Berlin DE, Art Quarter Budapest HU…). Depuis 2020, il réalise des installations où se mêlent technologie et êtres vivants. Récemment, il co-organise à Berlin Soft Incident, une série de performances axées sur les pratiques corporelles et sonores

SMACK est le trio primé d’artistes numériques Ton Meijdam, Thom Snels et Béla Zsigmond.
Basés à Breda, aux Pays-Bas, les trois artistes ont étudié ensemble à l’Ecole des Beaux-Arts et du Design (AKV) de St. Joost et ont fondé le Studio Smack en 2005. Travaillant avec l’imagerie générée par ordinateur et l’animation 3D, ils produisent des films et des vidéos inspirés par la culture
contemporaine. Leurs œuvres explorent le consumérisme, la surveillance, l’omniprésence du branding et l’identité personnelle à l’ère de l’information.

Originaire de Montréal, Claudie Gagnon, artiste multidisciplinaire autodidacte active depuis plus d’une trentaine d’années, vit et travaille à Québec.  

 Sa pratique se déploie sous plusieurs formes : installation, tableau vivant, sculpture, vidéo, photo, food art, création jeune public, collage et art intégré à l’architecture. Son travail est présenté autant dans les lieux voués à l’art – centres d’artistes, galeries, musées, théâtres – que dans des endroits choisis pour leur potentiel à stimuler la création d’œuvres in situ (grange, jardin, usine, église désaffectée, appartement voué à la démolition, etc.). Elle recycle tant des objets d’usage courant que des concepts, des œuvres plus ou moins notoires de l’histoire de l’art, en plus de s’intéresser aux empreintes visuelles et sonores qui forment notre culture savante et populaire. Ses créations sont empreintes de ludisme et de poésie : à la fois ravissantes et inquiétantes, elles provoquent l’enchantement et le malaise, hésitent entre l’ordinaire et l’extraordinaire. On y retrouve des éléments périssables, comme des aliments ou des végétaux, expression des cycles de la vie et du travail du temps sur toutes choses. 

 Ses œuvres ont été présentées dans des centres d’artistes, des galeries, des musées et des festivals en Amérique du Nord, en Asie et en Europe. Elles font partie des collections du MNBAQ, du MACM, du MBAM, du Musée d’art de Joliette et de plusieurs collections privées. Elle a occupé les studios de Paris et de Mexico du Conseil des arts et des lettres du Québec pour des résidences de création.

Chloé Rutzerveld est une conceptrice et une futurologue basée aux Pays-Bas. Poussée par sa fascination et sa curiosité pour la nature et la science, elle mène des recherches artistiques qui débouchent sur des questions qui font réfléchir, des études de conception et des scénarios possibles pour l’avenir. Basés sur des recherches factuelles, avec une part de spéculation, ces projets ont pour thème central l’avenir de l’alimentation et de l’agriculture. Avec comme thèmes centraux l’avenir de l’alimentation et des systèmes digestifs.

Organism Studios est un laboratoire de médias interactifs spécialisé dans la transformation de la fiction en réalité grâce à l’animation 3D, la simulation et la conception. Avec deux décennies d’expérience, les frères Rik et Adriaan van Veldhuizen se sont adaptés à l’évolution numérique en mélangeant l’art et le code pour créer des histoires interactives avec une attention méticuleuse aux détails. Le studio est toujours à la recherche de nouvelles technologies pour visualiser les thèmes et sujets du futur afin de les rendre discutables

Culinair Cellulair est la deuxième installation interactive que les deux studios ont développée ensemble. En 2019, ils ont développé une installation interactive intitulée « Future Food Formula » (formule alimentaire du futur) sur les systèmes de culture d’intérieur de haute technologie et l’influence des recettes de croissance sur la croissance des plantes.

Marit Westerhuis (née en 1992 aux Pays-Bas) est une artiste basée à Amsterdam, titulaire d’une maîtrise en beaux-arts de l’université des sciences appliquées de Groningue et d’une résidence à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten. Elle crée des installations cinétiques qui mélangent des éléments organiques comme la mousse et l’eau avec des matériaux industriels comme l’acier et le PVC. Intégrant la robotique, ses installations simulent des mouvements naturels, créant des environnements immersifs où la nature et la technologie convergent de manière discordante et parfois troublante. Son travail reflète une fascination pour la poursuite incessante du progrès technologique par l’humanité et les sacrifices qui en découlent, contribuant souvent à des crises écologiques. En intégrant des références historiques, des thèmes mythologiques et des discours contemporains, Westerhuis construit des récits alternatifs qui incitent à la réflexion sur la relation de l’humanité avec la technologie et la nature. Parmi les expositions récentes, citons les vitrines de l’Hermitage à Amsterdam (2023), du Nieuw Dakota à Amsterdam (2023) et sa première exposition personnelle au Groninger Museum à Groningen (2022).

Diplômée en Arts du Spectacle et en Journalisme, elle étudie le détournement de la télévision à travers la performance artistique dans le mémoire « Don’t hate the Media, Be the media », fait des stages chez ARTE et approche le cinéma expérimental tout en s’impliquant dans de multiples projets transdisciplinaires. En 2013, elle intègre la Formation supérieure pour la création en espace public (FAI AR / Marseille) où elle développe son intérêt pour l’architecture, les territoires, les notions d’espaces et d’habitant·e·s. Depuis 2015, elle imagine différents projets tout en cultivant un précieux rapport à la recherche et à l’écriture. Elle collabore régulièrement avec différents groupes et artistes tout en poursuivant son propre travail au croisement des arts vidéo et de ceux de l’espace, de la performance et du documentaire, interrogeant une écriture plastique ancrée dans le réel. Et inversement. Depuis 2023, elle est accompagnée et soutenue par Parallèle, Pratiques artistiques émergentes internationales (Marseille).

Severi Aaltonen est né en 1992 en Finlande. Il est artiste contemporain, photographe et explorateur enthousiaste des marchés de seconde main, des bennes à ordures et des maisons vides. Il travaille et vit aux Pays-Bas. Son objectif est d’être un conteur urbain, racontant l’histoire de personnes ordinaires discrètes, affaiblies par le pouvoir et la célébrité. Il réfléchit à l’influence des entreprises dans la vie quotidienne, ce qui motive ses choix artistiques. Il passe son temps en studio à récolter des archives et des bases de données. La plupart de ses œuvres sont composées de matériaux industriels et de production de masse ; sa toile préférée est un panneau de bois aggloméré de 244 x 122 cm et un téléviseur composite de l’époque de son enfance.

Telemagic est un collectif d’art et de technologie composé des surfeurs spirituels Ymer Marinus (eux/elles), Roos Groothuizen (elle/il) et Cyanne van den Houten (eux/elle). Ils donnent un sens aux mystères qui tournent autour de la connexion humaine à la technologie numérique et croient que la technologie invisible n’est pas quelque chose à craindre. Dans leur travail, la machine est toujours sous contrôle. En tant que laboratoire médiatique ouvert, Telemagic expérimente l’avenir des médias en créant des manifestations, des outils et des interventions par le biais de la collaboration (interdisciplinaire) et du piratage.

Filip Custic (Santa Cruz de Tenerife, Espagne 1993) travaille à travers la photographie, la performance, la sculpture et la vidéo pour aborder des thèmes liés à l’identité, au corps et à notre relation avec la technologie. Les miroirs et les écrans sont des éléments récurrents, une référence à notre époque obsédée par l’image et les selfies, et Custic utilise également des symboles, des références à la science et des emprunts à l’histoire de l’art dans son œuvre. L’artiste se concentre sur le croisement entre la technologie et le corps, parlant d’identité et de la manière dont les objets technologiques peuvent nous aider à célébrer la diversité des identités humaines.
Le style unique de Custic lui a ouvert les portes de collaborations prestigieuses dans le monde de la mode avec des marques telles que Kenzo, Chloé, Louboutin, Palomo Spain, Camper, ainsi que des magazines tels que Vogue et GQ. De plus, il a travaillé avec des artistes de renommée internationale tels que la pop star espagnole Rosalía et le rappeur américain Lil Nas X. Son art est exposé dans le monde entier, notamment à La Térmica (Espagne), au Musée des Beaux-Arts de Leipzig (Allemagne), au Musée d’Art Contemporain de Zagreb (Croatie), à Art Basel Miami (États-Unis), et récemment au Parco Museum Tokyo (Japon) pour sa première exposition en solo.x

Au début de sa carrière, Teun Vonk s’est concentré sur la photographie et la vidéo. La dynamique de groupe et l’influence d’un groupe sur un individu étaient ses principaux thèmes, ainsi que l’interaction entre le réalisateur visuel, lui-même et le sujet. Vonk a utilisé la caméra comme un moyen d’exercer son pouvoir, de créer une situation et d’enregistrer les réactions spontanées des participants.
Aujourd’hui, Vonk aborde ce sujet sous un angle radicalement différent : il crée des installations artistiques axées sur l’expérience physique individuelle. À la suite d’une expérience personnelle lors d’une résidence à Shanghai, son propre corps et celui du spectateur/participant sont au centre de ses préoccupations. Cette expérience a également façonné la pratique quotidienne de Teun Vonk : au lieu de travailler essentiellement derrière un bureau, il se concentre sur le processus de création et utilise son atelier comme terrain de jeu, site d’essai et zone de production.
Teun Vonk a présenté son travail à Ars Electronica, FILE Brazil, STRP Biennial Eindhoven, Art Rotterdam, Chronus Art Center Shanghai, EYE Amsterdam et CTM Festival Berlin.

Donatien Aubert est artiste, chercheur et auteur. Diplômé avec les félicitations du jury de l’École Nationale Supérieure d’Arts de Paris-Cergy, il a ensuite effectué des recherches en post-master au sein du Laboratoire de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (EnsadLab). Il a fait partie du programme Spatial Media, spécialisé dans la création d’expériences en réalité virtuelle et d’environnements 3D partagés. Il est également titulaire d’un diplôme de doctorat en littérature comparée de la Faculté des Lettres de Sorbonne Université. Sa thèse, écrite au sein du Labex OBVIL, traite de la réactualisation des arts de la mémoire (des techniques anciennes de spatialisation des connaissances) dans le domaine des interactions être humain-machine.

Donatien Aubert réalise des œuvres hybrides : vidéos, installations interactives, expériences de réalité virtuelle, sculptures créées par conception et fabrication assistées par ordinateur. Elles équilibrent au service d’une mise en perspective épistémologique et historique des formes qui doivent autant à la culture classique de la curiosité (scientifique et lettrée) qu’à celle des technosciences contemporaines.

Les technologies numériques ont transformé la production, l’accès et la mise en circulation des connaissances, des opinions et des expériences esthétiques : Donatien Aubert analyse depuis plusieurs années cette transition épistémologique, politique et sensible. Il s’est plus particulièrement intéressé au rôle qu’a joué la cybernétique dans le développement des cultures numériques. Il a contextualisé son influence dans la transformation de la résolution des conflits (pendant la guerre froide et à l’époque contemporaine) ; il a interrogé la représentation qu’elle a proposée du genre humain et de sa potentielle obsolescence ; il s’est attaché enfin à montrer son importance dans la refonte de l’écologie scientifique.

Donatien Aubert appuie ses recherches plastiques sur des traitements qu’ont renforcé les technologies numériques (générativité, interactivité, immersion), en mobilisant une grammaire visuelle capable de mettre en tension une esthétique baroque et romantique avec des influences plus minimales et industrielles.

Il a été exposé au sein de plusieurs biennales (Némo, Chroniques, Elektra) et son travail a été présenté à l’international (Taipei, Kyoto, Moscou, Esch-Belval, Bâle, Montréal, Goa). Il est lauréat de la commande photographique du CNAP « Image 3.0 » en 2020. Son travail a fait l’objet d’une exposition personnelle à la Galerie Odile Ouizeman, à Paris, en 2021.

Anne Fehres (Pays-Bas) et Luke Conroy (Australie) forment un duo d’artistes interdisciplinaires basé aux Pays-Bas. Leur pratique aborde des sujets socioculturels de manière significative et ludique, en utilisant l’humour et l’ironie comme outils essentiels de réflexion et d’expression critiques. Le résultat de leur travail est une pratique multimédia couvrant la photographie, la performance, l’art numérique, la vidéo, le son, la RV et l’installation.

Leur intérêt pour les sujets socioculturels est alimenté par la formation d’Anne en film documentaire et en conception audiovisuelle (Académie royale des beaux-arts, Gand, Belgique, 2013) et par la formation de Luke en sociologie, en art visuel et en éducation (Université de Tasmanie, Australie, 2013). Dans leur travail, ils sont particulièrement intéressés par des projets où des événements, des processus et des systèmes socioculturels plus larges à un niveau macro peuvent façonner et être façonnés par des expériences personnelles à un niveau micro. Cet intérêt les a conduits à entreprendre des projets intégrés dans plus de 15 pays, avec des résultats d’exposition en Europe, en Asie et en Australie.

L’artiste belge Dries Depoorter, basé à Gand, combine la technologie et l’art pour créer des œuvres qui mettent en lumière des préoccupations modernes telles que la vie privée, l’intelligence artificielle, la surveillance et les médias sociaux. Doté d’une solide formation en électronique, Dries est devenu une figure notable du monde de l’art numérique.
Son portfolio varié comprend des applications innovantes, des installations interactives, des sites web et des jeux.
Dans son récent projet, « The Follower », Dries Depoorter utilise des caméras ouvertes et l’IA pour dévoiler des vidéos montrant comment les photos Instagram ont été capturées.
L’un de ses projets les plus remarquables, « Die With Me », est une application de chat unique qui n’est accessible que lorsque la batterie du téléphone de l’utilisateur est inférieure à 5 %. Un autre projet intrigant,
« The Flemish Scrollers », utilise l’IA pour étiqueter automatiquement les hommes politiques belges lorsqu’ils utilisent leur téléphone lors de leurs émissions quotidiennes.
Ce projet, ainsi que ses autres œuvres, ont attiré l’attention internationale, consolidant la position de Dries sur la scène artistique mondiale.
Il a présenté son travail dans des lieux prestigieux tels que le Barbican à Londres, Art Basel, le festival Mutek à Montréal et Ars Electronica. En outre, Dries a donné des conférences pour des organisations telles que TEDx, MoMA et SXSW.

Depuis plus de quinze ans, Martin Messier crée des œuvres où se rencontrent art sonore, lumière, robotique et vidéo. Sous forme de performances et d’installations, ses créations mettent à l’avant-plan la présence du corps. 

Après des études en composition à l’Université de Montréal, il s’oriente vers une pratique sonore expérimentale qui intègre l’image vidéo. Rapidement il crée des dispositifs audiovisuels performatifs qui mettent en scène et en cause des objets du quotidien et le potentiel sonore des matériaux. 

Ses productions ont été présentées dans une cinquantaine de pays et lui ont valu de nombreux prix et nominations, dont le World OMOSIROI Award au Japon en 2018 et, en 2021, le 2e prix du Festival des arts numériques d’Athènes. 

En 2010, Messier fonde 14 lieux, compagnie de production d’œuvres performatives et installatives, et en assure depuis la direction générale et artistique. 

Il vit et travaille à Montréal.

Line Katcho est une compositrice et une artiste audiovisuelle de Montréal. Principalement intéressée par le son et l’image comme démonstrations de mouvements, de forces ou de gestes, elle se distingue également par une affinité pour les jeux perceptifs et un talent pour l’utilisation de l’affect. Son travail, qui dégage une impression de narration et de cinéma, est dynamique et provocateur, alliant référence et abstraction, expérimentation et tradition. S’appuyant sur un mélange de styles, de genres et de méthodes appliquées, son approche vise à créer une expérience sensorielle et cathartique ancrée dans l’expression.

France Jobin, artiste audio / installation / compositrice et commissaire, réside à Montréal, Canada. Son art audio, qualifié de « sculpture sonore », se distingue par une approche minimaliste aux environnements sonores à l’intersection de l’analogue et du numérique. Ses installations empruntent un parcours parallèle, intégrant des éléments musicaux et visuels inspirés par l’architecture des lieux. On peut « vivre l’expérience » de ses installations et concerts live dans une variété d’espaces non conventionnels et festivals de musique et de nouvelles technologies au Canada, aux Etats-Unis, en Amérique du Sud, en Afrique du Sud, en Europe, en Australie au Japon et en Corée du Sud. En novembre 2019, elle présente son premier concert de modulaire (Buchla 100) à l’institut Ernst Krenek en Autriche.

Gwladys Bernard endosse la double casquette de chargée de productions créatives et d’artiste plasticienne. Elle découvre en 2007 le foisonnement des artistes numériques et leur riche palette d’expressions – set design, jeux de lumières, musique, vidéo, performances live, interactivité, images génératives – et se plie volontiers aux exigences de la muséographie, la mode, la musique, d’événements privés ou d’accompagnement de marques cherchant à partager des expériences singulières avec les publics.

Issu de la scène musicale, Cyril Meroni expérimente dans sa pratique personnelle la mise en espace de l’image et du son. Du live audiovisuel à la scénographie de spectacles et de festivals, en passant par de nombreux mappings mais aussi par la réalisation de deux films, ses créations lui permettent d’explorer différents types de narration audiovisuelle. Sa démarche artistique le conduit à s’interroger sur la relation entre la précision de la technologie et l’inhérente imperfection de l’action humaine.

Il a travaillé aux côtés de Rioji Ikeda, Blanca Li, Anti VJ, Hubert Colas, et pour les festivals Exit, le Fid, Le Festival d’Avignon, Le Bon Air,… Co-directeur artistique et technique de l’association Hexalab, il est aussi formateur indépendant sur des logiciels de post-production et de diffusion vidéo.

Né en 1968 à Recklinghausen en Allemagne, associé du Royal College of Music de Londres, Rochus Aust est un compositeur, artiste visuel et trompettiste basé à Cologne.

Les œuvres de Rochus Aust sont produites et jouées dans plus de 40 pays dans le cadre de premières ou de performances et d’enregistrements uniques.
Son travail a été exposé à l’EXPO2000 au Pavillon allemand, à Marseille en 2013, au Space Odyssey à Kiev, au Highline à New York, au Central Park à Astana, au Greenwich Foot Tunnel à Londres, au Pioneer Palace à Saigon, au Nuclear Test Reactor à Stockholm et à la Quadriennale à Düsseldorf.
En tant qu’artiste-conservateur de LTK4 – Klangbasierte Künste, il a reçu le prix de la culture de Cologne en 2019.

Fortement influencée par la peinture, formée très jeune à la musique et à la danse, Émilie Anna Maillet envisage le théâtre comme un espace ouvert et multiforme.
Formée à École supérieure Pierre Debauche , elle y travaille avec Sylvain Maurice, Alan Boon, Christian Benedetti, Piotr Fomenko, André Engel, Jean-Pierre Vincent, Krystian Lupa, David Lescot, Julie Brochen, Alain Françon, Nadine Darmon…

deletere est un espace de recherche transmédia dédié à l’étude des enjeux artistiques générés par les nouvelles technologies. L’association accompagne, produit et diffuse des œuvres et des performances multimédia d’artistes qui questionne le public sur sa relation aux machines. deletere, c’est aujourd’hui un espace de travail mutualisé, un atelier de fabrication ouvert et une résidence d’artistes. Tout au long de l’année, l’association propose des ateliers d’initiation, des concerts et des rencontres artistiques autour des pratiques transmédia.

Jean-Emmanuel Rosnet est un artiste sonore basé à Villeurbanne. Au carrefour de plusieurs champs artistiques, sa pratique s’articule autour de la composition musicale et de la création sonore sous toutes ses formes : objets radiophoniques, documentaires, installations Il travaille dans le champs de la création contemporaine depuis plus de 15 ans. Il anime également l’émission De bruits et d’ondes consacrée à la musique ambient sur LYL Radio.
Que ce soit dans ses digressions expérimentales ou dans son travail documentaire, il puise dans les techniques du «collage sonore» et les préceptes de la «musique concrète». Ses recherches artistiques s’attachent aux questions de strates et d’assemblage à travers le recyclage et le traitement des sons, l’utilisation d’archives, de témoignages et de prise de son in situ.

Justine Emard, artiste, explore les nouvelles relations qui s’instaurent entre nos existences et la technologie.

En associant les différents médiums de l’image – de la photographie à la vidéo et la réalité virtuelle -, elle situe son travail au croisement entre les neurosciences, les objets, la vie organique et l’intelligence artificielle. Ses dispositifs prennent pour point de départ des expériences de Deep-Learning (apprentissage profond) et de dialogue entre l’humain et la machine.

Depuis 2016, elle collabore avec des laboratoires scientifiques au Japon. Elle est lauréate de la résidence Hors-les-murs de l’Institut Français en 2017 à Tokyo. Son travail a été exposé à la Biennale internationale d’Art Contemporain de Moscou et dans des musées tels que le NRW Forum (Düsseldorf), le National Museum of Singapore, le Moscow Museum of Modern Art, l’institut Itaú Cultural (São Paulo), la Cinémathèque Québécoise (Montréal), le Irish Museum of Modern Art (Dublin), le Mori Art Museum (Tokyo),  le MOT Museum of Contemporary Art Tokyo, Barbican Center (Londres) et le World Museum (Liverpool).

En 2020, elle est en résidence au ZKM, Centre d’Art et des Médias Karlsruhe, et elle est lauréate de la commande nationale photographique “IMAGE 3.0” du Centre national des arts plastiques (CNAP) en partenariat avec le Jeu de Paume à Paris. En 2021-22, elle est artiste-professeure invitée au Fresnoy, Studio national des arts contemporains.

Nicolas Montgermont est un artiste sonore et radio qui explore la physicalité des ondes sous ses différentes formes.

Depuis plus de 15 ans, il conçoit des dispositifs artistiques qui explorent l’essence poétique des ondes : résonance dans un volume, vibration des matières, richesse des paysages radio invisibles, musicalité des interférences, sculpture d’antenne, territoire d’écoute et d’émission… et développe en ce moment un travail sur les liens entre radio-art et politique.

Il réalise des performances sonores, des installations, des disques et des compositions, seul ou en collaboration (chdh, Art of Failure, Cécile Beau, RYBN, Pali Meursault …) et participe à plusieurs collectifs de création sonore et radiophonique (∏node, Yi King Operators, les Sons Fédérés, Jef Klak, l’Acentrale). Ses projets sont montrés dans de nombreux centres d’arts, musées, salles de concerts et lieux autogérés en Europe et ailleurs.

Il enseigne la création sonore et multimédia à l’ENS Louis Lumière et à l’université Paris 8.

Thomas Garnier est un artiste contemporain qui a reçu une formation initiale d’architecte et qui est diplômé du Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains. Son travail a depuis été présenté dans des expositions, des festivals et des biennales internationales.

Sa pratique est celle d’un artiste mais aussi d’un chercheur ou d’un hétérotopologue, tel que défini par Foucault dans son texte ‘‘les espaces autres’’. Cette recherche et cette construction de sens dans le «liminal» ou «l’entre-deux» l’amènent à produire des sculptures automatisées et effondrées. Le caractère critique des œuvres est développé par la déambulation, l’observation des espaces réels. Dans l’œuvre de Thomas Garnier, nous semblons assister à l’archéologie d’un monde dérivé et à la dérive, pris dans la congrégation de multiples temporalités et techniques, issues d’un futurisme primitif, d’un multi-brutalisme, d’un supra-romantisme ou de toute accumulation anachronique que l’on pourrait évoquer.

La franco-japonaise Mika Oki est une experte en conception spatiale, que ce soit à travers la musique qu’elle fait ou les installations qu’elle crée. Balayant un large spectre musical, ses mixes voyagent à la fois physiquement et émotionnellement entre UK bass, IDM, acid, jazz, indus et electro-acoustique. Elle s’est produite dans des festivals tels que Atonal, Nyege Nyege ou Dour. Programmatrice radio, organisatrice d’événements, mais aussi artiste visuelle, elle est basée à Bruxelles et y dirige l’antenne  de LYL radio. Elle lutte activement pour la place des femmes dans la scène musicale actuelle aux côtés de Female:pressure et Psst Mlle.

Musicienne tunisienne installée à Bruxelles, Samar joue avec la spatialité atmosphérique et les textures sonores. Avec ses beats déconstruits, Samar incarne son style et transgresse les codes du dancefloor. En constante évolution, elle n’a pas peur de prendre des virages inattendus et d’insuffler de la vigueur à ses DJ sets transcendants et atypiques. De l’ambient viscéral aux percussions qui font vibrer le sang, Samar est une adepte de la basse expérimentale, des breaks de la jungle et de l’electronica.

Le travail de Pierre Coric (1994, Liège, Belgique) est un tissage de différentes pratiques techniques et technologiques. Navigation, programmation informatique et fabrication d’objets textiles sont les composantes d’installations éphémères et de performances qui, révélant par éclats un quotidien décalé, nous font réenvisager nos perceptions du monde.

Karina Smigla-Bobinski est une artiste Open-Media et travaille avec des médias analogiques et numériques dans le domaine de l’art propioceptif. Ses thèmes se déplacent entre la science, l’intuition, l’expression et la cognition. Elle crée et collabore à des projets allant de la peinture aux sculptures cinétiques, en passant par les installations interactives, les interventions artistiques, les objets de réalité mixte, les performances de théâtre physique multimédia et les projets en ligne. Ses œuvres contiennent la méthode de leur réalisation, c’est de l’art direct, qui met en avant le matériau, le mouvement dans le temps et l’impact sur les résultats.

Ses recherches artistiques comprennent également un travail d’interaction avec la science, ainsi qu’un travail théorique sur l’interaction entre la société, la technologie et les techniques culturelles qui en résultent. En tant que chercheuse invitée et artiste en résidence à l’Institut d’études avancées de l’université de Bielefeld (ZiF Center for Interdisciplinary Research), elle a travaillé avec deux groupes de recherche composés de scientifiques, de philosophes, d’historiens de l’art et de juristes sur les thèmes de l’éthique de la copie et des causes génétiques et sociales des chances de survie.

Ses œuvres ont été présentées dans 49 pays sur 5 continents dans des festivals, des galeries et des musées internationaux, notamment au Ming Contemporary Art Museum de Shanghai (Chine), au Mattress Factory – Museum of Contemporary Art / Pittsburgh (États-Unis), à la Grande Halle de la Villette à Paris (France), à l’Ithra – King Abdulaziz Center for World Culture / Dhahran (Arabie Saoudite), à la Science Gallery de Dublin (Irlande), IPARK Museum of Art à Suwon (Corée), GARAGE Center for Contemporary Culture à Moscou (Russie), ZERO1 Biennial à Silicon Valley (États-Unis), FILE Electronic Language International Festival à São Paulo et Rio de Janeiro (Brésil), FACT Foundation for Art and Creative Technology à Liverpool (Royaume-Uni), Busan Biennale (Corée du Sud), Muffathalle à Munich (Allemagne), Bangkok University Gallery (Thaïlande).

Ses performances collectives ont été présentées au Festival de Montpellier (France), au Grand Théâtre (Luxembourg), au Festival de Kaboul (Afghanistan), au GoDown Art Center de Nairobi (Kenya), à la National School of Drama de Delhi (Inde), au Festival de Caracas (Venezuela), au Fadjr-Festival de Téhéran (Iran), au Art Festival (Corée du Sud), à la Haus der Kunst de Munich (Allemagne), au Berliner Festspiele (Allemagne) et à la Biennale de Venise – Arsenale, Venise (Italie).

La pratique multidisciplinaire de Luke Jerram implique la création de sculptures, d’installations et de projets d’arts vivants. Vivant au Royaume-Uni mais travaillant à l’international depuis 1997, Jerram a créé un certain nombre de projets artistiques extraordinaires qui ont enthousiasmé et inspiré les gens du monde entier. Avec plus de 25 ans d’expérience dans la création d’œuvres d’art réussies, il a organisé 104 expositions dans 17 pays différents rien qu’en 2021.

En plus de la tournée de ses installations, ses œuvres d’art font partie de plus de 50 collections permanentes dans le monde, dont le Metropolitan Museum of Art de New York et la Wellcome Collection de Londres.

En 2020, il a reçu un doctorat honorifique de l’université de Bristol, a été nommé académicien honoraire de la RWA et membre de la Royal Astronomical Society.

En 2019, il a créé et financé la Dreamtime Fellowship pour soutenir les jeunes diplômés de sa ville natale de Bristol et le Bristol Schools Arts Fund pour soutenir les écoles secondaires de Bristol touchées par l’austérité.

Dan Acher est un artiviste international basé à Genève. Il imagine des installations artistiques et des situations participatives qui bousculent nos routines et créent de l’extra-ordinaire dans nos imaginaires citadins.

Au centre de son travail se trouve l’art comme générateur de changement social ; ses installations transforment notre vision de la ville et du vivre ensemble.

Fondé en 2009 par Fabio di Salvo et Bernardo Vercelli, Quiet Ensemble crée des performances et des installations audiovisuelles en capturant l’essence de divers objets et créatures, du poisson rouge à l’ananas en passant par les nuages. La recherche de Quiet Ensemble passe par l’observation de l’équilibre entre le chaos et le contrôle, la nature et la technologie, créant des sujets qui fusionnent ces éléments qui prennent forme à partir de la relation entre les sujets organiques et artificiels, en se concentrant sur des éléments insignifiants et merveilleux comme le mouvement d’un « y » ou le son des arbres. 

Célébrant les « concerts invisibles » qui nous entourent chaque jour, Quiet Ensemble s’efforce de révéler les aspects cachés ou souvent négligés de l’environnement qui nous entoure.

Mary Ocher n’a cessé de créer des œuvres passionnées et intransigeantes, brutes, provoquant la réflexion, poussant socialement et créativement à contre-courant, traitant des sujets d’autorité, d’identité et de conflit. Son travail est aussi fascinant que polarisant, allant du folk traditionnel au garage brut des années 60, de l’ambient avec des voix éthérées et des synthés abstraits, à la pop expérimentale avec des rythmes africains et sud-américains. Son dernier album, « The West Against The People », est sorti sur Klangbad, le label de Hans Joachim Irmler de Faust. Il comprend des morceaux en solo, ainsi que des morceaux avec ses deux batteurs Your Government, et les légendes insaisissables Die Tödliche Doris et Felix Kubin.

Noemi Castella est née en 1997 à Lausanne, en Suisse. Son travail enquête sur des questions sociopolitiques à travers la fiction et la narration en utilisant différents médiums tels que la vidéo, le son, l’animation, la confection d’objets artisanaux et le dessin. Diplômée du Bachelor en Arts Visuels de la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD) en 2018 et du Master Espace et Communication de la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD) en 2021. Elle obtient son diplôme de Master avec mention Excellent ainsi que le Prix d’Excellence de la HES-SO dans le domaine Design pour son travail de recherche sur les monstres folkloriques suisses.

Sophie Whettnall Née en 1973, vit et travaille à Bruxelles (Belgique). Sophie Whettnall est une artiste multidisciplinaire qui utilise la vidéo, la performance, le dessin et la peinture. Ses œuvres oscillent entre élégance, sensualité et énergie. Depuis les années 90, le travail de Sophie Whettnall propose une réflexion sur les forces qui définissent notre relation au monde qui nous entoure, en les matérialisant et en les documentant. Sophie Whettnall se concentre sur la lumière et analyse sa présence et ses zones d’absence et de passage. Les pièces esthétiques de l’artiste se révèlent à la fois sensibles et puissantes, reposant sur une tension dialectique et tentant d’instaurer une relation entre des concepts et des perceptions contradictoires : entre douceur et sensualité, yin et yang, femmes et hommes. Son travail contribue également à une forme de projet autobiographique. Sophie Whettnall a remporté le prix de la Jeune Peinture Belge en 1999. Ses œuvres ont été exposées à la 52e Biennale de Venise (Italie) ; au Utah Museum of Fine Arts (Salt Lake City) ; à MAC’S, Site du Grand Hornu (Hornu) ; à DOT. Project (Londres) ; Leal Rios Foundation (Barcelone) ; Centrale for Contemporary Art (Bruxelles) ; BOZAR (Bruxelles) ; Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães (Recife) ; CGAC (Santiago de Compostella) ; COAC (Barcelone) ; Vera Cortes Art Agency (Lisbonne) ; Krinzinger Projekte (Vienne) ; L’Orangerie – Espace d’art contemporain (Bastogne) ; Fresnoy – Studio national des arts contemporains (Tourcoing).

Karina Smigla-Bobinski est une artiste Open-Media et travaille avec des médias analogiques et numériques dans le domaine de l’art propioceptif. Ses thèmes se déplacent entre la science, l’intuition, l’expression et la cognition. Elle crée et collabore à des projets allant de la peinture aux sculptures cinétiques, en passant par les installations interactives, les interventions artistiques, les objets de réalité mixte, les performances de théâtre physique multimédia et les projets en ligne. Ses œuvres contiennent la méthode de leur réalisation, c’est de l’art direct, qui met en avant le matériau, le mouvement dans le temps et l’impact sur les résultats. 

Ses recherches artistiques comprennent également un travail d’interaction avec la science, ainsi qu’un travail théorique sur l’interaction entre la société, la technologie et les techniques culturelles qui en résultent. En tant que chercheuse invitée et artiste en résidence à l’Institut d’études avancées de l’université de Bielefeld (ZiF Center for Interdisciplinary Research), elle a travaillé avec deux groupes de recherche composés de scientifiques, de philosophes, d’historiens de l’art et de juristes sur les thèmes de l’éthique de la copie et des causes génétiques et sociales des chances de survie. 

Ses œuvres ont été présentées dans 49 pays sur 5 continents dans des festivals, des galeries et des musées internationaux, notamment au Ming Contemporary Art Museum de Shanghai (Chine), au Mattress Factory – Museum of Contemporary Art / Pittsburgh (États-Unis), à la Grande Halle de la Villette à Paris (France), à l’Ithra – King Abdulaziz Center for World Culture / Dhahran (Arabie Saoudite), à la Science Gallery de Dublin (Irlande), IPARK Museum of Art à Suwon (Corée), GARAGE Center for Contemporary Culture à Moscou (Russie), ZERO1 Biennial à Silicon Valley (États-Unis), FILE Electronic Language International Festival à São Paulo et Rio de Janeiro (Brésil), FACT Foundation for Art and Creative Technology à Liverpool (Royaume-Uni), Busan Biennale (Corée du Sud), Muffathalle à Munich (Allemagne), Bangkok University Gallery (Thaïlande). 

Ses performances collectives ont été présentées au Festival de Montpellier (France), au Grand Théâtre (Luxembourg), au Festival de Kaboul (Afghanistan), au GoDown Art Center de Nairobi (Kenya), à la National School of Drama de Delhi (Inde), au Festival de Caracas (Venezuela), au Fadjr-Festival de Téhéran (Iran), au Art Festival (Corée du Sud), à la Haus der Kunst de Munich (Allemagne), au Berliner Festspiele (Allemagne) et à la Biennale de Venise – Arsenale, Venise (Italie).

La pratique artistique d’Amélie Bouvier s’appuie sur des recherches historiques dans le domaine de l’astronomie pour interroger les questions liées à la mémoire culturelle et au patrimoine collectif. Les astronomes en particulier, et les scientifiques en général, ne se contentent pas d’expliquer le monde. Pour Amélie Bouvier, l’imagerie scientifique est un prolongement de la connaissance qui révèle des cadres idéologiques et éthiques, lesquels risquent d’occulter des aspects de la réalité qu’ils visent à représenter. Elle s’intéresse particulièrement au ciel et aux étoiles en tant que paysage qui expose les contradictions sociopolitiques actuelles et les lacunes en matière de connaissances. Bien que son travail soit basé sur des faits, des données et des images historiques, elle les mélange constamment avec des images spéculatives, adaptant des outils et des techniques pour présenter des potentialités alternatives.

Nicole Corsino et Norbert Corsino sont chorégraphes et chercheurs. Intéressés par la cinétique des corps et des paysages, ils explorent les territoires où la danse peut surgir et s’écrire afin de donner à voir comment le mouvement des corps les modifie. Ils changent d’espaces de représentation pour la danse en montrant leurs fictions chorégraphiques sous la forme de films et d’installations.

Pierre Pauze est un vidéaste, cinéaste et plasticien français. Né en 1990, il vit et travaille à Paris.

Diplômé du Fresnoy et des Beaux-Arts de Paris, Pierre Pauze a été révélé auprès du public en 2016 à l’occasion de la 2e édition de l’exposition internationale d’étudiants en école d’art présentée par Artagon à Paris. Depuis, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en France et dans le monde, comme à La Villette, au Musée Es Baluard de Palma à Majorque ou au K Museum of Contemporary Art de Séoul, ou à la biennale de Pekin.

Les films de Pierre Pauze ont été diffusés dans de nombreux festivals et à la télévision, en France et à l’étranger. Il a reçu plusieurs prix, comme le Prix Agnès b. en 2016 et le Prix ADAGP Révélation art numérique et art vidéo en 2019. En 2020, il est résident de la Cité internationale des arts à Paris ainsi que de POUSH Manifesto. Il a participé à la 12e Biennale de Taipei avec MASS, projet de film et d’installation réalisé en collaboration avec la jeune artiste et cinéaste June Balthazard. L’oeuvre à deja été montré à Luma Arles lors d’une projection/talk avec Hans Ulrich Obrist. Elle est présentée en ce moment au Centre Pompidou Metz ainsi qu’à la Biennale de Chengdu à en Chine.

Né en 1973 à Berlin/Brême (DE), vit et travaille à Bruxelles (BE) depuis 2002.

David Helbich est un compositeur, un artiste du son, de l’installation et de la performance, ainsi qu’un photographe et un enseignant, qui crée un large éventail d’œuvres expérimentales et conceptuelles pour la scène, les médias papier et en ligne et dans l’espace public. Sa trajectoire oscille entre des œuvres représentatives et interactives, des pièces et des interventions, entre des travaux conceptuels et des actions. Nombre de ses œuvres portent sur des expériences physiques et sociales concrètes. Un intérêt récurrent est le travail direct avec un public qui s’auto-performe.

Stéphane Thidet, né en 1974, vit et travaille à Paris et à Aubervilliers. Diplômé de l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris et de l’École supérieure des Beaux-arts de Rouen, il est représenté par les galeries Aline Vidal à Paris et Laurence Bernard à Genève.

Ses œuvres suggèrent un ailleurs, une fiction non accessible mais perceptible, qui confronte le spectateur à un nouvel « état des choses ». Stéphane Thidet crée des univers où s’opèrent des décalages, des pas de côté. Ses œuvres mettent en scène sa vision de la réalité imprégnée de fiction et de poésie. Il aime à se situer dans cet entre-deux et jouer avec les limites de ces espaces fictionnels et réels. S’appuyant sur des situations de la vie courante, il y décrit la notion d’instabilité face à l’érosion du temps et de l’action qui mène à leur disparition.

Claire Malrieux est diplomée de l’Ensba en 2000. Elle cofonde les éditions Mix avec les autres membres du collectif avec lesquels elle travaille de 2000 à 2006. Sa pratique collective l’a amenée à expérimenter les conditions de circulation du récit à travers des formes hybrides où se mêlent éditions, Histoire et fictions. En 2014, elle bénéficie d’une résidence de recherche au Musée des Arts Décoratifs de Paris où elle pose les bases de son travail actuel et expose une première œuvre graphique algorithmique en ligne. Depuis, elle développe le projet Hyperdrawing dans lequel elle alterne phases de recherche, expérimentations techniques et productions d’œuvres graphiques génératives. Ses dernières œuvres engagent la puissance énonciatrice du dessin dans une réflexion sur les perspectives narratives et spéculatives de la pensée algorithmique. Son travail est régulièrement montré en France et à l’étranger et fait l’objet d’acquisitions dans différentes collections privées. Elle expose Climat Général une œuvre graphique générative à la Biennale de Venise et au Collège des Bernardins en 2017 et devient lauréate «Talents Contemporains» de la Fondation François Schneider en 2018.

Après un bachelor en photo-vidéo à l’Institut Supérieur des Arts de St Luc à Tournai (2010) puis un master en art plastique à la Luca School of Arts de Bruxelles (2012), Marc Buchy (1988, Fr, vit et travaille à Bruxelles) a complété son cursus par le post-diplôme de l’IHEAP à New York (2015). Son travail protéiforme, entre actions performatives, protocoles et situations construites se veut une réflexion autour du capitalisme cognitif caractérisant notre époque. Il a participé à des expositions collectives en Belgique (Société, Centrale for Contemporary Art, Centre de la Gravure de la Louvière, ISELP…) et à l’international (Friche Belle de Mai (Marseille), In Extenso (Clermont-Ferrand), CAN (Neuchâtel) Material (Zürich), The Others Art Fair (Turin), Galeriji SC (Zagreb), Antena (Chicago)…) et a aussi été l’objet d’expositions monographiques (BPS22 (Charleroi), Nei Liicht (Luxembourg), entre autres).

Dasha Ilina est une artiste russe techno-critique basée à Paris. Par le biais d’approches low tech et DIY, son travail met en lumière la relation nébuleuse entre notre désir d’intégrer les technologies modernes dans notre vie quotidienne et les impératifs sociaux proposés pour prendre soin de soi et des autres. Sa pratique engage le public afin de faciliter un espace pour le développement d’une pensée critique concernant nos relations modernes, la vie privée à l’ère numérique, et le désir contemporain réflexif de se tourner vers la technologie pour trouver des réponses. Elle est la fondatrice du Center for Technological Pain, un projet qui propose des solutions DIY aux problèmes de santé causés par les technologies numériques, pour lequel elle a reçu une mention d’honneur à Ars Electronica. Elle est également co-directrice de NØ SCHOOL, une école d’été sur la recherche critique autour des impacts sociaux et environnementaux des technologies de l’information et de la communication.

Née en 1989, Wang Yuyan vit et travaille à Paris. Diplômée du Fresnoy – Studio national des arts contemporains en 2020 et des Beaux-arts de Paris en 2016 avec les félicitations du jury, elle réalise des projets multi-médias qui oscillent entre le film, la performance et l’installation souvent dans une perspective immersive. Son travail s’intéresse à la chaîne de production industrielle des images dont le développement sans fin aboutit à une forme d’abstraction du réel.

Né à Kaufbeuren, près des Alpes bavaroises, Ulrich Vogl vit et travaille – entrecoupé de longs séjours à l’étranger – à Berlin. Vogl a étudié les beaux-arts à la School of Visual Arts de New York, à l’Université des arts de Berlin UDK et à l’Académie des arts de Munich. Son travail a été présenté dans le monde entier et dans plus de 30 expositions personnelles en Europe. Il a reçu de nombreuses bourses et récompenses et on trouve son travail dans des collections privées et publiques en Allemagne, Italie, Pologne, Grèce, Irlande et Espagne.

Les principaux moyens d’expression de Vogl sont les installations, les sculptures et les œuvres murales. Certaines d’entre elles sont mobiles, d’autres travaillent avec des ombres et des projections, elles sont souvent cinématographiques ou temporelles, de faible technicité, quelques-unes produisent des sons. Certaines ne sont rien d’autre qu’une version légèrement modifiée de l’objet original. Elles peuvent être minuscules ou grandes, tournées vers l’intérieur ou vers l’extérieur. Lorsque les œuvres sont réussies, Vogl les qualifie de « catalyseurs cognitifs ».

Considéré comme un des chefs de file de la création numérique, Maurice Benayoun (alias MoBen ou 莫奔), est un artiste prolifique, moteur de son temps. Son œuvre excède largement les pratiques technologiques, allant de la photographie à la vidéo, de l’installation à la performance, de la fiction à la théorie de l’art, en passant par la réalité virtuelle, l’installation urbaine et la réalité augmentée. Elle joue un rôle majeur dans le champ des nouveaux médias et de l’image de synthèse notamment à travers H2H (Human to Human Lab), organisme qu’il a créé pour la recherche sur les média émergents et leurs implications esthétiques et sociales.

Les travaux de Maurice Benayoun ont été largement récompensés dans les manifestations internationales et exposés dans les grands musées internationaux.

Le travail de Marjolijn Dikjman s’intéresse aux résidus de l’idéologie des Lumières, aux manifestations de la mémoire collective, aux angles morts de la représentation. Il problématise notre dépendance à l’égard des systèmes institutionnalisés afin d’affirmer la politique de la connaissance présumée. Les œuvres proposent des systèmes de connaissance alternatifs par leur enchevêtrement de différentes temporalités et géographies.

Le processus de Dijkman, qui demande beaucoup de travail, consiste à activer la matière conductrice à l’aide d’électricité à haute tension et à la photographier à travers un verre conducteur semblable à celui utilisé dans les smartphones et autres appareils. Les halos bleus et violets et les rayons linéaires irréguliers qui en résultent.

Kasia Molga est une fusionniste du design polono-anglais : artiste, codeuse, écologiste, conteuse et bricoleuse. Elle questionne l’impact de la technologie sur l’environnement naturel et son rôle dans notre relation avec les « acteurs non humains ». Elle croise les disciplines pour communiquer des idées complexes à travers des installations tangibles, multisensorielles et hybrides. Son travail est exposé dans le monde entier, notamment au Centre Pompidou à Paris, au V&A Museum à Londres, au MIS à São Paulo, ainsi qu’à l’occasion d’Ars Electronica à Linz et de la Dutch Design Week.

Stéphanie Roland est une artiste visuelle et réalisatrice belgo-micronésienne.

Elle réalise des films et des installations qui explorent, entre le documentaire et l’imaginaire, les structures invisibles du monde occidental, les larges échelles du temps et les hyperobjets. 

Elle puise son inspiration dans des champs variés, allant de écologie à la politique, en passant par la géologie et le cosmos.

Après avoir été diplômée de La Cambre et avoir suivi la classe de Hito Steyerl à l’UDK Berlin, elle a effectué un cursus au Fresnoy – Studio National. Son travail est régulièrement présenté au niveau international, ses projets ont été inclus dans des expositions d’institutions majeures parmi lesquelles le musée du Louvre, le musée Benaki, le Botanique, la Biennale internationale d’art de Kampala et le Wiels. Breda Photo, Belfast Photo festival, Manifesto, Encontros da Imagem, BIP Liège, MOPLA et Unseen font partie des festivals dédiés à la photographie auxquels elle a participé. En 2017, elle est sélectionnée dans l’exposition collective du Pavillon de l’Antarctique pour la 57e Biennale de Venise.

Ses films ont été projetés dans des festivals internationaux tels que Visions du Réel, FID Marseille, ZINEBI, FEST New Directors / New Films, les Rencontres Internationales Paris / Berlin, entre autres. Son deuxième court métrage, Podesta Island, a été présenté en première mondiale au FID Marseille, où il a remporté le prix Alice Guy. s, son dernier film, a remporté le prix TËNK au festival Visions du Réel 2022.

Filmographie

– Deception Island, 2017

– Podesta Island, 2021

– Le cercle vide, 2022

:mentalKLINIK est un duo d’artistes originaire d’Istanbul et basé à Bruxelles, composé de Yasemin Baydar & Birol Demir qui ont débuté leur collaboration collaboration en 1998.
:mentalKLINIK arpente avec une dextérité non dissimulée les stratégies politiques invisibles et les dynamiques sociales par des dispositifs ultra-contemporains d’une apparente légèreté. Telle une boule à facettes, les shows :mentalKLINIK sont une sélection de leur approche multiforme. Résistant aux limites d’un vocabulaire ou d’un style, leur univers est ludique et plein d’attraits hédonistes qui peuvent être vécus comme festifs et glamour mais aussi surprenants à mesure que l’on s’approche pour découvrir de plus près une violence sous-jacente évocatrice d’un bad trip après fête ou un effrayant début de fin. Leurs œuvres oscillent entre des attitudes émotionnelles et robotiques. Le duo d’artistes se réapproprie le langage visuel pétillant et autoritaire des sphères médiatiques et nocturnes dans un climat d’hyperstimulation sensorielle engendré par de multiples néons, slogans, faisceaux lumineux, boules à facettes et confettis tout en jouant de notre attirance unanime pour les objets scintillants et séduisants. C’est tout le travail de cryptage auquel ils nous appellent, entre le vrai et le faux, l’artificiel et le superficiel, comme si tout était affaire de falsification.

:mentalKLINIK porte une approche de laboratoire ouvert pour le processus, la production, les rôles, la conception et la présentation. Leurs œuvres sont un mélange d’oxymores et de paradoxes, d’humour noir, allant d’installations immersives basées sur le temps, à des sculptures et des objets qui contrecarrent la catégorisation.

Créé en 2007, Chevalvert est un studio de design visuel basé à Paris. La singularité du studio se caractérise par son rapport à l’image orienté objet, systémique, où le processus compte autant que le résultat. Les productions du studio se déploient dans les domaines du graphisme, de l’interaction, de l’édition, de la vidéo et des installations spatiales et interactives. Récompensées plusieurs fois en Europe, leurs installations voyagent également dans de nombreux pays.

Les différentes formations qu’a suivies Kris Verdonck (°1974) – arts visuels (HISK), architecture et théâtre (RICTS) – se retrouvent dans son travail : on peut situer ses créations se situent à la croisée des arts plastiques et du théâtre, de l’installation et de la performance, de la danse et de l’architecture. En tant que réalisateur et plasticien, il est à l’origine d’un éventail de projets aussi riches que variés. La pratique artistique de Kris Verdonck s’est développée et élargie au cours des dernières années. Ses projets ont été présentés sur des scènes et dans des musées en Belgique et à l’étranger. Cette expansion ne pouvait être consolidée que grâce à une organisation flexible, capable de structurer son travail en permanence.

On ne fait jamais du théâtre tout seul: il ne s’agît plus du travail d’un chien fou, mais de la pratique de plusieurs chiens qui jouent ensemble. C’est pourquoi Kris Verdonck a choisi ‘A Two Dogs Company’, honorant ainsi un poème de Friedrich Torberg.

Musicienne, performeuse et vidéaste belge basée à Bruxelles, Céline Gillain s’intéresse à la pop music électronique.
Son travail se trouve à la croisée de la musique et des arts visuels. L’artiste combine de manière hybride chansons pop corrompues, science-fiction féministe, humour noir et récit. Son premier album ‘Bad Woman’ est sorti au mois de décembre 2018 et elle prépare actuellement son successeur!

Squidsoup est un groupe international d’artistes, de chercheurs et de concepteurs basé au Royaume-Uni et travaillant sur des expériences digitales et interactives. Leur travail combine des espaces numériques physiques et dynamiques avec des formes d’interaction novatrices et intuitives pour produire des expériences immersives et réactives.

La singularité du studio se caractérise par son rapport à l’image, orienté objet, systémique, où le processus compte autant que le résultat. Ses savoirs-faire techniques et artistiques lui permettent de développer une approche à la fois globale, transversale et contextuelle sur chacun de ses projets. Les productions du studio se déploient dans les domaines du graphisme, de l’interaction, de l’édition, de la vidéo et des installations spatiales et interactives.

Ses projets sont le fruit d’une rencontre entre l’Art et les technologies. Tous ses cadres de création sont sources d’expérimentation et lui permettent de développer des systèmes graphiques sensibles. Ces architectures formelles sont basées sur un ensemble de variables et composent la grammaire visuelle d’un projet donné. Ces systèmes visuels sont à la fois le point de départ et le produit d’outils génératifs circonstanciels inédits, car conçus par le studio. Les créations qui en résultent forment le socle de son processus d’élaboration, et constituent sa méthode de design.

Caitlind r.c. Brown et Wayne Garrett sont des artistes basés à Calgary qui explorent l’espace intermédiaire entre la lumière et l’obscurité, la nature et la culture, le bricolage et l’institutionnel, l’individuel et le collectif. Le duo centre sa pratique sur l’espace relationnel, créant des projets qui attirent les spectateurs avec des matériaux inédits et des contextes participatifs, invitant des étrangers à partager une vision collaborative.

Ils ont exposé leurs œuvres à de nombreuses reprises, notamment au Weisman Art Museum (États-Unis), au Pera Museum (Turquie), au Japan Alps Art Festival (Japon), au Centre national des Arts (Canada) et au Garage Museum of Contemporary Art (Russie). Parmi leurs œuvres d’art public in situ figurent CARBON COPY, Delta Garden + The City Unseen, Yesterday, Today, Tomorrow, AFTER IMAGE, LIGHT KEEPER et The Wandering Island. Caitlind et Wayne maintiennent une pratique artistique expérimentale à travers The Hibernation Project et WRECK CITY. Qu’ils exposent dans des galeries officielles, des bâtiments en voie de démolition, des espaces publics ou dans leur propre jardin, Caitlind et Wayne croient au potentiel de l’art pour transformer le quotidien par un changement critique de perspective.

Andrea Santicchia alias SETA explore les contrastes entre l’humain et le technologique, le synthétique et l’organique, le naturel et l’artificiel, en cherchant leur potentiel respectif. Par le biais de la décodification, il enquête à rebours, de l’objet au processus. Les phénomènes perceptifs deviennent des processus cognitifs. Les éléments sont fragmentés en données et tissés en modèles. En utilisant une technologie hybride, SETA tend à s’écarter des schémas traditionnels, en combinant des éléments provenant de domaines apparemment incompatibles. Générant des polyphonies chromatiques et des géométries où l’intangible devient matière sculpturale.

SETA s’est lancé dans un nouveau projet de recherche sonore et visuelle avec l’artiste italien Quayola.
Transient – Impermanent Paintings, leur première collaboration, a été présenté dans des cadres internationaux prestigieux tels que le RomaEuropa Festival 2020 au Teatro Argentina, Rome ; Expo 2020 Dubai ; Node Festival 2021 au Teatro Storchi, Modena ; et en tant que performance immersive au Ars Electronica Festival 2021, Deep Space 8K, Linz et ARTECHOUSE, Washington DC.

Andrea Santicchia a enseigné le design d’interaction à l’IUAV de San Marino/Venise, l’art numérique à l’IED de Rome et collabore avec DARLAB, le laboratoire d’architecture numérique et de robotique de la South Bank University de Londres. Il a collaboré à des expositions et des installations dans des lieux internationaux prestigieux tels que le HowArt Museum, Shanghai ; Paradise Art Space, Séoul ; ARTISTS & ROBOTS (commissariat du Grand Palais, Paris), Expo 2017 Astana ; SKP, Pékin ; Musée du Château de Chaumont-sur-Loire ; Festival STRP, Eindhoven.

Tom & Lien Dekyvere explorent les couches les plus profondes de la réalité et de l’esprit. Tout comme les alchimistes d’autrefois, ils sondent les connexions inattendues, à la recherche des frontières entre la nature et la technologie, entre l’homme et le robot, entre la matière morte et la matière vivante.

Productrice multi-instrumentiste, chanteuse, MC et DJ, GOLDIE B est de ce genre d’artiste pluridisciplinaire dont l’énergie envoûte et captive. Après plusieurs années passées à se réaliser dans différents projets jazz et/ou électro, elle quitte la scène parisienne pour poser ses valises à Marseille en 2017.

Elle y entame une carrière solo dans la sphère nu-soul électro sous le pseudonyme de MBKONG et multiplie les apparitions derrière les platines sous l’alias GOLDIE B (Un Autre Air / Festival Le Bon Air, Nomadisco Festival, Les Jardins électroniques, Tropisme, Rinse, FRAP...). Son répertoire est global, percussif, majoritairement influencé par la scène uk bass, jungle, nu jazz et breakbeat. Membre du collectif féminin Wicked Girls depuis l’été 2019, elle est également cofondatrice, avec le DJ et producteur Kumanope, du jeune label marseillais Omakase sur lequel est paru son premier EP.

Ghassan Salameh est artiste, designer et curateur. Il vit à Keserouan au Nord de Beyrouth où il exerce principalement son activité. Depuis 2016, Il est notamment à l’initiative de l’organisation de deux festivals de design à Beyrouth et Dubai. En parallèle, Ghassan s’implique auprès d’associations civiques locales et mobilise des initiatives citoyennes.

András László Nagy est né à Budapest. Il a étudié les arts visuels et la musique classique en espérant trouver la meilleure façon possible de combiner les deux. Il a réalisé plusieurs installations et performances audiovisuelles, et a été invité à faire partie du jury et à représenter TouchDesigner au festival Moscow Art Vision 2018. Le point central de son travail est de trouver un langage visuel innovant dans le domaine des médias génératifs et interactifs. Son style unique est bien reconnaissable grâce à ses éléments minimalistes abstraits.

Gaspar Battha est né à Budapest et a grandi en partie à Bergen (Norvège). Il a ensuite déménagé à Vienne et à Berlin pour suivre des études sur les nouveaux médias et a obtenu une maîtrise en art et médias à l’université des arts de Berlin. Depuis, il travaille en tant que directeur artistique, motion designer et artiste médiatique indépendant. Depuis 2014, il est également conférencier invité à l’université des arts de Berlin.

À l’image de ses Voyageurs qui parcourent le monde, Cédric Le Borgne invite chacun à porter un regard nouveau sur la réalité quotidienne, à s’élever, à rêver. Abolissant les frontières, son travail d’exploration des espaces est sensible, sa poésie s’immisce avec subtilité dans tous les lieux. Libre de toute contrainte formelle, il passe de la sculpture de grillage à la photo ou à la vidéo, de l’installation pérenne à la performance instantanée, du street-art au web-art.

Grégory Lasserre et Anaïs met den Ancxt, connus sous le nom de Scenocosme, sont un couple d’artistes. Ils vivent et travaillent
ensemble à Lyon. Leurs créations artistiques se composent d’installations sonores et visuelles interactives dont ils développent les logiciels et technologies. Leur travail se caractérise par l’introduction d’éléments naturels dans leurs œuvres technologiques.

Félicie d’Estienne d’Orves, née à Athènes en 1979, vit et travaille à Paris. Mêlant lumière, sculptures et nouvelles technologies, son travail interroge le processus de la vision et le conditionnement du regard. Ses installations font appel à une connaissance phénoménologique du réel, elles soulignent la perception du temps dans un mouvement continu.

Eliane Radigue, née en 1932, compositrice, pionnière de la musique électroacoustique est une figure singulière dans le paysage des musiques expérimentales actuelles. Elle concentre l’essentiel de son travail sur les potentialités sonores qu’offrent les premiers synthétiseurs. Sa musique représente une influence incontournable pour toute une nouvelle génération de compositeurs et de musiciens, en France comme ailleurs.

À travers différentes techniques, Rajwa Tohmé s’attache à créer des images « non-reproductibles » ou qui ne peuvent être produites qu’une seule fois. Elle enregistre l’instantané invisible du vécu des migrants dans ses cartographies d’errance à Calais (Lignes de fuite), elle produit des livres d’artiste uniques, elle crée des flms d’animation en dessinant sur l’eau. Son travail intègre et révèle les accidents inhérents à un processus de création spontané.

Clement Valla vit et travaille à Brooklyn. Il a obtenu un diplôme en Architecture de l’Université Columbia et un MFA de la Rhode Island School of Design où il est actuellement professeur assistant de design graphique.

Žilvinas Kempinas est né en Lituanie en 1969, il vit et travaille à New York. L’artiste s’intéresse à l’art cinétique, il expérimente les possibilités de mouvements dans l’oeuvre d’art.

Pavitra Wickramasinghe vit et travaille à Montréal. L’artiste travaille avec différents médiums et s’intéresse aux conventions du regard et aux nouvelles façon de concevoir l’image en mouvement. Son travail actuel explore le voyage, la fluidité des lieux et de la mémoire.  Elle utilise la lumière et les ombres comme extension de l’image projetée pour créer des installations où le regardeur, au lieu d’observer l’oeuvre de l’extérieur, occupe un espace cinématographique à l’intérieur de celle-ci. 

Nicolas Maigret expose le fonctionnement interne des médias au travers d’une exploration de leur dysfonctionnements, états limites ou seuils de rupture, qu’il développe sous forme d’expériences immersives, ambiguës et critiques. Il a initié le groupe de travail disnovation.org avec lequel il réalise un ensemble de recherches sur les «propagandes de l’innovation». Il enseigne à Parsons (Paris) et a co-fondé le collectif Art of Failure en 2006.

Photographe et vidéo-performeur français, Moussa Sarr se met en scène dans ses oeuvres pour aborder les thèmes de la différence, des stéréotypes socioculturels et les dénoncer avec humour et autodérision, pour faire réagir le public et l’amener à réfléchir sur ces sujets profonds, abordés de manière légère et ironique.

Ce collectif actif depuis 2006 s’interroge sur les mondes dystopiques. Il explore les déclins probables de ces civilisations futures, en s’intéressant au développement technologique et culturel que celles-ci vont engendrer, qu’ils soient positifs ou négatifs. IOCOSE pense qu’à long terme les sociétés technologiques de demain décevront et laisseront place à des réalités banales. Ce collectif puise donc son inspiration dans la façon dont le monde d’aujourd’hui se raconte le futur.

Gino de Dominicis (1947-1998) fut l’un des artistes d’après-guerre les plus mystérieux et vénérés d’Italie. Ses thèmes principaux incluent l’espace, l’immortalité et la nature cachée des choses et de la matière, bien que son travail reste résolument énigmatique. Gravitant autour des mouvements Arte Povera et Transavanguardia, il préfère s’en éloigner et rester un artiste solitaire, farouchement indépendant.

David Spriggs est actuellement basé à Vancouver, au Canada. Il travaille beaucoup sur l’interaction entre la 2D et la 3D. Dans son travail, il explore la représentation et les stratégies du pouvoir, les significations symboliques des couleurs et les seuils de la forme et de la perception. Spriggs utilise une technique qu’il a mise au point en 1999 en utilisant de multiples images en couches peintes dans l’espace pour créer des oeuvres d’art 3D éphémères uniques à grande échelle.

Cinzia C. est une artiste qui vit et travaille à Montréal. Son travail est lié au domaine de l’art des nouveaux médias et des installations d’art immersif. Elle met l’accent sur la création d’environnements audiovisuels, impliquant principalement l’utilisation de la lumière projetée. 

En 2013 Lucie Antunes verse dans la pop-musique et se trouve propulsée sur le devant de la scène aux côtés de Moodoïd puis enchainera les projets des autres à la batterie : Aquaserge, Yuksek, Susheela Raman… Cette implication dans la musique des autres fait naître son désir de se consacrer à sa propre musique. À partir de 2015, elle crée des pièces électro-acoustiques pour illustrer les spectacles qu’elle met en scène : Bascules en 2018, Moi, comme une autre en 2016, Mémoires de femmes en 2014. Lucie multiplie depuis, comme une nécessité, les collaborations avec chorégraphes, performeurs et musiciens. Elle publie Sergeï en 2020, qui mêle un instrumentarium insolite, des métaux résonnants et des voix pour donner forme à un inclassable concert-spectacle dont la sophistication n’a d’égale que la force d’attraction.

Le travail et le parcours de Ief Spincemaille croise différentes disciplines : art visuel, design, performance et différents genres de travail. L’artiste apprécie explorer les frontières de ces différents domaines. Il joue avec les cadres existants et les formes, non pas seulement pour le plaisir de jouer mais bien pour une nécessité de produire de nouvelles formes qui répondent mieux à son imagination.

Émilie Brout & Maxime Marion vivent et travaillent à Paris. Ayant débuté leur collaboration à l’ENSAD Lab à Paris en 2009, le duo français travaille essentiellement avec et sur internet. Réinventant le langage moderne du film, ils réemploient et s’approprient largement des contenus du web.

Artiste pluridisciplinaire basé à Montréal, Maxime Damecour se qualifie lui-même d’« artiste supermédia audiovisuel ». Passionné d’open source et de bricolage technologique, il promeut l’utilisation des logiciels libres et a cofondé un hackerspace. Après avoir étudié les arts numériques à l’Université Concordia, il devient membre du centre d’artistes Perte de Signal et travaille sur de nombreux projets mêlant le son, le mouvement, la mécanique, la plastique et la lumière.

Né à Bogotá en 1981, Daniel Iregui vit et produit son travail à Montréal. Le travail d’Iregui, emploie les technologies comme vecteur d’un nouveau langage visuel. Il travaille avec les combinaisons infinies et aléatoires que peuvent produire les systèmes numériques une fois manipulés par le public.

Il est le fondateur d’Iregular, un studio centré sur le contenu interactif, fondé en 2010. Iregular est un studio d’art numérique basé à Montréal qui crée des installations audiovisuelles, des sculptures à grande échelle, des projections architecturales et des scénographies, en mettant l’accent sur les expériences interactives et immersives.
À la croisée de l’art et de la technologie, ces œuvres expérimentent la géométrie, la lumière, le son, la typographie, les mathématiques, les algorithmes, les protocoles de communication, l’IA et l’apprentissage automatique. Iregular développe également ses propres technologies propriétaires.
Le studio travaille avec les combinaisons infinies et aléatoires produites par des systèmes interactifs que le public finit par influencer et transformer. L’interaction est au cœur de tout. Seule la relation entre le public et l’installation finalise l’œuvre et lui donne un sens.
Iregular a un catalogue de plus de 50 œuvres d’art qui ont tourné dans près de 30 pays et a reçu une longue liste de prix et de récompenses pour le design, la technologie et la créativité de ses productions.

Roger Semsroth, alias Sleeparchive, compose de la musique électronique depuis plus de 20 ans, d’abord sous le nom Skanfrom, puis en tant que Sleeparchive à partir de 2004. Sa techno est précise, sans compromis, mais toujours tournée vers le dancefloor. Après de nombreuses sorties sur son label éponyme, Sleeparchive a depuis fait des excursions chez Tresor Records ou encore MORD Records.

Peu d’artistes actuels peuvent se vanter d’avoir un catalogue aussi riche et varié que celui de Randomer. Le londonien, en quelques années, s’est imposé dans le paysage de la techno moderne avec des sorties sur les labels Hemlock (dont le tube, Bring), Hessle Audio, Numbers, Clone, L.I.E.S ou encore Dekmantel. Derrière les platines, il saura secouer le Cabaret Aléatoire avec un subtil mélange de bass music anglaise et de techno.

Sculpteur, scientifique de l’art (MA Art et Science) et performeuse italienne, Michela Pelusio concentre son travail sur des installations immersives utilisant l’espace, la lumière, la matière et le son, produisant des expériences de présence dans un environnement magique et non enregistrable. Ses recherches portent sur l’exploration de la perception humaine et le croisement entre l’art, la science et la technologie. Michela a obtenu un master en art et science à l’Interfaculty of ArtScience (KABK, KONCON) de La Haye, où elle a également enseigné les cours Synesthetics et Genius Loci. Elle a étudié la sculpture à l’Académie des beaux-arts de Carrare, en Italie.

Robert Henke est un compositeur, artiste d’installation et développeur de logiciels, né en 1969 à Munich, en Allemagne. Il est principalement connu pour ses contributions à la musique électronique contemporaine et pour ses œuvres laser. Issu d’une solide formation d’ingénieur, Henke est fasciné par la beauté des objets techniques. Le développement de ses propres instruments et algorithmes fait partie intégrante de son processus créatif. Il utilise des règles mathématiques, des opérations aléatoires contrôlées et des boucles de rétroaction complexes pour construire les machines à l’origine de son art. Nombre de ses installations évoluent lentement et sur de longues périodes, et sont spécifiquement conçues ou adaptées à des lieux uniques et à leurs propriétés individuelles. L’œuvre musicale de Robert Henke est particulièrement axée sur le rythme, le timbre et la couleur, et il est reconnu comme un explorateur pionnier du son surround et de la synthèse de champs d’ondes.

Nostalgique de la techno des années 90, passionné par cette époque qui a vu naître une techno brute, épurée et incisive, Birth of Frequency vise, à travers la musique, l’expression de certaines pensées et de sentiments abstraits. Avant tout (et toujours) DJ, jouer en live est pour lui le meilleur moyen de concrétiser sa vision de la techno « de façon transitoire ». Il se remet en question jour après jour afin de délivrer des prestations et des productions toujours plus personnelles et réfléchies. Sa musique, simple et innocente est à l’image de son caractère. Polegroup, Construct Re-Form, Enemy ou encore Granulart Ltd, autant de labels de renom qui se sont ouverts à lui pour qu’il puisse s’exprimer et faire évoluer sa musique. Chaque disque est en étroite relation avec les autres. Ils véhiculent chacun une partie de l’histoire que Birth of Frequency veut raconter.

Le Belge Peter Van Hoesen est considéré comme l’un des pionniers de la techno, mais il n’a jamais été un artiste techno typique. Peter est quelqu’un qui sculpte les sons pour de nombreux environnements différents – le club, la maison, la galerie ou même le musée. Il le fait avec un véritable sens du détail. Par son propre label Time to Express, il publie des compositions texturées et il enregistre également sous le nom de Sendai aux côtés d’Yves De Mey, ce qui lui procure une grande notoriété.

En termes de performances, Peter propose des sets techno sombres et saisissants ainsi que des voyages musicaux captivants et narratifs en direct. Pour cette raison, il est réputé dans le monde entier pour sa grande qualité, sa grande créativité, sa grande cohésion, traduisant constamment sa sensibilité dans sa musique.

Fondée en 2010, la compagnie Anarchy Dance Theatre vise à construire un vocabulaire unique de la danse centrée sur le corps ; son processus créatif sert de focale d’observation des interactions humaines.  En intégrant des technologies de pointe, le chorégraphe ne cesse de questionner les potentialités et les limites de notre utilisation de ces technologies. 

Sur la base de l’observation minutieuse du corps physique en mouvement, l’artiste questionne nos rapports au temps, à l’espace, aux objets et à l’autre. Poursuivant les collaborations artistiques entre théâtre, corporalité, technologies et installation artistique, les productions de la compagnie sont régulièrement invitées dans les festivals de danse internationaux, et son travail a été nominé en 2016 par le magazine de danse allemand Tanz. La dernière création de la compagnie – The Eternal Straight Line (2019) – a été primée lors du 18e prix annuel des arts de la fondation Taishin.

Après une formation en production audiovisuelle, Javiera Tejerina-Risso a commencé à développer un travail qui fusionne la plasticité de la matière et le passage du temps. Ses recherches l’ont amenée à utiliser des matériaux issus de laboratoires de recherche scientifique, puis à cofabriquer des matériaux liés à la notion de flux. Elle achève sa première année de doctorat de recherche,  » Recherche et pratique de la création artistique  » à l’Université d’Aix-Marseille, sur la création d’œuvres immersives et sur les données scientifiques globales : comment représenter le monde à partir du rythme des océans.  » 378 Days Recording Water  » s’inscrit dans cette double démarche.

Diego Ortiz est un artiste franco-colombien né à Cali, en Colombie, en 1980. Son travail interroge la relation entre réalité et fiction, à travers la création de dispositifs interactifs et d’expériences audiovisuelles qui utilisent principalement la technologie mobile. Antoine Gonot est ingénieur en traitement du signal, il dirige actuellement le master « Musique pour l’image » du département SATIS et partage ses travaux de recherche entre le Laboratoire de Mécanique et d’Acoustique du CNRS et l’équipe ASTRAM de l’Université d’Aix-Marseille.

La musique de texture Droite est dense, elle fait voyager son public, avec des synthétiseurs poussés à leurs limites et des rythmes composés en partie de sons concrets. Ce mélange entre ambient et techno évoque les univers de Jon Hopkins et de Rival Consoles.

Le travail de Félicie d’Estienne d’Orves combine lumière, sculpture et technologie contemporaine. Ses recherches portent sur la vision, ses processus et son conditionnement. Ses installations immersives sont ancrées dans une approche phénoménologique de la réalité, en mettant l’accent sur la perception du temps comme un continuum. Depuis 2014, les recherches de l’artiste se concentrent sur l’espace en relation avec l’astrophysique et sur l’étude des cycles de lumière naturelle.

La démarche de Nicolas Clauss, en tant que plasticien, ne cesse d’interroger, à travers une sorte d’anthropologie visuelle et chorégraphique, la figure humaine et la réalité humaine en inventant d’autres manières d’explorer l’image en mouvement.

La musique de Fabien Fabre, également connue sous le nom de Texture Droite, est dense, elle fait voyager son public, avec des synthétiseurs poussés à leurs limites et des rythmes composés en partie de sons concrets.

Nicolas Clauss a raccroché ses pinceaux en 2000 pour se consacrer principalement à la vidéo et à la programmation. Ses installations et ses peintures d’un nouveau genre sont des œuvres génératives et débridées qui sont constamment « réécrites ». La démarche du vidéaste et plasticien, à travers une forme d’anthropologie visuelle et chorégraphique, ne cesse de poser des questions sur la forme et la réalité humaine en imaginant d’autres méthodes d’exploration de l’image en mouvement.

Le travail d’Olivier Ratsi pose la réalité objective, le temps, l’espace et la matière  comme autant de notions d’information intangibles. Se basant sur l’expérience de la réalité et de ses représentations ainsi que sur la perception de l’espace, il conçoit des œuvres qui amènent le spectateur à se questionner sur sa propre interprétation du réel. Durant le processus de création, Olivier Ratsi met en œuvre des dispositifs de déconstruction des repères spatio-temporels en s’appuyant sur la technique de l’anamorphose qu’il développe au cours de ses recherches. 

Opérant une cassure dans la réalité objective, ses créations ne se veulent pas tant un déclencheur d’émotions ou un moyen de perturber les sens qu’un catalyseur de points de vues, de références culturelles et psychologiques. Ainsi, le spectateur n’est nullement privé de sa capacité subjective de reconstruction/reconstitution de la réalité et est invité à prendre position afin de vivre l’œuvre en fonction de son propre ressenti.

Olivier Ratsi est connu comme l’un des co-fondateurs et ancien membre du collectif d’artistes AntiVJ. Travaillant maintenant comme artiste solo, il a présenté ses oeuvres lors d’expositions individuelles et collectives à travers le monde, notamment à la Galerie Denise René et Galerie Charlot à Paris, Atsuko Gallery à Tokyo, Puerta Roja à Hong Kong, Odalys à Madrid et Wood Street Galleries à Pittsburgh. Ses œuvres ont été exposées dans des musées tels que La Gaité Lyrique à Paris, Center for International Light Art à Unna, OCT Museum à Shanghai et K11 Art Village à Wuhan, D-Museum à Seoul et le National Taiwan Museum of Fine Arts à Taichung. Il présente régulièrement son travail dans de nombreux festivals et événements en France et à l’international, dont Elektra, Mutek et International Digital Arts Biennial à Montréal ; Biennale Némo, Mirage, Bains Numériques, L’Ososphère, en France, FIMA au Mexique, LEV en Espagne, Signal en République Tchèque, Sonica au Royaume-Uni et en Slovénie…

Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Cali (Colombie), Hernan Zambrano est un artiste-chercheur en arts et sciences de la lumière. Il explore des nouvelles formes de production d’un art éco-responsable et engagé dans la préservation de l’équilibre des systèmes naturels.

Romain Tardy est actif dans le champ de la création visuelle contemporaine depuis 2008. Son travail, conçu comme une série d’expériences poétiques utilisant la lumière, le video mapping, les objets et le son est présenté régulièrement dans de nombreux pays à travers le monde. La question de notre rapport à la technologie, ainsi que ses conséquences sur notre société sont au cœur de sa pratique. Pour autant, Romain Tardy réfute la qualification « d’art numérique » : son but premier est de créer des œuvres tangibles et des expériences physiques hors-ligne dans lesquelles l’écran n’est jamais la limite.

Compositeur, artiste sonore, Clément Édouard se concentre sur la nature du son, son champ vibratoire et sa perception, son rapport avec les lieux et les matériaux naturels, pour proposer des écoutes tout à la fois imaginaires, physiques, internes… Il cultive une relation particulière à la voix et au subtil, et fouille notamment les notions de légèreté et d’intensité, de présence / absence et d’échos naturels / composés. Sa démarche prend la forme d’une exploration au gré de laquelle il aime à cerner des zones d’ombre, désigner des mystères et en proposer une cartographie.

Né en 1983 à Avignon ; vit et travaille à Paris. Dimitri Mallet situe ses recherches entre les limites des divers aspects physiques de la cognition et celles de la construction sociale. Faisant souvent référence au minimalisme et au patrimoine conceptuel, il initie un dialogue mental continu avec son spectateur, où l’artiste est celui qui met en lumière les paradoxes, inverse la syntaxe de la perception commune et de la connaissance de soi comme partie du global. 

Son travail a notamment été exposé au MAC VAL, à l’Institut d’Art Contemporain de Villeurbanne avec l’ADIAF, l’Espace d’art contemporain La Galerie du Théâtre de Privas en résonance avec la Biennale d’art contemporain de Lyon, à l’Atelier Calder, à ArtCologne… Dimitri Mallet collabore régulièrement avec l’atelier Arcay à Paris. En 2020, il participe à la biennale européenne Manifesta 13 – Les Parallèles du Sud, à Marseille et Nice. 

En Avril 2022, il inaugure avec l’architecte Sergio Carvalho, un projet dans la réserve naturelle d’Ellergronn au Luxembourg dans le cadre d’Esch 2022 Capitale Européenne de la Culture.

La Pulpe est une sororité de recherche et de création sonore porté par Aurélia Nardini, Crys Aslanian, Ludmila Postel et Lola Dubus. Elle se concentre sur une approche modulaire du travail collectif mélangeant l’improvisation et la composition musicale avec des systèmes ludiques tels que le actual play et les mondes virtuels. Créant des espaces de travail entre recherches, média et performance, La Pulpe transpose des approches de l’écoute semblables à celles des Sonic Meditations de Pauline Oliveros au cœur de cet espace technique et sensible que Roy Ascott nomme l’Étreinte Télématique.

Artiste transdisciplinaire, Michaël Cros met en jeu des corps en associant les arts de la marionnette, la danse contemporaine et les arts numériques. En 2003, il fonde la Méta-Carpe à Marseille, structure composée de vidéastes, scénographes, danseurs contemporains, plasticiens. Artiste associé à CHRONIQUES (arts et cultures numériques), il poursuit son exploration des arts chorégraphiques et numériques tout en affirmant la dimension art-science de ses créations en y associant des chercheurs en sciences humaines, anthropologues, ethnologues, philosophes…

La compagnie Fheel Concepts a été créée par Corinne Linder, artiste de cirque et directrice artistique, en octobre 2016. Les oeuvres de la Cie Fheel Concepts explorent les frontières entre le réel et l’imaginaire. Celles-ci inventent des histoires oniriques par la combinaison des différents langages artistiques. La compagnie développe une forme de théâtre-cirque pluridisciplinaire à la recherche de nouveaux espaces de représentation et de nouvelles relations acteur-spectateur.

Il grandit dans un petit village du Jura. Le reste est passé très vite. Depuis quelques années, avec ses complices, il met en oeuvre, par un processus de création ininterrompu, un programme consistant à désamorcer le temps, nommé : Tentatives d’approches d’un point de suspension. Sa vie est vouée à l’art vivant. Depuis 2016, il co-dirige le CCN2 – Centre chorégraphique national de Grenoble avec Rachid Ouramdane.

Après un bac en philosophie et en histoire de l’art, ainsi qu’une maîtrise en culture et communications en France, c’est en 2015 que Camille entre en contact avec le milieu de l’art numérique en s’impliquant auprès du Fresnoy (Tourcoing, FR) et d’ELEKTRA. En 2016, elle intègre perte de signal en tant que responsable de l’accueil, de la communauté et de la médiation. Elle est également en charge de KidZlab et des activités avec les jeunes publics mis en place par le centre d’artistes. Elle aborde la médiation du numérique par une approche intuitive et artistique qui implique les publics de manière concrète.

Litote est un collectif de recherche en innovation organisationnelle. Constitué de Marie et Pierre Chaumont, ils ont joint leurs expertises en 2020 pour approfondir leurs questionnements sur l’expérience du spectateur en lien avec les techniques de présentations. Marie Chaumont est la fondatrice de SpeakArt, un moteur de recherche se spécialisant en résidences artistiques gratuites ou subventionnées, et aussi directrice de SpeakAIR, une résidence numérique subventionnée axée sur le processus créatif. Pierre Chaumont est un artiste conceptuel récipiendaire de plusieurs prix nationaux et internationaux qui a présenté son travail au sein de biennales et festivals d’art numérique à travers le monde.

À travers sa pratique, Charline Dally propose des espaces de réflexion sur la perception du réel – en particulier la redéfinition des frontières entre les corps et les paysages. À l’aide des qualités propres aux médiums de la vidéo, elle vise à adoucir les limites du regard pour le faire évoluer au-delà de la surface qui le porte. Son travail a été présenté au MOCA (Toronto), festival MUTEK, Place des Arts (Montréal), Noviembre Electrónico (Buenos Aires), Les Abattoirs – Frac Occitanie (Toulouse).

Chloé Jarry est la co-fondatrice de la société de production immersive et interactive Lucid Realities. Auparavant, elle a été productrice nouveaux médias chez Camera Lucida, où elle a travaillé sur de grands projets interactifs pendant plus de 8 ans. Jarry est le producteur exécutif de The Enemy, un projet de réalité virtuelle et augmentée réalisé par Karim Ben Khelifa, qui a été présenté en première à l’Institut du monde arabe à Paris, en mai 2017, et au MIT Museum de Cambridge (Ms) pendant trois mois à l’automne 2017. Elle est également la productrice exécutive de Replay Memories, un projet de web-VR de Gordon et Andres Jarach. Lucid Realities a récemment lancé plusieurs nouveaux projets de RV, comme 1, 2, 3 Bruegel, Condamned to play ou Claude Monet – The Waterlily obsession, présenté au Musée de l’Orangerie et dans plus de 10 musées différents à travers le monde. Lucid Realities est également le producteur délégué d’Endodrome, une œuvre de RV de l’artiste français Dominique Gonzalez-Foerster, présentée à la Biennale d’art de Venise 2019 et parrainée par Vive Arts.

Danieo Chen est producteur chez Redbit Pictures, une société de création cinématographique fondée en 2011 à Taipei qui produit des courts et longs métrages créatifs ainsi que des projets de RV. Il appartient à une génération de nouveaux réalisateurs et producteurs taïwanais émergents, qui espèrent créer des films différents grâce à leur vision unique du monde.

Yi Jung CHEN est une créatrice de films et d’arts visuels. En 2012, elle devient réalisatrice indépendante et se concentre sur la création de drames. En 2015, elle fonde le Hana Studio de Création Audiovisuelle Indépendant à Taiwan qui se consacre aux documentaires, films expérimentaux, commerciaux et dramatiques, en utilisant des techniques de pointe. En 2019, pour la télévision publique de Taiwan, elle produit un documentaire expérimental intitulé Outside the Path et commence à utiliser la technique VR 360 pour le tournage de films documentaires sportifs expérimentaux. Elle aimerait que Dora soit son premier court-métrage de fiction VR. Danieo CHEN est producteur chez Redbit Pictures, une société de création cinématographique fondée en 2011 à Taipei qui produit des courts et longs métrages créatifs ainsi que des projets de RV. Il appartient à une génération de nouveaux réalisateurs et producteurs taïwanais émergents, qui espèrent créer des films différents grâce à leur vision unique du monde.

Hébergeant le projet VR FILM LAB à la Kaohsiung Film Archive, la productrice Grace Lee travaille dans le domaine de la radio depuis 2018. Elle a notamment coproduit du contenu de RV à l’échelle internationale, programmé la section RX du festival du film de Kaohsiung et entretenu des relations avec des festivals de cinéma internationaux tels que Venise, Tribeca, Newimages et de nombreuses institutions liées à la RX.

Commissaire et directeur artistique dans les domaines de l’art numérique, de la musique électronique et de l’art sonore, Alain Thibault est le fondateur de deux événements majeurs à Montréal, ELEKTRA et la Biennale internationale d’art numérique. Également compositeur de musique électronique, son travail a été diffusé au Québec (Canada) et à l’échelle internationale.

Formée en administration et économie de la culture à Paris et Buenos Aires, Ludivine Pangaud a tout d’abord travaillé en tant que chargée de production des tournées d’expositions de la Philharmonie de Paris, puis pour la Fondation Cartier pour l’art contemporain en tant que Responsable administrative et financière avant de rejoindre les équipes du Centquatre-Paris pour assurer la production et l’administration de la Biennale des Arts Numériques Némo. Elle intervient par ailleurs à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne au sein du Master Economie de la Culture et Numérique. 

Attiré de longue date par la création artistique et animé par l’envie de la partager, Samuel Arnoux s’engage très tôt pour favoriser la rencontre entre artistes et publics. Après avoir contribué à la genèse du Pont Supérieur (organisme de formation supérieure pour les artistes en Bretagne et en Pays de la Loire), il poursuit son parcours professionnel dans le réseau des Scènes de Musiques Actuelles (SMAC) où il contribue au développement de l’association MAPL sur le pays de Lorient avant de prendre la direction de la Cordonnerie à Romans-sur-Isère. En 2020, Samuel Arnoux rejoint l’équipe d’Electroni[k], organisatrice du festival Maintenant sur le bassin rennais avec l’envie de prolonger et de renforcer le travail engagé en faveur de la création contemporaine au croisement des arts, musiques et technologies.

En tant qu’ancien danseur et producteur de documentaires, Rémi Large a toujours essayé de comprendre le langage spécifique de chaque art avant de s’engager dans l’immersion. Il fonde en 2017 Tamanoir Immersive Studio, basé au CentQuatre (Paris, France), qui crée des expériences combinant les arts vivants et les nouvelles technologies pour des institutions culturelles comme l’Opéra national de Paris, le CentQuatre-Paris, France TV…

Auteur-réalisateur au sein de l’association Tabasco Vidéo qui développe des projets vidéos participatifs, Nicolas Dupont s’est spécialisé dans les narrations interactives. Il a co-réalisé plusieurs webdocumentaires et projets interactifs, et engagé l’association vers de nouvelles formes de médias et d’écriture autour de la mise en récit des territoires en initiant des projets innovants, comme le journal multimédia “Fatche 2 !” ou le logiciel de création interactive “FRIGG”.

Comme comédienne, Clara Chabalier travaille notamment avec Ivana Müller, Dieudonné Niangouna, Roméo Castellucci, Jean-François Peyret, Laurent Chétouane, César Vayssié… Avec la compagnie Pétrole, elle crée des projets transdisciplinaires mêlant théâtre, arts visuels et musique autour d’auteurs tels que P.P. Pasolini, E. Jelinek, ou de textes mythiques comme l’Alexandra de Lycophron ou le Kalila wa Dimna. Elle mène une recherche sur la relation entre spectacle vivant et nouvelles technologies.

Ela Orleans est une compositrice basée à Glasgow. Son travail fusionne d’élégantes lamentations noirâtres, des narrations fracturées luxuriantes et atmosphériques avec des influences allant de l’Atelier radiophonique de la BBC à la série Éthiopiques et aux musiques de films de Bernard Herrmann. Depuis ses débuts en solo chez Low Sun/High Moon en 2008, Orléans a reçu les éloges de la critique internationale pour son catalogue d’œuvres en pleine expansion. Elle a effectué des tournées au Royaume-Uni, en Europe, aux États-Unis et au Canada, présentant des œuvres au MoMA PS1, New York ; au MoCA, Massachusetts ; à la Biennale de Venise et au TATE Britain. Elle a travaillé sur plusieurs albums, des bandes sonores de films ainsi que des œuvres de théâtre et d’opéra.

Cathie Boyd travaille dans le domaine des arts depuis plus de 30 ans. Elle a passé 20 ans comme metteuse en scène d’opéras, de spectacles musicaux et de films et a travaillé dans plus de 25 pays, notamment à Peak Performances, Montclair, aux États-Unis, au Singapore Arts Festival, au Latvian National Opera, au Muziekgebouw, à Amsterdam et au South Bank Centre, à Londres. Elle a créé Cryptic en 1994 pour créer des spectacles innovants qui « ravissent les sens » et a réussi à transformer la compagnie en une maison de production artistique, représentant une nouvelle génération de talents écossais et internationaux. Elle a créé le festival Sonica Glasgow en 2012 autour des arts sonores pour les malvoyants.

Directeur artistique de l’Anarchy Dance Theatre. Les œuvres de Hsieh sont marquées par sa formation en architecture, et possèdent de fortes caractéristiques structurelles – une perspective créative combinant le temps, l’espace et l’énergie. Parmi les œuvres chorégraphiques notables, on peut citer The Eternal Straight Line (2019), Second Body (2015) et Seventh Sense (2011), qui comportent toutes une forte interactivité. En plus d’être très bien accueillies par le public, ses œuvres ont également été présentées dans de nombreux festivals internationaux de premier plan, notamment Ars Electronica, TodaysArt Festival et George Town Festival. La série d’installations de danse You Choreograph and Exercise, réalisée en collaboration avec ses collègues chorégraphes I-Fen Tung et Ko-Yang Chang, repousse encore les limites de l’expression en danse au-delà de la « performance » conventionnelle.

Diego Ortiz est un artiste Franco-Colombien né à Cali en Colombie en 1980. Il vit et travaille à Marseille. Son travail interroge les rapports entre réalité et fiction par la création de dispositifs interactifs et de projets qui proposent des contextes relationnels singuliers.

Depuis 2012, Holly Herndon s’affirme comme grande prêtresse de l’Avant-garde et de la pop électronique, préparant parallèlement son doctorat de recherche sur le machine learning et la musique à l’université de Stanford.

Son album Platform (2015) pointait les dérives et les implications personnelles tout comme politiques de réseaux sociaux dominants. Proto constitue quant à lui une véritable exploration des opportunités et des limites de l’intelligence artificielle.

Avec un parcours en direction artistique, Juliette a un goût pour les esthétiques simples et épurées.
Depuis 2009, elle met ses compétences au service de la scène culturelle numérique, créant liens et opportunités entre les artistes, les festivals et les différents acteurs du monde artistique.

Comme productrice indépendante auprès des artistes, elle participe à un large spectre de projets: festivals d’arts numériques internationaux, installations, commandes pour des évènements privés, …
Elle a représenté de nombreux artistes internationaux à la diffusion de leurs projets existants ou de nouvelles installations.
Elle dirige aujourd’hui le Studio Joanie Lemercier.

Depuis 2016, elle travaille comme commissaire associée à différents festivals et institutions, depuis 2019 elle est commissaire internationale invitée du festival STRP à Eindhoven.
En 2020 elle développe un nouveau parcours lumière pour la ville de Louvain en Belgique.

Basée en Belgique depuis 2013, elle est active au sein de la scène arts numériques de la Fédération Wallonie-Bruxelles.
En 2019, elle co-fonde SALOON Brussels, un réseau international de femmes du monde de l’art.

Formé à l’École supérieure d’art de Tarbes puis à l’École de cinéma d’animation d’Angoulême, les travaux de Boris Labbé (1987, FR) ont rapidement fait le tour du monde, que ce soit dans des expositions d’art contemporain, des festivals de cinéma internationaux, ou lors de concerts audiovisuels. Son dernier court-métrage La Chute était en sélection de la séance spéciale à la Semaine de la Critique du festival de Cannes 2018. En 2020 il collabore avec le chorégraphe Angelin Preljocaj et signe la scénographie vidéo du spectacle Le Lac des Cygnes. En 2023 il crée avec le compositeur Lucas Fagin le concert immersif Glass House, produit par l’Ensemble Cairn. Il est actuellement en production du projet de réalité virtuelle Ito Meikyū, installation immersive produite par Sacrebleu Productions.

KompleX KapharnaüM explore la ville pour réaliser des créations dans l’espace public. Nous collectons des matières documentaires (son, vidéo, archives, témoignages…) que nous mettons en jeu lors de restitutions spectaculaires. En France ou à l’étranger, chaque projet s’adapte au contexte dans lequel il est présenté ou créé.

L’équipe se compose selon les projets de 10 à 50 professionnels aux compétences artistiques et techniques multiples. Chacun travaille à la conception d’outils spécifiques à notre langage. Les créations sont fixes ou déambulatoires, intimistes ou monumentales, des spectacles ou des installations. Elles s’ancrent dans l’urbain et explorent des problématiques contemporaines en lien avec une communauté, un espace social. À la manière du journalisme d’investigation, elles s’appuient sur des temps d’immersions.

Depuis 1996, KompleX KapharnaüM a joué dans plus de 50 villes et 15 pays différents. KompleX KapharnaüM est une équipe conventionnée, soutenue par le Ministère de la Culture et de la Communication Drac Auvergne Rhône-Alpes, la Région Auvergne Rhône-Alpes et la ville de Villeurbanne.

Quayola se sert de la technologie comme d’un prisme à travers lequel explorer les tensions et les équilibres entre des forces apparemment opposées : réelles et artificielles, figuratives et abstraites, anciennes et nouvelles.

En concevant des installations immersives, souvent sur des sites architecturaux historiquement importants, il traite l’imagerie canonique en la réimaginant par le biais des technologies contemporaines. La sculpture hellénistique, la peinture des grands maîtres et l’architecture baroque sont quelques-unes des esthétiques historiques qui servent de point de départ aux compositions abstraites de l’artiste. Sa pratique variée, issue de logiciels informatiques personnalisés, comprend également des performances audiovisuelles, de la vidéo, de la sculpture et des œuvres sur papier.

Ses œuvres ont été exposées au V&A Museum de Londres, au Park Avenue Armory de New York, au Bozar de Bruxelles, au National Art Center de Tokyo, à l’UCCA de Pékin, au How Art Museum de Shanghai, au SeMA de Séoul, à la Biennale de São Paulo, à la Triennale de Milan et au Palais de Tokyo à Paris, au Museu Nacional d’Art de Catalunya à Barcelone, au British Film Institute de Londres, à la Cité de la Musique à Paris, au Grand Théâtre de Bordeaux, à Ars Electronica, Linz ; à l’Elektra Festival de Montréal, au Sonar Festival de Barcelone et au Sundance Film Festival.

Collaborant fréquemment sur des projets musicaux, Quayola a travaillé avec des compositeurs, des orchestres et des musiciens, notamment le London Contemporary Orchestra, l’Orchestre national de Bordeaux, l’Ensemble intercontemporain, Vanessa Wagner, Jamie XX, Mira Calix, Plaid et Tale Of Us. En 2013, Quayola a reçu le Nica d’or à Ars Electronica.

Hexalab est un pôle de création basé dans la fondation Vasarely et à l’écoute de vos projets. Notamment spécialisé dans les technologies multitouches, les dispositifs immersifs et le vidéo mapping. 

Nohlab est un studio international de création interdisciplinaires autour de l’art, du design et de la technologie. Basé en Turquie, il regroupe des compétences du monde entier associé en fonction de ses projets. 

Ses créations ont été présentés dans de nombreux festivals et événements internationaux tels que ISEA, Signal, OFFF, TedX, Vivid, Sonar Istanbul, World Government Summit, et ont reçu des prix de Culturespaces, ARS Electronica et Japan Media Arts Festival. Le studio a également travaillé avec de nombreuses marques et organisations dont Chanel, Pink Floyd, Target, Audi, Nike, Scriabin Museum, Atelier des Lumières et EA Theate.

Une des spécificités des créations de Nohlab, outre le rapport entre art, technologie et design au travers d’expériences sensorielles toujours plus spectaculaires, est la tentative de rapprocher la vie organique du monde virtuel. 

Chacune de leurs créations est pensée comme un nouveau défi, alliants exigence et défi technologique, tout en gardant une grande simplicité d’accès, et une volonté d’ouverture vers tous les publics. 

Formée à l’enseignement de l’école Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, de la Central Saint Martins College de Londres, puis de la Tokyo National University of fine arts à Tokyo, Elise Morin est née en 1978. Elle vit et travaille à Paris.

Elle développe une pratique interdisciplinaire ancrée dans la pensée écologique qui interroge notre relation au visible et aux modes de coexistence. Les dispositifs de conception et de production génèrent des collaborations avec des scientifiques, des communautés locales, des ingénieurs, des musiciens, des philosophes. Le choix de lieux et de milieux spécifiques sont des composantes intrinsèques de son travail. Ils permettent d’engager une réflexion sur la relation qu’entretient la création au bien commun, sur le rôle de l’esthétique dans la compréhension d’autres perceptions d’un monde terrestre abîmé.

Son engagement dans la création a été récompensé par l’attribution du prix Solomon R. Guggenheim |USA| the Best of Lab art and sustainability 2012. Elise Morin a notamment exposée en France au Centquatre, au Jeu de Paume, au Grand Palais, au Musée d’art contemporain de la ville de Bucharest, de Moscou et de la ville Tokyo.

Juste après avoir obtenu son diplôme en 2009 à l’ENSCI de Paris, Goliath Dyèvre crée son studio de design. Son travail questionne le rapport que l’homme entretient avec les objets tant au niveau de la matérialité qu’au niveau de la pensée. Il interroge entre autre ce lien à travers la perception de la fonction en travaillant sur la notion d’objet ouvert. Comme un jeu qui s’instaure entre l’objet et l’homme, comme si l’usage pouvait définir la fonction. Il revient aux bases du design avec notamment une réflexion sur la préhension des choses ou le mythe du Cyclostyle, réflexion historique et narrative sur l’origine de la confusion entre design et décoration. 

Après avoir commencé en 2014 la recherche Le Silence des objets, il commence à travailler avec l’artiste Grégory Chatonsky. 

Son travail a été exposé en France et à l’étranger, au Vitra Design Museum et au Power Station of Art à Shanghai, par exemple. Les objets qu’il conçoit sont produits par Cinna, Petite Friture ou encore Tectona. Il collabore régulièrement avec des grandes entreprises comme Hermès, EDF R&D et l’École syndicale de la Haute Couture sur des projets spécifiques.

En outre que son travail d’artiste, Goliath a enseigné à l’école des Beaux-arts de Lyon et dirige depuis 2018 à L’ENSCI-Les Ateliers un atelier de design expérimental intitulé “Design en dystopie”. Il est régulièrement jury à l’école Boulle, l’ENSCI-Les Ateliers ou encore l’école des Beaux- arts de St-Etienne.

Après des études de philosophie à la Sorbonne et de multimédia aux Beaux-Arts de Paris, Grégory Chatonsky s’engage, depuis le milieu des années 90, dans un travail sur le Web, qui inclut la création de Incident.net, la première plateforme de Netart en France. Il questionne alors les nouvelles identités et narrations qui affleurent sur le réseau. La relation entre les réalités physique et virtuelle est un thème qui marquera tout son travail artistique primé et ses nombreuses publications, d’une réflexion sur les pratiques du réseau jusqu’au s’interroger sur la résurrection à l’ère de l’intelligence artificielle.

Pendant une période en résidence en Europe et à l’étranger, il commence une longue série sur la dislocation, l’esthétique les ruines et l’extinction comme phénomène artificiel et naturel. Il rencontre en 2014 Goliath Dyèvre, rencontre qui donnera lieu à un travail sur la réalité augmentée considérée comme une vacuité ontologique.

Après 10 ans à Montréal et des résidences en Nouvelle Zélande, Émirats Arabes, en Amazonie, Grégory revient en France en 2018 comme artiste-chercheur associé à l’ENS et continue son travail de recherche, imaginant un monde rêvé par les machines, notamment dans « Je ressemblerai à ce que vous avez été » (2019) aux Tanneries et dans « Terre Seconde » (2019) au Palais de Tokyo, qui présente un monde crée par les machines après l’extinction de l’espèce humaine.

Depuis 2017, l’artiste dirige aussi un séminaire de recherche sur l’imagination artificielle et l’esthétique postdigitale à l’Ecole Normale Supérieure.

Éliane Radigue compose de la musique électronique depuis les années 1960. Elle est considérée comme une des pionnières majeures de ce genre musical, ainsi que de la musique minimale. Sa musique est un lent flux de sonorités denses subissant d’imperceptibles mutations. Une architecture intemporelle faite de vibrations graves, qui s’adresse moins à l’intellect ou aux tympans, qu’au corps tout entier.

À la fin des années cinquante, elle étudie à Paris les pratiques de la musique concrète avec Pierre Schaeffer et Pierre Henry, dont elle sera aussi l’assistante, notamment pour la réalisation de «L’Apocalypse de Jean ». Durant les années soixante elle commence à composer avec des moyens électroniques primitifs (larsens et bandes magnétiques bouclées asynchrones), mais ne trouvera que peu de reconnaissance pour ses recherches en France. C’est à New York qu’elle trouvera compréhension et émulation, au début des années soixante-dix, en explorant les voies du minimalisme naissant aux côtés de James Tenney, Charlemagne Palestine, Philip Glass, Jon Gibson et Steve Reich.

Elle a depuis composé sur les meilleurs synthétiseurs qui aient existé : Buchla, Moog, système modulaire Serge, puis Arp qui sera son instrument fétiche. Elle collabore dans les années soixante-dix avec Robert Ashley, qui lui prêtera sa voix pour les chants de Milarepa. Elle a composé jusqu’à maintenant une vingtaine d’œuvres. Depuis 2006, elle se consacre à la composition pour instruments acoustiques seuls, dont naldjorlak I, II, III, est l’aboutissement majeur.

Nicolas André, architecte DPLG et enseignant à l’ENSAPB, travaille en indépendant depuis 2005, associé au collectif 108ter architectes depuis 2015. Sa structure s’enrichit de collaborations diverses dans les domaines du design, de la scénographie et des arts plastiques.
La réalisation de projets qui vont du mobilier au petit édifice a nourri une solide expérience du détail constructif qui est abordé dans un triple souci d’optimisation, d’économie et de créativité.

Emilie Faïf est scénographe plasticienne. Née en 1976, elle est diplômée des Arts Appliqués et des Arts Décoratifs de Paris. Elle expérimente l’espace dans des domaines d’intervention divers mêlant le dynamisme des villes à celui de la mode, du textile et de l’Art. Ses collaborations avec des créateurs issus du monde de la mode – Isabel Marant, Tsumori Chisato, Hermès, Kenzo, Manuel Canovas –, du design ou du théâtre, enrichissent son activité artistique aux multiples facettes.

Joanie Lemercier (1982) est un artiste visuel et activiste environnemental dont le travail explore la perception visuelle à travers la manipulation de la lumière dans l’espace. Travaillant principalement avec la projection de lumière et la programmation informatique, il transforme l’apparence des objets et des formes.Ces dernières années, sa pratique personnelle et professionnelle intègre de plus en plus les questions climatiques et environnementales. Il met ses compétences aux services de groupes militants tels que Extinction Rebellion. Il développe également un nouveau corpus artistique autour de ces questions. Slow Violence ou bien View from the Moon sont des projets artistiques récents qui donnent à voir les effets dévastateurs de l’homme sur son environnement naturel.

Joanie travaille avec la lumière depuis 2006 et a co-fondé le label visuel AntiVJ en 2008. Représenté par une galerie basée à New York depuis 2010, Joanie a fondé son studio de création à Bruxelles en 2013.
Il concentre sa pratique sur les installations et le travail en galerie et a été notamment exposé au China Museum of Digital Art à Pékin, à Art Basel Miami, au Sundance Film Festival, à l’Espacio Fundación Telefónica à Madrid et a collaboré avec plusieurs artistes sonores : Murcof, Flying Lotus et Jay Z.

Fondée en 2010, la compagnie Anarchy Dance Theatre vise à construire un vocabulaire unique de la danse centrée sur le corps ; son processus créatif sert de focale d’observation des interactions humaines. En intégrant des technologies de pointe, le chorégraphe ne cesse de questionner les potentialités et les limites de notre utilisation de ces technologies. Sur la base de l’observation minutieuse du corps physique en mouvement, l’artiste questionne nos rapports au temps, à l’espace, aux objets et à l’autre.

Poursuivant les collaborations artistiques entre théâtre, corporalité, technologies et installation artistique, les productions de la compagnie sont régulièrement invitées dans les festivals de danse internationaux, et son travail a été nominé en 2016 par le magazine de danse allemand Tanz. La dernière création de la compagnie – The Eternal Straight Line (2019) – a été primée lors du 18e prix annuel des arts de la fondation Taishin.

Paul Gong (né en 1988 à Lincoln, Nebraska, USA) est designer, artiste et curateur autour de pratiques d’anticipation. Il est actuellement professeur assistant spécialiste du département de design industriel de l’université Shih Chien à Taipei.

Il est diplômé en design industriel de l’université Chang Gung (Taipei), et d’une maîtrise en Interactions & design du Royal College of Art (Londres). En 2018, il a été récompensé du prix Next Art Tainan Awards. Il envisage le design comme une méthode de recherche et un outil de pensée pour explorer différentes potentialités, porter un regard critique sur le passé et le présent et s’interroger sur le futur. Le design stimule le débat, l’imagination et la réflexion. Il lui offre également la possibilité d’explorer les esthétiques de la représentation pour de possibles futures. Par ses installations, textes et visuels, objets conceptuels, performances et expositions, il cherche à créer des sortes de scenarii pour l’homme.

Son travail a été présenté au MAS (Anvers), Museum für Kunst und Gewerbe (Hambourg), Taiwan Design Museum, Yiri Arts, Taipei Digital Art Center, et Taiwan Contemporary Culture Lab (Taipei), USC 5D Institute (Los Angeles), Future Gallery (Palo Alto), Asian Culture Center de Gwangju, Londres et Canton.

Su Hui-Yu obtient une maîtrise en art en 2003 à la Taipei National University of the Arts et évolue depuis dans la scène contemporaine. L’artiste se fascine pour la fresque complexe qui se trame entre images, médias, histoire et vie quotidienne. Dans ses vidéos, il explore tout à la fois l’impact des médias de masse sur les spectateurs ainsi que les projections des réflexions et désirs de ces spectateurs sur les médias eux-mêmes. Il s’est récemment penché sur des livres anciens, qu’il relit, revisite et dont il s’approprie les textes, dans une perspective renouvelée de la physicalité, de l’existence et de l’histoire. Ses oeuvres ont été présentées à de multiples occasions à Taïwan et à l’international.

Kuang-Yi Ku est né et a grandi à Taipei (Taiwan), il est installé aux Pays Bas depuis 2016. Il a mené de front trois maîtrises en design social à la Design Academy d’Eindhoven, en médecine dentaire à la National Yang-Ming University et en communication et design à la Shih Chien University.

Après un début de carrière comme dentiste, Kuang-Yi Ku a choisi de se consacrer une recherche en bio-art et en design social. Il a fondé TW BioArt (communauté en bio-art) afin de stimuler les approches en bio-art et les liens Science + Art à Taiwan. Son travail interroge régulièrement le corps humain, la sexualité, les interactions entre espèces et la technologie médicale. Ses recherches le poussent à creuser les relations entre technologie, individus et environnement.

Son œuvre “Tiger Penis Project” a été primée en 2018 comme Gijs Bakker Award, prix annuel du meilleur projet de maîtrise de la Design Academy d’Eindhoven. Il a également reçu le premier prix de la Taipei Digital Art Awards en 2015 avec “The Fellation Modification Project”, où sont mêlées modifications corporelles, études du genre, théorie queer et médecine dentaire.

Barthélemy Antoine-Lœff est un plasticien français dont les créations d’œuvres d’art optique et numériques, parfois interactives, souvent immersives, expriment des univers oniriques traversés par une relation contemplative et écologique de la nature et des éléments. L’artiste réalise des espaces de partage de son ressenti face aux « forces » du monde : onirisme, énergies, matières, technologies. Se refusant à se placer dans le champ du sublime kantien, il se positionne à l’endroit de l’émerveillement et l’engouement enfantin, comme pour revendiquer la part du rêve que nous développons enfant. En 2016, son installation « ljós » est nominée pour le Prix Cube de la Jeune Création International en Art Numérique. En 2017, il présente sa première monographie sous le titre d’«inlandsis» (calotte polaire) au Centre Culturel de la Ville de Gentilly. Barthélemy Antoine-Loeff vit et travaille à Paris. Ses travaux sont exposés et présentés dans de multiples festivals et lieux en France et à l’étranger.

Comme artiste en nouveaux médias, TSAI Yi-Ting expérimente des états de vie en constant mouvement au travers de moyens mécaniques. Elle y exprime en toute rationalité les processus du travail et d’aliénation de l’existence humaine. Récompensée du Prix de la meilleure œuvre multimédia de l’Université NTUA et du 1er prix de la 14ème édition du prix artistique de Taoyuan, l’artiste a également été invitée au NEU NOW (Amsterdam).

Par cette approche fraîche et poétique, l’abstraction de la précision absolue du mouvement mécanique devient philosophie vivante. Comme toute expérience de physique, l’artiste cherche à poser les hypothèses d’une logique non-linéaire toute personnelle. Qui plus est, plongée dans la macro- et micro-contemplation de l’homme dans son espace-temps, l’artiste explore l’intangible présence de la lumière et de son ombre. Elle exploite les éléments mécaniques comme son médium créatif mais également comme sonde du sens de la vie. Par ses créations, l’artiste insuffle une énergie vitale aux machines dans la dynamique qui naît du mariage de pièces minutieusement réunies et de mouvements mécaniques répétitifs.

Legacy Lab International est un collectif artistique fondé en 2013, au sein duquel collaborent des artistes pluridisciplinaires, des designers, des ingénieurs et des scientifiques. Y sont menées des recherches autour de phénomènes sociaux ou naturels où se mêlent nouvelles technologies et médias traditionnels, à la frontière entre art contemporain et science. Les œuvres qui s’y créent, s’inscrivent tout autant dans les arts visuels, l’installation et la performance.

Au sein du collectif, toute composition est à la fois le manifeste d’une philosophie et d’une méthodologie en arrière-plan. Chaque processus créatif implique une suite de recherches et d’expérimentations afin de mettre à jour et d’en souligner les principes. Et les œuvres invitent le spectateur à réexaminer nos propres modes de vie et nos relations à notre environnement.

Le travail de Wan-Jen Chen est marqué par son approche du corps symbolisé, lisse et décontextualisé évoluant au sein d’un environnement numérique. En re-présentant et s’appropriant des images existantes au travers d’un prisme volontairement artificiel, l’artiste cherche à “couper” et “coller” la réalité afin de recréer au sein d’une boucle, un univers en extension infinie.

Il cherche avant tout ces fragments de vie du quotidien, matières premières à une recomposition personnelle. Les corps et les expériences des autres se mettent à la disposition de l’artiste et évoluent entre des images animées mécaniques et sans affect, à cheval entre réalité et monde imaginaire. Au cœur des œuvres de l’artiste, tout se déroule en une boucle fermée telle une métaphore de nos mécaniques sociales, où les actions ritualisées sous diverses formes ondoient dans un vide collectif.

À ce jour, le travail de l’artiste a été présenté à l’occasion de cinq expositions personnelles : The Unconscious Voyage (2008), The Extraordinary Ordinary (2011), To Hell with Your Future (2011), The Still Point of the Turning World (2017) et Midnight Black (2019) .

Né à Taichung, Taiwan en 1986, CHUANG Chih-Wei est diplômé en architecture (Université nationale Chiao Tung) et en art et nouveaux médias (Université nationale des arts de Taipei). Cette double formation permet à l’artiste de créer des installations interactives, incluant la lumière et l’espace, qui questionnent les relations de l’homme à son environnement. Son travail se caractérise principalement par des pratiques interdisciplinaires, mêlant esthétique, rationalité et sensibilité.

CHUANG Chih-Wei a été artiste en résidence en 2014 au Tokyo Wonder et au Théâtre national de Taichung en 2019-2020. Il a également été sélectionné en 2016 pour participer au programme ‘Made in Taiwan- Young Artist Discovery » du Ministère de la Culture de Taiwan. Primé aux Taipei Arts Award en 2015, son travail a été présenté au Digital Art Festival Taipei ; il a également exposé ses oeuvres à la Biennale de PyeongChang, à la East-Asian Contemporary Art Exhibition “Botanica” (Busan), à Taiwan Biennial (Taichung) et dans les Nuits de Roppongi Art (Tokyo). Il intervient actuellement au département Nouveaux médias de l’Université nationale des arts de Taipei.

Sabrina Calvo est une créatrice multidisciplinaire célébrée pour ses incursions singulières dans l’écriture, le game design et la mode. Au cours des 20 dernières années, elle a créé ou aidé à créer des centaines de mondes virtuels pour des studios, des collectifs, des hackerspaces. Romancière, couturière et dessinatrice, elle met l’accent sur l’imagination matérielle et les expériences texturées capable de combler le fossé entre les mondes, entre les différentes couches d’affect, jusqu’au point du silence. Sabrina trouve joie dans le Tend-and-befriend, l’improvisation et le rapport sensible au merveilleux. Elle a obtenu le Grand Prix de l’imaginaire 2018 pour son roman de de post-cyberpunk radical Toxoplasma, publié à la volte. Elle vit quelque part dans le fatal.

Après des études à l’Ecole des Arts Décoratifs de Nice, où il tourne ses premiers courts métrages. Jan Kounen officie en tant qu’assistant opérateur et réalisateur de vidéoclips et documentaires. En 1989, il se fait un nom avec le court métrage Gisele Kerosene (Grand Prix de la catégorie au Festival du Film Fantastique d’Avoriaz puis Vibroboy et Le Petit chaperon rouge. En 1996, il signe son premier long-métrage, l’excentrique et violent Dobermann, porté par Vincent Cassel. Il part au Mexique et au Pérou, s’immerge dans la culture chamane et revient en 2004 avec le western Blueberry, adaptation de la célèbre bande-dessinée. La même année, il poursuit son étude du chamanisme avec le documentaire D’autres mondes.

Après Darshan – L’étreinte – (2005), il change d’univers en 2007 en mettant en scène la comédie 99 F, féroce satire du monde de la pub adaptée du best-seller de Frédéric Beigbeder et portée par Jean Dujardin. Il réalise ensuite Coco Chanel & Igor Stravinsky qui a clôturé le Festival de Cannes 2009.

Auteur et designer, Charles Ayats conçoit des expériences interactives et participatives souvent enrichies de mécaniques de jeu pour faciliter la transmission de connaissance, à l’image de Type:Rider, triptyque ludique sur l’histoire de la typographie, coréalisé en 2013. Intéressé par le documentaire, il participe à la conception de plusieurs web-documentaire entre 2012 et 2015 diffusés par ARTE (Phi, Tati Express, Speedfarming 2050, Check-In, Pas si Bêtes les Animaux).

Passionné par la réalité virtuelle, il adapte en 2016 la bande dessinée SENS de Marc-Antoine Mathieu. Objet hybride, SENS VR est sélectionné dans de nombreux festivals (Tribeca, RIDM, FIFA, Salon du Livre, A MAZE,…). Il poursuit son exploration de la réalité virtuelle, entre récit et interactivité avec la coréalisation du CRI (2018) et 7 LIVES (2019) ; et autant que possible sur des projets de médiation, porteurs de sens, innovants et engagés.

La recherche de Huang Wei-Hsuan s’inscrit dans la construction d’un dialogue entre l’audiovisuel et la projection, pour convoquer l’imaginaire des spectateurs. Depuis 2016, il concentre son travail sur la photographie digitale et la modélisation d’espaces habités dans le passé ou n’existant que dans l’imaginaire. Cette approche lui offre la capacité de reconstruire les relations flottantes entre le passé et le présent, l’imagination et la réalité ainsi que les liens entre les personnes et leur environnement résidentiel.

Il a initié en 2018 le projet “Modernologie des images immersives éphémères” afin d’analyser et expérimenter la transformation et la représentation graphique de séquences du passé en mouvement ainsi que les volumes et les structures. Cette recherche explore le dialogue entre image et espace, la manière dont les chemins du passé fusionnent avec la mémoire et le mouvement physique, tout en analysant les potentialités de représentation et de ré-expérimentation des espaces et des lieux par la vidéo.

Ses œuvres ont été présentées au Centquatre Paris, NTMOFA Digital Arts Exhibition, YIRI ARTS Gallery entre autres… Son travail scénographique sera prochainement présenté au National Theater & Concert Hall (Taipei) ainsi que sur d’autres scènes. Il est actuellement créateur multimédia basé à Taipei (Taiwan).

Artiste plasticien, Antoine Schmitt crée des oeuvres sous forme d’objets, d’installations et de situations pour traiter des processus du mouvement et en questionner les problématiques intrinsèques, de nature plastique, philosophique ou sociale. Héritier de l’art cinétique et de l’art cybernétique, nourri de science-fiction métaphysique, il interroge inlassablement les interactions dynamiques entre nature humaine et nature de la réalité. 

À l’origine ingénieur programmeur en relations homme-machine et en intelligence artificielle, il place maintenant le programme, matériau artistique contemporain et unique par sa qualité active, au coeur de ses créations pour révéler et littéralement manipuler les forces à l’oeuvre. Avec une esthétique précise et minimale, il pose la question du mouvement, de ses causes et de ses formes. 

Son travail a reçu plusieurs prix dans des festivals internationaux et a été exposé entre autres au Centre Georges Pompidou, au Musée des Arts Décoratifs (Paris), à Sonar (Barcelone), à Ars Electronica (Linz), au Centre d’Art Contemporain de Sienne, au Musée d’Art Contemporain de Lyon, aux Nuits Blanches (Paris, Amiens, Metz, Bruxelles et Madrid).

Pauline Briand est une journaliste et une autrice spécialiste des enjeux environnementaux. Pour Billebaude, Usbek et Rica ou le Musée national d’histoire naturelle, elle a écrit sur la myxomatose, les forêts et le changement climatique, la disparition des insectes, l’évolution de la vie, et l’anthropologie au-delà de l’humain.

Julien Maudet conçoit des jeux de société comme outil de liaison social. Il crée des jeux et des dispositifs ludiques à caractère politique et satirique en s’appuyant sur l’actualité politique et sociale récente.

Clémence Seurat est programmatrice et éditrice, elle investigue en particulier des champs de réflexion et d’action liés à l’écologie politique. Elle a été membre du programme d’expérimentation en art et politique Speap. Elle a co-fondé le collectif COYOTE et la maison d’édition 369. Au sein du médialab de Sciences Po, elle conçoit des programmations et édite des contenus pour FORCCAST.

Baruch Gottlieb est artiste, chercheur et curateur. Il enseigne actuellement la philosophie de l’art numérique à l’Université des arts de Berlin et l’épistémologie des données à Université technique de Brandebourg. Il est membre des collectifs d’artistes Telekommunisten et Arts & Economic Group. Il est l’auteur de A Political Economy of the Smallest Things (ATROPOS 2016) et de Digital Materialism (Emerald 2018).

Née en 1981 à Dordrecht, aux Pays-Bas, Anouk Kruithof est une artiste visuel dont le travail s’inscrit au croisement de la photographie, de la sculpture, de l’installation, du photomontage, des livres d’artistes, du texte, de la performance, de la vidéo et des interventions dans l’espace public.

À partir de ses matériaux sources, tels que la photographie mobile, les captures d’écran tirées d’Internet et la photographie conventionnelle, le travail d’Anouk Kruithof épouse subtilement la prolifération d’outils de fabrication d’images ainsi que la variété de plateformes à travers lesquelles ces images circulent et produisent du sens.

Son langage plastique et son utilisation peu orthodoxe des matériaux brouillent les contextes, produisant des associations déroutantes. Anouk Kruithof dresse ainsi l’ébauche d’une carte des mentalités d’une société post-Internet, donnant forme à des relations invisibles, générant de nouvelles connexions et significations. Avec son travail, Anouk Kruithof comble le fossé entre le monde tangible et la manière dont il se manifeste en ligne.

Née en 1987 en Espagne, installée en France depuis 2012, Rocio Berenguer s’intéresse aux grands enjeux et mutations de notre monde contemporain – parmi lesquels l’évolution des espaces de liberté individuelle au sein de notre société, la place des technologies dans notre quotidien, les questions d’écologie… Ses créations sont des fictions prospectives qui explorent la possibilité d’un «autre demain». S’y lisent aussi, en creux, nos névroses contemporaines.

Pour chaque création, Rocio entame un travail d’enquête et de dialogue avec des scientifiques qui engendre un texte qu’elle agence ensuite avec d’autres matériaux, préférant hybrider différents médium – texte, danse, vidéos, art numérique – plutôt que de se restreindre à une seule pratique. Le recours aux nouvelles technologies très présent dans son travail ne relève pas d’une fascination mais d’une envie de les intégrer à l’écriture poétique tout en interrogeant la manière dont ces technologies, omniprésentes dans nos vies, modifient nos relations
interpersonnelles.

In fine, c’est bien le corps qui est le centre et le point de convergence de son travail. Le corps traversé par les codes sociaux de comportement, le corps au centre des enjeux d’identité, de représentation, de désir. Le corps menacé dans sa liberté et sa souveraineté par les agencements du néocapitalisme, le corps comme territoire à reconquérir.

DISNOVATION.ORG est un collectif artistique et groupe de travail initié en 2012 par Nicolas Maigret et Maria Roszkowska. Au croisement entre art contemporain, recherche et hacking, ils développent des situations d’interférence, de débat et de spéculation visant à questionner les idéologies techno-positivistes dominantes et à stimuler l’émergence de récits post croissance.

Leurs recherches se matérialisent sous forme d’installations, de performances, de sites web et d’évènements. Ils ont récemment édité The Pirate Book, une anthologie sur le piratage de contenus culturels. En 2018, ils ont reçu le Design Trust Grant (Hong Kong) pour une recherche sur la culture chinoise du Shanzhai. Ils sont actuellement artistes-chercheurs associés à l’Université de Californie à Irvine autour des questions de crises écopolitiques.

Leur travail a été présenté dans des expositions et festivals internationaux : Centre Pompidou (Paris), Transmediale (Berlin), le Museum of Art and Design (New York), Palais de Tokyo (Paris), FILE (Sao Paulo), ZKM (Karlsruhe), Strelka Institute (Moscow), ISEA (Hong Kong), Elektra (Montréal), China Museum of Digital Arts (Beijing), et le Chaos Computer Congress (Hamburg)… Leur travail a fait l’objet d’articles dans : Forbes, Vice, Wired, Motherboard, Libération, Die Zeit, Arte TV, Next Nature, Hyperallergic, Le Temps, Neural.it, Digicult, Gizmodo, Seattle Weekly, torrentfreak.com, et Filmmaker Magazine parmi d’autres.

Alain Damasio écrit peu, par exigence. Il a longtemps vécu d’études socio-économiques avant de trouver dans le scénario (TV, jeu vidéo) de quoi financer les trois années d’écriture pure que lui demande chaque roman. Homme engagé, cet intermittent de la militance affûte ses armes à la forge philosophique (Deleuze et Nietzsche) et en nourrit ses combats concrets tout autant que ses livres.

Il est l’auteur d’une dizaine de nouvelles qui s’inscrivent dans la veine de l’anticipation politique, lui apportant un franc succès. L’auteur participe également à des projets artistiques, il faut dire qu’Alain Damasio est particulièrement sensible à la musicalité de ses écrits et au langage du son, ce qui transparaît clairement dans son oeuvre et dans les créations qui gravitent autour d’elle.

Frédéric Deslias fonde Le Clair Obscur en 2002. Il y forge son goût pour la scène avec un groupe d’activistes. Il est repéré et accompagné par le CDN de Normandie, puis accueilli par le Workcenter de Jerzy Grotowski. D’abord musicien et sound designer, il compose et arrange pour le théâtre, la danse et le cinéma une vingtaine de créations de 2002 à 2014. Il se consacre depuis à ses activités de metteur en scène, d’artiste multimédia et de plasticien.

Sound designer et compositeur, Franck Weber agence des systèmes sonores pour des lieux ou des oeuvres non-linéaires : jeux vidéos, objets connectés, installations interactives… Il est membre du collectif de jeu vidéo expérimental One Life Remains et participe comme auteur et directeur sonore à la création d’œuvres immersives (Sens VR, The Scream VR, 7 lives).

Auteur et designer, Charles Ayats conçoit des expériences interactives pour faciliter la transmission de connaissance, à l’image de Type:Rider. Il participe à la conception de plusieurs web-documentaire pour ARTE (Phi, Tati Express, Speedfarming 2050, Check-In, Pas si Bêtes). En 2016, il adapte en VR la bande dessinée SENS de Marc-Antoine Mathieu et poursuit son exploration des réalités virtuelles avec le “CRI” et 7 LIVES, fiction expérimentale et interactive multi primée.

Né à Besançon en 1985, Fabien Léaustic présente comme particularité d’être diplômé à la fois d’une école d’ingénieur et de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Soutenu par la DRAC Bourgogne-Franche-Comté, il expose son travail en France ou à l’étranger, dans des institutions (Palais de Tokyo, CENTQUATRE Paris, Centre des arts Enghien les Bains, Casa de Velazquez Madrid, FRAC Franche-Comté…) ou des structures indépendantes (Fondation Vasarely Aix-en-Provence, Espace Pierre-Cardin Paris…). Après deux années de résidence à la cité internationale des Arts de Paris, Fabien Léaustic poursuit ses recherches au sein du programme doctoral SACRe (Sciences, Art, Création, Recherche) financé par PSL (Paris Sciences Lettres). Fabien Léaustic vit et travaille entre Paris et Lons-le-Saunier dans le Jura.

Scale est le nom d’une entité artistique derrière laquelle se cache plusieurs personnalités singulières en provenance d’horizons professionnels et artistiques distincts mais complémentaires. Composée aujourd’hui de 10 membres basés à Paris, Scale c’est avant tout une bande de copains passionnés partageant l’envie commune de sortir des sentiers battus en mélangeant leurs savoir-faire à leurs heures perdues.

Que ce soit le motion design, le mapping, le design led, l’interactivité, la robotique ou encore la programmation, leurs maîtrises technologiques sont d’autant de moyens d’expression au service d’une proposition artistique. Au fil des années et des créations pour la scène ou pour des environnements muséographiques, ils ont développé leur propre langage pour créer des oeuvres sensibles, ludiques et accessibles au plus grand nombre.

Décrite par le quotidien Le Monde comme “la pianiste la plus délicieusement singulière de sa génération”, Vanessa Wagner poursuit une carrière à son image, originale et engagée, mêlant les récitals classiques, la création contemporaine, la pratique des instruments anciens, la musique de chambre, ainsi que les rencontres transversales avec la vidéo, la musique électronique, la danse ou le théâtre.

Réputée pour ses couleurs musicales, l’intensité de son jeu et la richesse de son toucher, ses interprétations sensibles et réfléchies, son vaste répertoire sans cesse renouvelé, sont le miroir d’une personnalité toujours en éveil.

Future Baby Production est une initiative de Shu Lea Cheang et Ewen Chardronnet. En 2016, le fablab echOpen de l’hôpital de l’Hôtel-Dieu à Paris, un projet ouvert et collaboratif et un fablab communautaire ayant pour but de concevoir un échostéthoscope (appareil à ultrasons portable) fonctionnel, peu coûteux et open source, a invité les deux artistes/auteurs à collaborer et à contribuer au projet communautaire par leur pratique et leurs compétences artistiques. Cette opportunité a donné naissance au projet UNBORN0X9.

Bientôt, une large équipe d’artistes et de facilitateurs culturels intéressés s’est jointe à l’initiative et a commencé à travailler sur les différentes dimensions du projet de performance de hacking. Le nom collectif Future Baby Production représente l’effort collectif commun pour soulever des questions telles que l’impact possible de l’écho-stéthoscopie à bas coût sur les problèmes de santé mondiale, les questions d’accès aux soins de santé et de maternité, l’ectogénèse et la technicisation de la reproduction, et le va-et-vient entre l’imaginaire de la science-fiction et la science en devenir au sens large.

Pantha Du Prince, né en 1975, est un producteur, compositeur et artiste conceptuel originaire de Bad Wildungen, en Allemagne de l’Ouest. Depuis ses débuts en 2005, il a sorti quatre albums. Ses expositions d’art lui valent autant la reconnaissance que sa techno minimale.

Sa maîtrise de l’avant-garde s’étend même aux expositions d’art conceptuel auxquelles il participe depuis 2004, et il reste à ce jour une personnalité influente sur la scène techno mondiale, travaillant sur le même album avec des artistes tels que Animal Collective, LCD Soundsystem, et !!!, entres autres. Après plus de dix ans d’activité, il continue à innover et à inspirer ses pairs.

Singing Chen transmet les observations sociales qu’il mène depuis longtemps par le biais de documentaires et de longs métrages de fiction. Son approche du réalisme magique met en évidence l’absurdité du réel et souligne certains problèmes sociaux d’ordre structurel. À travers ses œuvres à la construction raffinée et au rythme rapide, il parvient à communiquer des émotions subtiles et évoquer les dynamique profondes qui traversent ses personnages.

Ses œuvres ont été présentées et nominées à la Berlinale, aux Golden Horse Awards, au Festival international du film de Busan, au Festival international du film documentaire de Yamagata, au Festival du film de Taipei, au Festival du film de Kaohsiung et au Festival international du documentaire de Taïwan. Il est également compositeur de musique pour le théâtre et le cinéma. Ce double talent enrichit son travail en terme de rythme et de musique.

Stéfane Perraud est né en 1975, il vit et travaille à Paris. Il est diplômé des Arts décoratifs de Paris, et obtient un post diplôme en atelier de recherche interactive en 2001. Il obtient une résidence au Collège de France dans le cadre de l’Open Lab en 2011 et une bourse de développement de Pictanovo en 2013 pour un projet art/science lié au nucléaire.

Son domaine de recherche, lié à l’énergie de la matière et de la lumière, le pousse régulièrement à collaborer avec des écrivains et des scientifiques. Son travail ouvre un dialogue parfois fictif, avec l’imperceptible et l’inframince, dans la perspective de relier les diverses activités de l’âme humaine avec l’intimité de la matière. Ses outils et formats de prédilection sont des hybridations qu’il puise et déconstruit dans les nouveaux médias, les sciences et les techniques de pointe.

Depuis 2003, il collabore avec plusieurs artistes dans le milieu du théâtre, de la danse et de la performance (Eli Commins, Trajal Harell, Ali Moini…). Il expose régulièrement son travail en France et à l’étranger (Musée des Arts Décoratifs, le Collège des Bernardins, le Musée de la Chasse à Paris, la Maison Particulière à Bruxelles, le Centre d’Art de Manoa à Hawaï, la Chambre Blanche au Québec,…). Il prépare actuellement une exposition sur le paysage nucléaire qui se déroulera au Lieu Unique à Nantes en 2021, et une autre à Malte en 2020 sur les propriétés physiques de la lumière dans le cadre de la bourse européenne Vertigo.

Né à Kaohsiung, Taiwan, en 1984. Artiste et développeur informatique basé à Taipei.

La grande majorité des œuvres de Cheng Hsien-Yu sont des installations expérimentales liées à l’électronique, l’informatique et la bioélectronique. Il y explore les relations qui se nouent entre le comportement humain, l’émotion, le logiciel et la machine.

Dans ses œuvres, l’artiste cherche à exprimer le sens de la vie, par le prisme souvent humoristique de ses propres observations et ressentis tant sociaux qu’environnementaux.

Il se concentre actuellement plus particulièrement sur les champs de la biologie, de l’électronique, du logiciel et travaille sur la création d’outils d’applications créatives industrielles. Chueng Hsien-Yu a été sélectionné par Dutch Young Talent et a gagné plusieurs distinctions – 1er prix du Taipei Digital Art Award, Prix nouveau média de Kaohsiung Art Award, et Tung Chung Art Award.

Les œuvres de l’artiste Verena Friedrich se présentent sous forme d’installations temporelles mariant des moyens organiques, électroniques et sculpturaux dans lesquelles la recherche théorique et les expériences pratiques constituent le point de départ. Valorisant les interactions directes avec les scientifiques, elle s’intéresse en outre aux travaux pratiques des laboratoires de science du vivant.

Artiste en résidence à SymbioticA – Centre of Excellence in Biological Arts de l’Université d’Australie-Occidentale et à l’Institut Max-Planck de biologie du vieillissement à Cologne en Allemagne, ses projets ont été présentés internationalement dans le cadre d’expositions, de festivals d’art médiatique et de conférences et ont été récompensés par l’International Media Award en Science et Art du ZKM | Centre d’art et de technologie des médias de Karlsruhe en 2005; une mention spéciale au VIDA 13.2 Art and Artificial Life Awards, une mention d’honneur lors du Prix Ars Electronica 2015, une mention du jury au Japan Media Arts Festival 2015 et le prix Transitio_MX en 2017.

Ces dernières années elle enseigne à l’University of Art and Design Offenbach et à l’université Bauhaus de Weiwar, toutes deux situées en Allemagne. Parallèlement, elle mène avec deux collègues le projet exMedia Lab à l’Academy of Media Arts de Cologne où elle met l’accent sur les technologies fait maison, l’art écologique et le bio-art.

Quentin Lannes s’intéresse à la question des traces – digitales ou analogiques – que nous produisons plus ou moins consciemment et que nous laissons derrière nous. Il est donc attentif à l’évolution des dispositifs technologiques qui les produisent et aux nouveaux usages qu’ils induisent.

Il a réalisé le portrait d’un homme qui développe son avatar mémoriel, à partir des publications le concernant trouvées sur internet (The unauthorized portrait of F). Il a remonté la trace de fantômes qui peuplent les appareils numériques obsolètes (Racing a Ghost). Il s’est également penché sur la circulation et l’identification des images sur le web et au sein des réseaux de seconde-main (Christiane ou La Maison). Avec Cassandre Poirier-Simon, il a mené une réflexion sur l’utilisation des assistants personnels dans les domaines créatifs (Amorce). Ces projets sont empreints d’une forme de mélancolie que l’on pourrait nommer « digital spleen ».

Quentin Lannes est né en 1989 à Évreux, France. Il vit et travaille à Lyon.

La pratique de Thierry Fournier travaille aux frontières du vivant pour aborder des questions d’altérité, au sens large : installations, objets, pièces en réseau, sites web, vidéos, prints, performances. Il est également commissaire d’exposition indépendant, éditeur et enseignant. Architecte de formation (diplômé de l’École nationale supérieure d’Architecture de Lyon), il est né à Lyon en 1960. Il vit et travaille à Aubervilliers.

Les œuvres de Claire Williams prennent la forme d’antennes tissées, de sculptures en verres emplis de plasma ou encore d’appareils qui captent l’invisible.

Des donnés de radios-télescopes se matérialisent en points tricotés, en vibrations sonores ou encore sous forme de pulsations lumineuses. Elle sculpte et façonne des sculptures électroniques afin de rendre visible les mouvements électromagnétiques allant du cosmos à notre magnétosphère, aux ondes radios traversant notre environnement terrestre ou encore celles émanant de nos corps.

Elle travaille actuellement sur l’exploration de l’éther, au croisement des pratiques des sciences occultes et expérimentales. Elle explore ainsi notre relation au monde de l’invisible en réactivant des pistes abandonnées de certains scientifiques et chercheuse.re.s de la moitié du 19ᵉ siècle.

Élisabeth Caravella est une artiste et cinéaste française qui vit et travaille à Paris. De nature autodidacte, elle s’initie dès l’adolescence à la vidéo, au net art et à l’image de synthèse. Diplômée de L’École Européenne Supérieure de l’Image, des Arts Décoratifs de Paris et du Fresnoy, son travail, inspiré par la culture cybernétique, est à la frontière entre art contemporain et cinéma.

En exposition ou en festival (Shangaï Pearl Museum, La Géode, Festival Premiers Plans, Festival Indielisboa, Palais de Tokyo, Liste Art Faire Basel, CENTQUATRE, Gaité Lyrique, etc.), elle réalise des installations vidéo ainsi que des fictions expérimentales portées par le détournement et l’hybridité des genres telles que Coup de fil anonyme (2009) un « film photoshop », Une pâte brisée, une histoire sans drame (2012) une fiction documentaire, Howto (2014) un tutoriel cinématographique récompensé en festival ou encore Krisis (2019), une machinima à la frontière entre FPS et réalité virtuelle.

En 2019, Elisabeth participe à l’exposition itinérante cyber-féministe Computer Grrrls et adapte Howto en installation immersive.

Eva Medin est une artiste française née en 1988 à Rio de Janeiro. Formée à la scénographie aux Beaux Arts de Monaco, elle y développe une approche liée au mouvement chorégraphique et collabore avec des chorégraphes comme les Ballets de Monte-Carlo ou Mathilde Monnier. Elle est ensuite diplômée des Arts Décoratifs de Paris où elle approfondit cet héritage du corps à travers le médium vidéographique.

Eva Medin développe un vocabulaire multidisciplinaire à mi-chemin entre installations immersives, performances, sculptures et vidéos. Plasticienne et vidéaste, sa méthode de travail rapproche la scénographie, la fabrique du cinéma et la littérature d’anticipation, au profit d’un questionnement central : en quoi la fiction peut-elle nous permettre de nous réapproprier notre futur ?

« Le travail de Felix Luque Sánchez en collaboration avec Damien Gernay et Vincent Evrard,  interroge la manière de concevoir notre rapport à la technologie ainsi que les enjeux contemporains du développement de l’intelligence artificielle et de l’automatisation. A partir de l’utilisation combinée de systèmes de représentations électroniques et digitales, de sculptures mécatroniques, de compositions sonores génératives, de flux de données en temps réel et de processus algorithmiques, les procédés narratifs sur lesquels reposent ses installations entremêlent fiction et réalité et préfigurent les scénarios possibles d’un futur proche, en nous confrontant aux peurs et aux attentes que les machines provoquent en nous ».

Texte de Pau Waelder

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Issu de la scène musicale, formé comme monteur truquiste aux côtés du réalisateur Bruno Ulmer puis comme cadreur au cours de nombreux projets collectifs se revendiquant de l’esthétique relationnelle, Cyril Meroni expérimente dans sa pratique personnelle la mise en espace de l’image et du son. 

Du live audiovisuel à la scénographie de spectacles et de festivals, en passant par de nombreux mappings mais aussi par la réalisation de deux films, ses créations lui permettent d’explorer différents types de narration audiovisuelle. Sa démarche artistique le conduit à s’interroger sur la relation entre la précision de la technologie et l’inhérente imperfection de l’action humaine. 

Il a travaillé en tant aux côtés de Rioji Ikeda, Blanca Li, Anti VJ, Hubert Colas, et pour les festivals Exit, le Fid, Le Festival d’Avignon, Le Bon Air,…  Co-directeur artistique et technique de l’association Hexalab, il est aussi formateur indépendant sur des logiciels de post-production et de diffusion vidéo.

Emma Terno explore les rituels du quotidien, leurs cérémonials ainsi que leurs modulations au travers de l’expansion virtuelle. L’inspiration des nouvelles technologies forme d’autres interrogations sur notre héritage corporel et le fabuleux mécanisme des mouvements du corps est ce qui anime ses recherches.

Chorégraphe, danseuse et artiste visuelle, elle soumet ces rites chorégraphiques aux techniques acoustiques et virtuelles pour nous confronter à nos habitudes et à nos sensations. Le corps comme laboratoire d’expérimentation, de travail, de rencontre avec des personnes venues d’autres disciplines et d’autres horizons.

Originaire de Monaco, elle fréquente la Villa Arson (Nice, France) puis obtient un Bachelor en Arts Visuels à L’ECAL (Lausanne, Suisse) et un Master en Scenic Art Practices (Berne, Suisse). Parallèlement, elle est diplômée de l’académie de Musique Rainier III (Monaco) en electroacoustique. Son travail a été diffusé sur plusieurs plateformes en France (Plateforme chorégraphiques 2017, Festival Sobanova en 2016 / Paris) et en Europe (Skilt Festival / Berne, Festival Racconti di Altre Danze / Livorno). Pour la saison 2019/2020, elle intègre le Laboratoire Lips au Grame (Centre National de Création Musicale / Lyon) dans le cadre de la Biennale des Musiques Exploratoires.

Né en 1989, Abdessamad El Montassir vit et travaille entre Boujdour, Rabat et Marseille. Ses recherches sont axées sur une trilogie : le droit à l’oubli, les récits fictionnels et viscéraux, et le trauma d’anticipation.

Dans l’ensemble de son travail et de ses recherches, l’artiste met en place des processus réflexifs qui invitent à repenser l’Histoire et les cartographies à travers les récits collectifs ou fictionnels et les archives non matérielles. Dans un même temps, ses projets questionnent les traumatismes et leurs influences sur les individus, leurs comportements et leurs évolutions socio-politiques, et déploient des processus où ces traumatismes servent à l’historisation.

Ces problématiques, Abdessamad El Montassir les aborde en prenant en considération les savoirs des identités qui ne sont pas humaines – les plantes et les récits viscéraux – afin de faire émerger des manières renouvelées de penser nos environnements.

Jesús Tamez-Duque est un artiste interdisciplinaire et un développeur de technologies basé sur le territoire de la Métropole Aix-Marseille-Provence (France). Exposées d’abord au Mexique, ses premières installations muséales ont intégré la neuroscience pour explorer les réactions et les connexions inconscientes face aux oeuvres d’art. Ses pièces ont ensuite rapidement gagné en complexité pour permettre une interactivité accrue et une meilleure intégration des concepts et des outils scientifiques. Son travail s’appuie sur le principe que les sciences sont une forme d’art, que les nouvelles technologies doivent être traitées comme une évolution des médias artistiques, que le 21e siècle appelle à créer un art qui se vit et pas simplement dont on est témoin, et que l’art est finalement créé par le public ou ceux qu’il nomme les « interacteurs » ; ce sont les trois points principaux de ce qu’il appelle « l’Art du papier ».

Annabelle Playe se forme au chant lyrique à l’École de Musique de Pantin et à la composition musicale auprès de Sergio Ortega. Aujourd’hui, sa musique oscille entre électroacoustique, drone et noise. Sa recherche compositionnelle s’articule autour du timbre, de la physicalité du son avec une attention particulière à la structure musicale. Sa démarche s’inscrit dans cette nécessité de développer, à travers ses compositions, une autre temporalité. En live, elle se produit avec un dispositif d’instruments électroniques.

Alexandra Radulescu est une artiste visuelle et designer d’expériences interactives et immersives. Travaillant au croisement de l’art média avec la technologie et le design, elle souhaite consolider et étendre notre relation à la technologie à travers des interfaces tangibles et gestuelles, en faisant appel à l’imaginaire du public, à leurs émotions et leur créativité. Elle cherche à créer des univers clairs et épurés, mais aussi ludiques et porteurs d’identité, s’adressant au public, avec l’intention d’éveiller le plaisir de la mise en mouvement du corps.

Née au Québec (Canada), Véronique Béland vit en France depuis 2010, où elle a été diplômée du Studio national des arts contemporains le Fresnoy (Promotion Michael Snow, 2010-2012). Elle est également titulaire d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Sa pratique artistique, qui gravite entre les arts médiatiques et la littérature, s’intéresse à des phénomènes insaisissables à échelle humaine, dans une tentative constante d’ausculter ce qui semble vide pour en révéler le contenu. Par divers protocoles de traduction ou de transcodage, qui convoquent à la fois les mondes de l’art et de la science, ses œuvres cherchent à faire contact entre le perceptible et l’imperceptible, d’où en jaillit une certaine forme de narration.

Laurent Pernot est né en 1980, il vit et travaille actuellement à Paris. Diplômé de l’Université Paris 8 et du Fresnoy studio national, il façonne une œuvre polymorphe qui explore la mémoire à travers l’expérience du flux du temps, de l’impermanence des choses, de l’apparition et de la disparition. Ses recherchent empruntent souvent à l’histoire, à la poésie, à la philosophie et aux sciences, dans une approche qui interroge la nature et la fragilité du vivant. Son travail a notamment été exposé à la Fondation Miro de Barcelone, à la Sketch Gallery de Londres, à l’Espace Culturel Louis Vuitton à Paris, au Palais de Tokyo, à la Maison Rouge, au Grand Palais, à la Biennale de São Paulo, au Centre Pompidou, au MMOMA de Moscou, au musée Delacroix, au Mac-Val et au Voyage à Nantes. Ses oeuvres sont présentes dans des collections de musées, de fondations et de privés du monde entier.

Guillaume Marmin conçoit des installations et des performances propices à l’exploration des liens entre lumière, son et espace. Influencé par des cinéastes tels Norman McLaren et Stan Brakhage comme par l’art cinétique, il poursuit l’étude des formes en mouvement à la lueur des outils contemporains. Qu’il s’agisse de questionnements scientifiques nourris par des collaborations avec des chercheurs ou de symbolisme mystérieux, ses créations mettent en scène notre rapport à la lumière.

Après des études en audiovisuel, ses premiers travaux sont présentés en 2005 à la Biennale d’art contemporain de Lyon où il fait partie de la sélection « jeunes artistes ». Depuis, ses projets l’ont amené à travailler dans de nombreux pays dans le cadre d’expositions collectives et personnelles ainsi que pour des commandes d’installations pérennes dans l’espace public. Cultivant un lien fort avec la musique, Guillaume conçoit également des scénographies et se produit lors de performances aux côté d’artistes comme Jeff Mills ou au sein du trio Walter Dean.

Musicien, compositeur de musique électronique et artiste sonore, Owen Chapman utilise une combinaison de technologies numériques et analogiques pour le re-mixage audiovisuel en direct. Il est engagé dans le développement d’outils open source pour générer des interactions accessibles et significatives entre le son, le lieu et le mouvement. Owen Chapman est professeur d’études sonores au département de communication de l’Université Concordia (Montréal).

Peter Sinclair est un artiste sonore et chercheur en art audio. Son travail se concentre aujourd’hui sur la sonification des données en temps réel, l’audio mobile et le développement artistique de nouveaux auditoriums. Il développe ce travail au sein de l’unité de recherche Locus Sonus dont il est responsable scientifique. Il s’agit d’un laboratoire d’expérimentation en art audio soutenu par l’Ecole Supérieure d’Art d’Aix en Provence et financé par le ministère de la Culture et de la Communication.

Né en 1972, Michaël Cros vit et travaille à Marseille. Artiste transdisciplinaire, il associe dans son travail les arts de la marionnette, la danse contemporaine et les arts numériques. Ses créations se matérialisent sur scène, sur écran ou sous forme d’exposition.  Diplômé des Beaux-Arts de Marseille et de Lyon, il entre à La Méta-Carpe en 2003.

En plus des compétences techniques liées aux médiums utilisés, il a acquis au fil des années une expertise dans la direction de projets artistiques et dans la mise en œuvre de processus créatifs collaboratifs, notamment avec le TJP CDN de Strasbourg-Grand Est et ses Rencontres Internationales Corps Objet Image. Influencé par les Humanités Écologiques, il affirme la dimension art-science de ses créations en invitant au sein des équipes artistiques des anthropologues, éthologues, et philosophes. Son goût pour la transmission l’amène à partager régulièrement ses recherches avec différents publics, enfants, étudiants, publics empêchés, amateurs de tous âges.

Depuis plus de dix ans, une figure revient régulièrement dans son travail, constituée de corps hybrides, mécanisés, et végétaux : le Peuple Sombre. Dans un contexte environnemental de plus en plus inquiétant, il questionne avec ces créatures étranges notre condition humaine, ainsi que nos liens avec les autres existants, quelle que soit leur échelle. Entre espèces menacées, y aurait un avenir commun à inventer ?

Artiste sonore et improvisatrice, Julie Rousse est une phonographe passionnée, toujours à la recherche de nouveaux fieldrecordings. Inspirée par les notions d’espace, de rêve et d’écologie, elle pratique l’improvisation libre, fouillant la matière du son brut en temps réel, d’intrusion dans le détail, à la recherche de textures nouvelles et de rythmes uniques, de paysages imaginaires et délivre une expérience sonore tout à fait particulière.

Son travail a été montré dans des évènements majeurs, festivals et lieux dédiés aux arts numériques et à la musique expérimentale, lors d’installations et de performances sonores.

Née à Athènes en 1979, Félicie d’Estienne d’Orves vit et travaille à Paris. 

Artiste plasticienne dont le matériau est la lumière, ses installations et performances font appel à une connaissance phénoménologique du réel et  interrogent le conditionnement de notre regard. Dans son travail, la lumière est à la fois l’outil et le sujet. Elle s’intéresse à la définition des limites de l’espace, physique et cosmologique, par la lumière et sa vitesse.

Son travail a été présenté au Centre Pompidou – Nuit Blanche – Le Centquatre 104 (Paris) – Le Fresnoy Scène Nationale (Tourcoing) – La Friche Belle de Mai (Marseille) – Cheminée EDF (Le Havre) – Abbaye de Maubuisson (Saint-Ouen-l’Aumône) – Watermans Arts Center (Londres) – New Art Space / Sonic Acts (Amsterdam) – TBA Teatro do Bairro Alto (Lisbonne) – Ars Electronica (Linz) – Elektra Festival (Montréal) – Day For Night (Houston) – OCAT (Shanghai) – Aram Art Museum (Goyang /Corée)…

La musique de Fabien Fabre, aussi connu sous le nom de Texture Droite, est dense, elle invite au voyage grâce à des synthés poussés dans leurs derniers retranche- ments ainsi qu’une rythmique composée en partie de bruits concrets.

Le travail d’Etienne Rey explore la notion même d’espace. L’enjeu est de produire des déplacements de perception. La question du lieu et de l’environnement, de l’in situ et de l’architecture participent à la découverte de structures spatiales par le biais de déplacements et de la démultiplication des points de vue.

Les diverses installations ont pour point commun d’inviter à des expériences constituées de matériel et d’immatériel, d’énergies et d’attractions qui mettent en jeu des phénomènes physiques dont le vecteur principal est la lumière. Des transformations réflexives s’opèrent entre perception, propre à chacun, et conscience de l’impact de notre présence. L’intention est de produire des expériences d’espace. Les pièces dévoilent la façon dont ce dernier se structure. Entre installations immatérielles faites de brume et de lumière et celles employant des matériaux aux propriétés optiques, toutes les œuvres élaborent des filtres perceptifs de l’environnement nous amenant à questionner notre relation au réel.

Après une formation de réalisation audiovisuelle, Javiera Tejerina-Risso développe des pièces qui associent la plasticité de la matière et le passage du temps. Ses recherches l’amènent à s’approprier des matériaux produits par des laboratoires de recherche scientifique, puis à y co-produire des matériaux autour de la notion de flux. Elle achève sa première année de recherche en doctorat « recherche et pratique de la création artistique » à l’Université d’Aix-Marseille sur la création d’œuvres immersives et les données scientifiques globales : comment représenter le monde à travers le rythme des océans. « 378 days recording water » s’inscrit dans cette double démarche.

Les oeuvres de Victoire Thierrée permettent au spectateur de découvrir un univers qui ne lui est, d’ordinaire, pas révélé. Diplômée de l’École des Beaux-arts de Paris en 2014, l’artiste explore le domaine des armées et emploie des matières premières telles que des céramiques techniques ou des appareillages de vision, des tissus de camouflage ou des revêtements non-accessibles aux civils.

Mathilde Lavenne est née en 1982, en France. Après avoir axé son approche en 2011 sur les technologies émergentes et les outils numériques en développant une écriture de l’image, elle reçoit en 2015 le Prix Talents Contemporains de la Fondation François Schneider. A l’instar de l’archéologie qui emprunte autant aux sciences de la terre qu’aux sciences naturelles et humaines, Mathilde Lavenne aborde le voyage sous l’angle de la fouille, de la matière et de l’errance.

Hiroaki Umeda est un danseur, chorégraphe et plasticien japonais de danse contemporaine. Il fonde sa compagnie de danse en 2000, après quoi il créera ses propres œuvres transdisciplinaires. Il est aujourd’hui l’une des figures de la scène avant-gardiste nippone, sa méthodologie holistique et les fortes influences du numérique font de son œuvre un travail reconnu. Il considère que la danse n’est pas faite uniquement d’éléments physiques mais aussi optiques,sonores,sensoriels et surtout,d’éléments spatio-temporels. Son intérêt principal réside dans le travail des dimensions spatio-temporelles. Au-delà de la chorégraphie, Umeda explore la composition sonore et lumineuse, et la scénographie.

Christophe Monchalin est un artiste numérique et motion designer, basé à Bruxelles. Ingénieur diplômé en 2004 de Institut Méditerranéen d’Étude et Recherche en Informatique et Robotique, sa pratique du numérique se tourne vers les arts interactifs et ses recherches artistiques vers l’humain et son ressenti. Sa démarche artistique s’enrichit de diverses expériences : il poursuit aussi des études en médecine chinoise et est acupuncteur diplômé auprès de l’Académie de Médecine Chinoise de Pékin.

Né à Nantes en 1968, Alain Josseau vit et travaille à Toulouse. Depuis une dizaine d’années, il travaille sur le thème des guerres contemporaines et de leur mise en image, en particulier la surveillance et du bombardement des zones de confits par les drones. Ses installations proposent une réflexion sur la guerre contemporaine sa médiatisation et les enjeux sur la simulation et le simulacre dans ce contexte.

Né en 1988 à Lyon, Hugo Deverchère est diplômé de l’ENSAD de Paris et du Fresnoy – Studio National des Arts Contemporains. Son travail propose un ensemble d’expériences qui sont autant de pistes pour interroger et évaluer notre rapport au monde. Que ce soit à partir de récits, de données collectées, d’images captées, fabriquées ou simplement trouvées, ses recherches ont recours à des procédés de modélisation, de transposition ou de conversion qui agissent comme un prisme entre le réel et ses représentations.

Florian Schönerstedt, né en 1982 à Draguignan, vit et travaille à Nice. Il travaille le cinéma d’animation, en détourne les codes et les techniques. L’artiste base sa démarche sur des collectes d’objets qui seront la matière première de ses films et installations. De manière exhaustive, il scanne ou photographie chaque objet d’une collecte pour en obtenir sa trace. Cette exhaustivité place sa démarche dans une optique de documentation du réel.

Artiste plasticien, sa démarche comprend tant une dimension créative qu’une recherche théorique importante. Pour l’artiste, ces deux axes sont indissociables et leur combinaison constitue la dynamique qui lui permet d’approfondir ses créations artistiques. Yoann Ximenes explore les relations d’influence entre l’univers sonore et le monde physique. L’objectif de sa recherche est de penser le processus performatif au sein même de la création artistique. Sa démarche comprend tant l’expérimentation pratique que l’élaboration théorique sur les questions de correspondances entre images et sons ; l’incarnation des sons en images et volumes.

L’artiste se décrit comme un “expérimentateur constructeur”. Il vit et travaille en Vendée. Guillaume Cousin mène une recherche artistique dans le spectacle vivant en tant que scénographe et éclairagiste. Ce chemin l’a mené vers un travail de scénographie souvent proche des arts plastiques. Il mène parallèlement un travail de recherche en lien avec la physique quantique, qui prend la forme d’installations post-numériques questionnant notre perception de la matière et du temps, dans l’immensité des interactions dont notre monde est fait.

Nicolas Clauss pose les pinceaux en 2000 pour utiliser principalement la vidéo et la programmation. Ses instal- lations et tableaux d’un nouveau genre sont des œuvres génératives, non-figées en «ré-écriture» constante. La démarche du plasticien vidéographe ne cesse de ques- tionner, dans une forme d’anthropologie visuelle et cho- régraphique, la figure et la réalité humaine en inventant d’autres modes d’exploration de l’image en mouvement..